2008: Despedida y cierre con E.S.T y "The Goldhearted Miner"

No es más que un tramite. Acaba 2008 y empieza 2009, pero la vida sigue, y la música no cesa.

Este año ha sido fantástico, aunque todos lo son por un motivo u otro. Siempre hay música estupenda a la vuelta de la esquina, sólo hay que tener las orejas bien abiertas y estar atentos.

Para despedir el año, no puedo evitar volver a un disco que no me parece particularmente importante, pero que veo muy adecuado: el Live In Hamburg de E.S.T. Y elijo este disco por la versión en directo de "The Goldhearted Miner", uno de los últimos grandes temas del excelente pianista Esbjörn Svensson, tristemente desaparecido en junio de este año. Uno de los pianistas mas influyentes de su generación, que supo acercar el jazz al gran público y al que le quedaba mucho que decir aún.

Es un poco triste despedir el año diciendo adios a quienes nos han dejado, pero nos quedamos con lo bueno, con su legado resonando para siempre en nuestra vida. Svensson, Johnny Griffin, Peer Wyboris o la última gran pérdida, Freddie Hubbard, tienen un lugar especial en nuestro 2008, por motivos evidentes.

Sin tristeza, con todo el agradecimiento por la música que nos dieron, les decimos adios junto a este 2008 mientras suena "The Goldhearted Miner"...


Ilustración de Esböjrn Svensson por Naiel Ibarrola

Freddie Hubbard (1938-2008) - D.E.P.

Una trágica noticia para acabar el año. Ha muerto uno de los más grandes músicos de jazz de todos los tiempos.

Su participación en discos como The Blues and The Abstract Truth de Oliver Nelson, Maiden Voyage de Herbie Hancock, Free Jazz de Ornette Coleman, Ascension de John Coltrane, Out To Lunch de Eric Dolphy o Speak No Evil de Wayne Shorter (además de muchos otros) le situa, no necesariamente como el mejor, sino como el trompetista más importante de la segunda mitad del siglo XX.

Todo esto sin contar con los fantásticos discos que grabó como líder entre los que destacan Open Sesame, Goin' Up, Ready For Freddie... En realidad todos son buenos. Demasiada música para un solo post.

Ahora sólo podemos honrar su memoria de la mejor manera: escuchándole.

Nagl/Bernstein/Akchoté/Jones - Big Four Live

Reseña publicada en Cuadernos de Jazz


Max Nagl (sa); Steven Bernstein (tp), Noel Akchoté (g); Bradley Jones (b)
Willisau, 3 de septiembre de 2005
hatOLOGY 637
*****

Aparte de su evidente calidad e importancia, recuerdo las grabaciones de los Sidney Bechet-Muggsy Spanier Big Four como una pieza clave en mi educación musical. Curiosamente, un grupo de tan escueta andadura le sirvió a Max Nagl como excusa para formar este cuarteto en 2001. Lo que entonces pareció una fugaz aventura ha tenido continuidad, y ahora se presenta en directo con resultados espectaculares. A pesar de la curiosa instrumentación, estos Big Four presentan una música muy organizada, en la que cada uno tiene un rol imprescindible, consiguiendo que no se eche en falta ningún instrumento necesario en otras circunstancias.

El grupo, liderado en teoría por Nagl, pero necesariamente colectivo, se ve arrastrado a menudo por la personalidad de Steven Bernstein, uno de los músicos mas carismáticos del jazz de los últimos tiempos. Además de ganar terreno como compositor (cinco de los nueve originales son suyos), su trompeta es capaz de evocar a Armstrong y a Cherry en un solo fraseo y posee la flexibilidad necesaria para este proyecto. Su complemento perfecto es el saxo de Nagl, que manifiesta en Big Four Live más herencia de Dolphy que de Ornette (como ocurría en el anterior disco de la banda) y que sigue teniendo un sonido precioso que adorna todas sus siempre interesantes intervenciones. La compenetración entre Akchoté y Jones es terrorífica, como la solidez del bajista, que lleva sobre sus dedos el peso del grupo.

Aunque hay espacio de sobra para la improvisación, cada momento está medido y el conjunto se mantiene constantemente al borde de la explosión, sin alcanzarla. Esta contención, lejos de acartonar, transmite un equilibrio perfecto entre los instrumentistas y, a su vez, entre los enrevesados pasajes por los que transcurren los temas. El grupo, sin preocuparse por los riesgos que les rodean, ejecuta limpiamente una música más atemporal que moderna, situada entre la orquestación y la espontaneidad y que no renuncia a la libertad ni a la belleza.

Yahvé M. de la Cavada

Vandermark 5 - Beat Reader

Probablemente, el mejor disco del año.

Todo lo demás que tengo que decir está en la reseña publicada en tomajazz en abril de 2008:

Hay pocos grupos en activo con la solvencia y el alto nivel que tienen los Vandermark 5, y cada vez que se incorpora una pieza más a su discografía es un momento de tensión. Como con el quinteto de Dave Holland o el trío de Keith Jarrett, la experiencia nos ha demostrado que cada entrega de su obra es de una calidad impensable para muchos de sus contemporáneos y que, aunque hagan uso del derecho a citarse a sí mismos, cada tema que producen está justificado, sea desde la perspectiva de la excelencia musical o desde la simple premisa de estar constantemente buscando y creando.

El anterior disco de Vandermark 5, A Discontinuous Line marcó un nuevo comienzo para esta banda, debido a algo muy importante: la salida de Jeb Bishop y la entrada (no diremos que sustituyéndole) de Fred Lonberg-Holm. La capacidad para reinventar la banda y redirigirla del líder ha sido magistral. Lejos de caer en la autoindulgencia o intentar en vano cubrir la plaza de Bishop, Vandermark ha puesto en marcha unos V5 completamente nuevos, sin perder un gramo de personalidad en el camino.

El único disco que podría considerarse “de transición” es el doble LP en directo editado por Not Two, Four Sides To The Story, en el que Lonberg-Holm se incorpora a un quinteto que mantiene en su repertorio temas de The Color Of Memory mientras estrena algunos que se grabarían semanas después en A Discontinuous Line. Desde entonces, Vandermark ha compuesto específicamente para los nuevos V5, y el resultado ha sido espectacular. Si su anterior disco demostraba el acierto de la incorporación del chelista, Beat Reader confirma que Lonberg-Holm era lo mejor que podía pasarle al grupo, sin desmerecer al gran Jeb Bishop. 

Beat Reader suena mas maduro, más redondo que cualquier entrega anterior de la banda, y eso son palabras mayores. Desde la primera nota, no hay un solo segundo en esta grabación que no sea magistral. Las composiciones, la compenetración de la banda, los solistas, todo ello es intachable y de una calidad impensable. Vandermark ha roto la barrera entre compositor e instrumentista y se expresa con una elocuencia apabullante. Como ya hiciera en A Discontinuous Line (y parece que va a ser tónica habitual a partir de ahora), opta por limitarse a tocar saxo barítono y clarinetes, dejando a Dave Rempis la exclusividad en los saxos alto y tenor. Ésta medida hace que la paleta sonora sea más rica y define aun más los lenguajes de cada instrumentista. 

A pesar de que ha avanzado muchísimo en el dominio del tenor, Vandermark es un maestro del clarinete y el clarinete bajo (un par de muestras claras de ello en Beat Reader son los temas “Signposts” y “Friction” respectivamente), y una de las voces ineludibles para entender el saxo barítono de los últimos años (como demuestra en la escalofriante “Any Given Number”). 

Rempis, por su parte, ha pulido su sonido y alcanza en este disco cotas de inspiración e interpretación altísimas. Tanto al tenor como al alto (en el que todavía es evidente la herencia de Dolphy) su discurso es siempre sólido e interesante. 

Por otro lado, la presencia de Lonberg-Holm va mucho mas allá de su original estilo y su impresionante dominio del arco; su aportación con electrónica tanto a su instrumento como al conjunto (un rasgo que parece importado a V5 de otro grupo de Vandermark, la Territory Band), proporciona nuevos matices a una música que de por si es tremendamente rica. 

Asimismo, la perfecta sección rítmica que conforman Kessler y Daisy hacen que todo funcione con una perfección que no tiene nada que ver con la frialdad, sino con la implicación máxima y emocionante en una música cuyos giros y recovecos se vuelven sencillos en sus manos. 

Además, con las primeras 1000 copias del disco se regalaba un CD en directo que recoge la inédita “New York Suite” de Vandermark. En tres partes dedicadas a pintores compositores e improvisadores, los V5 desarrollan otro disco que debe entenderse como lo que es: un disco diferente. The New York Suite, sin alcanzar el nivel de Beat Reader, nos regala 48 minutos más de música fantástica, entre la que destaca la parte dedicada a los improvisadores.

Las cosas no pasan por casualidad. Estas composiciones, esta compenetración y maestría no salen de la nada, sino de miles de horas de búsqueda y de reflexión. De miles de días cogiendo el instrumento con la valentía y la humildad que exige el compromiso total con la creación; un compromiso que Ken Vandermark adquirió hace tiempo. 

La recompensa está aquí, en estos 70 minutos perfectos que componen el último disco de Vandermark 5. Si Beat Reader es una obra maestra lo dirá el tiempo, pero a mi ya me lo parece. 

Carta de fin de año de Fred Hersch

El excelente pianista y profesor Fred Hersch ha despedido el año con una carta que, originalmente, se envió a cierto circulo personal y que despues permitió reproducir a Ethan Iverson en el blog de The Bad Plus.

Aunque es un documento de índole personal, le hace a uno reflexionar sobre muchas cosas, y le acerca al lado humano de un músico excepcional.

Espero que el 2009 sea un gran año para Fred. Se lo merece por muchos motivos, entre los que destaca la maravillosa música que nos ha dado durante años.

"Dear Friends and Family,

This has been such an extraordinary, challenging and scary year that I felt compelled to write a "year end" letter for the first time in a while. Some of you may know some of what has happened, but this is the whole story...

Around December 1st of last year I came back from an especially grueling tour of Europe with my trio -- 12 concerts, 12 cities, 14 days. The fall had been very (too) busy with concerts and touring. A highlight was a solo tour of Japan that Scott was able to come with me on -- we were treated like royalty and had a blast. But all of it began to take its toll.

When I arrived home in early December, I was dehydrated, had lost a great deal of weight and had no appetite. My internist recommended a 2-3 week break from my antiviral meds to let my system recoup. Scott and I headed out to our place in Pennsylvania for a long Christmas holiday. Scott had a break from his Masters degree program. But shortly after Christmas, I began acting very strangely -- had difficulty forming thoughts, was sleeping constantly and saying odd things. After phone consultations with my doctor and my psychiatrist, I was admitted on December 31st to St. Vincent's Hospital. For the next 10 days I was in a semi-coma, in and out of consciousness, because the virus had attacked my brain and I had full-blown AIDS dementia.

Upon my release, I spent the next 7 weeks with acute psychosis -- I was paranoid, on an emotional roller coaster, and my weight continued to drop along with my appetite. It was fortunate that Scott was able to be with me most of the time except when he was at school. All this despite getting on two new anti-viral drugs in the hospital that raised my T-cell count to 335 and rendered my viral load undetectable -- the best numbers I have had in almost 15 years.

Once I finally pulled myself together in early March, I began to recover quite well. Put on weight, was exercising, was composing music and back to playing concerts. I also ran a 5-day Professional Training Workshop for young improvising musicians at Carnegie Hall that was very stimulating.

Scott finished his degree (Masters in Public Administration with a concentration on international non-profit management) in mid-May and all seemed well.

Then in early June I became tired again and was having trouble keeping everything together. When I was taking a bath and couldn't raise my arms to get out of the bathtub, Scott rushed me to St. Vincent's. I had a dangerously low level of blood oxygen, a nasty case of pneumonia and as a result my body went into septic shock. My survival at that point was a 50-50 proposition. I was immediately intubated and spent the next 7 weeks in the ICU unconscious. During that time iI underwent dialysis, I had tracheotomy...and I developed other infections in the hospital that complicated things.

When I came to, I had no voice (the intubation had paralyzed my right vocal chord) and could not walk or swallow. All of my muscles had atrophied and I was dangerously underweight. I was kept alive by a feeding tube that pumped liquid food into my stomach. I spent 8 days in a "step down" unit to get me ready to leave the hospital. It was decided that I was too weak to go home so I spent most of August in a rehab facility on the Lower East Side. I got some basic physical therapy, learned to walk again, and continued being fed by tube (no solid food or liquids since they were concerned that I might aspirate and get pneumonia again).

Some luck was with us -- Scott was off all summer and his new job as Deputy Director of Treatment Action Group, a science-based activist organization that works worldwide advocating for HIV and TB medications and research, didn't start until the day I was discharged. (And his office is one and a half blocks from our loft!) He was amazing in how he tirelessly dealt with everything on my behalf -- monitoring the doctors and nurses, chasing down the insurance company, doing nursing duties and keeping my life going in all ways. I am a very lucky guy...

After my release around Labor Day I began a 4-day a week course of intensive physical therapy that continues to this day as well as swallow therapy. I was not supposed to swallow until I was cleared by passing a swallowing test that will make sure that food or liquid is not going into my windpipe.

All seemed well. Truth be told, in late September I was eating some soft foods and testing the waters. But in early October, I became nauseous and began vomiting what we now know to be blood and bile. I aspirated some of it and was back in the hospital with another pneumonia and a gall bladder infection. Fortunately I pulled out of this in less than a week but it was a setback in terms of my swallowing and my overall health.

I am now getting better daily -- I weigh close to 130 pounds, have good energy and am performing again. Traveling is a challenge, but doable. On November 15th I had a successful surgery that moved my paralyzed right vocal chord next to my working left vocal chord. This keeps air from escaping when I speak (I now have my voice back, though I am a long way from singing!) and makes a seal that is a safeguard against food or liquid going down the wrong way. I had another swallow test on December 15th and I passed! So I am now able to eat a limited diet which should increase over time.

So, we end this year in much better shape than last year. I have a new band (the "Pocket Orchestra") that has a live CD coming out in April. And I will play a week at the Village Vanguard in January, a good test of my recovery and my stamina. Scott loves his job and finds it challenging and a good use of his wide range of skills. I have other performances and commissions going into the New Year and hope that I can put all of this behind me.

To all of you who have supported me (and Scott) though this most unusual year, thank you! Both of us wish you nothing but peace and the best of health in 2009!

FRED HERSCH"

Dejo aquí el link al post original del blog de The Bad Blus

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Ron Sexsmith - Exit Strategy Of The Soul

Tenía a Ron Sexsmith un poco abandonado hasta que le vi en directo hace unas semanas. He tenido el lujo de asistir a casi un centenar de conciertos este año y este fue espectacular, algo fuera de lo normal.


Así que, al día siguiente, reescuché de forma urgente Blue Boy, disco producido por Steve Earle que en su momento me había decepcionado. Me gustó, pero mi curiosidad y la sugestión que me había producido su concierto me hicieron volver a escuchar su último trabajo, Exit Strategy Of The Soul, que solo había caido en mis oidos de forma circunstancial en Power Records.


Pues bien, resulta que es una de sus mejores grabaciones, llena de composiciones de primera categoría, con Sexsmith y su voz en plena forma y una producción preciosa.

No se puede comparar con escuchar al canadiense en vivo, pero este disco es fantástico, y temas como "This Is How I Know" o "Poor Helpless Dreams" son absolutamente inolvidables.

Una vez, sin pretenderlo, dejé a Sexsmith apartado de mi universo musical. No volverá a pasar.


(fotografía de Ron Sexsmith por Naiara Gago; Kafe Antzoki, Bilbao, 4 de diciembre de 2008)

Gorka Benítez - Al Otro Lado

Algunos sectores conservadores del público jazzístico criticaron este disco diciendo que no era jazz, como si eso fuese algo malo.

A estas altura es ridículo andar a vueltas con las fronteras entre estilos, y más aún para valorar un disco de una u otra forma.

Este es un disco fantástico. Tiene jazz, tiene pop, rock, canciones originales... Y se disfruta de principio a fin.

Aqui, la reseña que escribí para tomajazz en febrero de 2008.

Calendario 2009 de Juan Carlos Hernández

El estupendo fotógrafo Juan-Carlos Hernández ha sacado un nuevo calendario para el 2009 con 13 imágenes que quitan el hipo.

Se puede ver y comprar aquí.

Al mismo tiempo, sigue disponible el lujoso calendario 2009 de Sonny Rollins, obra también de Hernández.



Dejo también los links a la web del fotografo, a su myspace y a su blog.

Merece la pena recorrer estos sitios en busca de imágenes capturadas en decenas de escenarios jazzisticos de primera categoría.

Ken Vandermark / Pandelis Karayorgis - Foreground Music

Reseña Publicada en Tomajazz en octubre de 2007: 

Lo malo de los artistas que trabajan con muchos planteamientos, formaciones e ideas musicales es que no siempre tienen éxito en sus proyectos. Por otro lado, lo bueno es que, en muchas ocasiones, el mero experimento ya es suficientemente enriquecedor, aunque en definitiva sea fallido. 
No quiero dar una idea equivocada de mis impresiones de este CD que, es más, ha sido para mí una sorpresa especialmente grata. Ken Vandermark es precisamente uno de esos músicos polimórficos, capaces de sacarse de la manga cinco proyectos completamente diferentes en una semana. Al mismo tiempo, es un tipo muy propenso a los dúos, habiendo grabado algunos de los mas fantásticos de los últimos años (particularmente los dos volúmenes de Dual Pleasure con Paal Nilssen-Love), pero no es con los pianistas con quienes mejor se entiende. 
Vandermark es un músico tremendamente centrado en aspectos rítmicos, y su música evita a menudo la presencia del piano. De hecho, en su disco Two Days In December, sus dúos con Sten Sandell, sin estar mal, no llegaban a cuajar, y eso se evidencia en particular al estar junto a colaboraciones más exitosas, como las de Raymond Strid o Kjell Nordeson. 
Pues bien, Vandermark, además de componer específicamente para cada proyecto que tiene, es un artista en constante evolución, y esta grabación con el excepcional Pandelis Karayorgis es un muestrario de su interminable viaje musical y de su cada vez más asombrosa capacidad para improvisar con solvencia en cualquier ámbito. Karayorgis lleva unos cuantos años grabando interesantísimos discos para Leo en piano solo o trío (con Nate McBride y Randy Peterson), y es uno de esos pianistas cuyo interés es inversamente proporcional a su popularidad. 
Vandermark dice en la carpetilla que el LP Spirits, de Lee Konitz y Sal Mosca es, en cierto modo, el germen de este proyecto. Desde luego, hay mucha más libertad aquí, pero todo el disco está marcado por una constante comunicación entre los dos solistas y el ambiente no deja de recordar a grabaciones como la mencionada. La música discurre natural, sin tiranteces ni los choques habituales en este tipo de dúos. Cada uno tiene su rol muy claro, y es Karayorgis el que construye el barco que conduce Vandermark, reafirmando lo imprescindible de cada uno de ellos. 
Parece que el prolífico saxofonista ha encontrado una vía más por la que expulsar toda esa creatividad que lleva dentro. Confiemos en que siga explotándola, porque lo que contiene este disco merece mucho la pena.

Tete Montoliu - Yellow Dolphin Street

En realidad, cualquier disco a piano solo de Tete Montoliu es bueno. Los hay mejores y peores, pero todos estan por encima de un nivel estupendo, al que muchos otros grandes pianistas no llegaron nunca.



Este no tiene nada de particular, excepto que ha vuelto a mis oídos recientemente. Eso y las fantásticas versiones de "You've Changed", "Where Are You", "Come Sunday", "If You Could See Me Now" y un original de Montoliu titulado, con el típico humor del maestro, "I Hate You".

Grabado en Holanda el 28 de febrero de 1977, esta maravilla de disco fue reeditado en CD por Timeless bajo el nombre de Solo Piano, con seis temas complementarios extraidos de otra joya a piano solo: Catalonian Folksongs. El porqué ese disco no se reeditó aparte o en su totalidad es un misterio, siendo uno de los más interesantes de su carrera.

Pero como he dicho, de una forma u otra, todos los discos de Montoliu merecen la pena.

Jimmy Raney - Momentum

Rebuscando en cajas de LPs de segunda mano me encontré con este álbum de Jimmy Raney. De buenas a primeras no le hubiese prestado demasiada atención, pero la presencia del fantástico contrabajista Richard Davis me hizo reparar en él.



Raney es uno de los grandes guitarristas de los 50 y, en general, de la historia del jazz. Su estilo es tremendamente elegante y su fraseo es rico y relajado y, aunque no tiene la chispa genial de Tal Farlow, es un músico básico para comprender el desarrollo de la guitarra bop.

Esta oscura sesión fue grabada para MPS y puede considerarse parte del “regreso” de Raney tras desaparecer de la escena en 1964. Según las liner notes de Ira Gitler (interesantísimas, por cierto), Raney no había tocado previamente ni con Davis ni con el batería Alan Dawson antes de entrar al estudio, pero los tres tienen suficiente oficio para que parezca que llevan media vida como trío estable.

Este no es un disco clásico, o particularmente importante, pero es maravilloso escuchar a tres instrumentistas de altura tocando con semejante clase y completamente relajados.

Y como añadido, lo que me llamó la atención en un principio: Richard Davis con sus acompañamientos excepcionales y su aparentemente inagotable lenguaje. Una maravilla.

Adam Rogers - Time And The Infinite

Reseña publicada en Cuadernos de Jazz


Adam Rogers (g); Scott Colley (b); Bill Stewart (bat)
Brooklyn, Nueva York, 17 de marzo de 2006
Criss Cross 1286
***

Desde hace unos años, el jazz se ha visto saturado de guitarristas, mayoritariamente mediocres. Entre las tres o cuatro excepciones está Adam Rogers, un músico cuya tremenda versatilidad le confiere un lenguaje personal sin salirse de la tradición jazzistica, y cuya formación clásica, lejos de encajonarle, le permite desarrollar sus ideas con naturalidad. En su cuarto disco como líder se atreve con el trío, formación arriesgada para cualquier guitarrista, y cuela en su repertorio 5 standards, cosa poco habitual en él.

Colley y Stewart, dos acompañantes muy intuitivos, han colaborado juntos (y con Rogers) en muchísimos proyectos y la empatía que existe entre ellos es impresionante. Esa comunicación, la locuacidad de las intervenciones de Rogers y su ingenio a la hora de escribir y arreglar, con una curiosa simplicidad compleja, hacen de éste un disco muy interesante de un guitarrista a tener en consideración.

Yahvé M. de la Cavada

Un poco de verdad de mano de Miguel Ángel Martín

Miguel Ángel Martín ha editado recientemente la colección de historias Bitch (la cupula) y la novela gráfica Playlove (rey lear). Sin llegar a las cotas de calidad de obras como Psycopathia Sexualis o Rubber Flesh, su regreso a las estanterías de las librerías es una gran noticia.

En una entrevista concedida a guiadelcomic.com, Martín ha declarado: "He perdido temporalmente el interés en la ficción en general, incluido el cine o la novela porque no encuentro cosas que me impresionen o me motiven. Los comics autobiográficos tan en boga no los soporto. Son siempre gente pringando el moco y tristona y además no me lo creo, es como falso, memos tirándose el rollo para hacerse los sensibles, cuando detrás no hay más que una ridícula actitud de niño mimado. ¿No hay nadie en el mundo del cómic que cuente una vida interesante e intensa como lo han hecho en la literatura Burroughs, Bukowski, Cèline o Miller, por citar algunos? Tengo la impresión de que en el mundo del cómic faltan lecturas, información y vida. No me interesa nada la mediocre exhibición de narcisismo tan propia de estos tiempos, lo mismo se puede decir de esa mierda que llaman cine indie o de la música con esa etiqueta. Estoy bastante harto del rollito "retro" en todo. Lo que de verdad me interesa es la época que vivimos por sí misma, que es asombrosa, pero no sus mediocres subproductos artísticos, caracterizados por el miedo al futuro, la nostalgia, el sentimentalismo, la baja autoestima, la falta de sentido del humor, características propias de la cultura del narcisismo que define esta época de transición que estamos viviendo".

Hay grandes cómics autobiográficos en el mercado, pero es cierto que hay una desagradable epidemia de ombliguismo banal y patético. En cuanto a lo indie (término que ya ha quedado diluido), lo retro y los subproductos artísticos, más de acuerdo no puedo estar.

jazz source:life

Esto es lo que hay que poner en Google para acceder a los centenares de fotos históricas del mundo del jazz que LIFE ha puesto a disposición de los internautas.

Aquí hay algunos ejemplos:











Ethan Iverson seleccionó algunas de sus favoritas a lo largo de tres posts en el blog de The Bad Plus:
Aquí, el primero
Aquí, el segundo
Aquí, el tercero

Y también dejo el link de google a las fotografías de jazz y al archivo histórico de LIFE para curiosear hasta hartarse...

Rob Brown Ensemble - Crown Trunk Root Funk

Y seguimos con otra novedad de Aum Fidelity que se situa entre lo mejor del año. En este caso, el nuevo disco del saxofonista Rob Brown, bien conocido por sus habituales colaboraciones con el gran William Parker.



Precisamente es Parker el contrabajista de este cuarteto, que puede considerarse un all-stars de la vanguardia neoyorkina actual. Con el flexible e intuitivo batería Gerald Cleaver y el absolutamente genial Craig Taborn (uno de los mejores pianistas/teclistas del momento), la cosa no puede sonar mal.

La música que contiene Crown Trunk Root Funk es bastante libre, aunque no tan árida y agresiva como en otras grabaciones de Brown, y bebe de numerosas fuentes para producir un curioso y creativo caleidoscopio musical.

Un tanto más en el marcador de Aum Fidelity y, por cierto, este año ya van unos cuantos, como los dos discos publicados por William Parker y los discos de Eri Yamamoto y Bill Dixon comentados sapientemente por Pachi Tapiz en su blog.

Roy Campbell Ensemble - Akhenaten Suite: Live at Vision Festival XII

Que Roy Campbell es uno de los mejores trompetistas vivos está claro. Lo único que se le puede reprochar es la irregularidad que salpica en ocasiones a su discografía (producto, por otro lado, de su inquietud y de la falta de apoyo de discográficas sólidas).

Este año, Aum Fidelity ha editado uno de sus mejores discos, Akhenaten Suite: Live at Vision Festival XII, con un grupo de lujo que incluye a Billy Bang, Bryan Carrott, Hilliard Greene y Zen Matsuura.



Enfocado de forma conceptual, todas las composiciones de la suite tienen un aire arábigo y se disfrutan al máximo de principio a fin. Esperemos que Aum Fidelity continue editando trabajos de Campbell; si tienen el nivel de este, nos aguarda un montón de música fantástica.

Damien Jurado - Caught In The Trees

El último disco de Damien Jurado está entre lo mejor que ha grabado nunca y, de paso, entre lo mejor que ha salido este año.



El cantautor de Seattle se desnuda en este disco y despliega un sonido intimista que, sin embargo, evoca grandes espacios y largas distancias.

Ideal para inundar el cerebro de serenidad durante interminables e incómodos viajes en autobús.

Ferran Fages - Cançons Per A Un Lent Retard

Reseña publicada en Tomajazz en febrero de 2008

La discográfica independiente Etude Records alumbró el año pasado dos de los mejores discos grabados en España: Are Spirits What I Hear?, del saxofonista Agustí Martínez y Cançons Per A Un Lent Retard, de Ferran Fages. Esto viene a corroborar que hay otra escena en Cataluña que, aunque puede ser eclipsada por músicas mas banales (e innegablemente mas populares), esta completamente activa, y produciendo excelentes propuestas.

Cançons Per A Un Lent Retard es, además, uno de los mejores discos de música creativa grabados en solitario con guitarra acústica que yo haya escuchado en mucho tiempo.

Una grabación que, desde una melancolía árida, demanda atención a un oyente que enseguida queda atrapado por el microuniverso que desarrolla Fages. Mediante armónicos imposibles, acordes subyugantes, un inquietante uso del feedback y el slide, e incluso golpeando el cuerpo del instrumento, el guitarrista ejerce una presión amigable sobre su aliado en la creación de esta música: el silencio. Un silencio tan elocuente e importante como el propio Fages, y que termina de definir la brutalidad estática de la separación, la nostalgia febril, pero callada, que queda tras la despedida.

A lo largo de las nueve composiciones que lo conforman, Cançons Per A Un Lent Retard se mantiene fascinante, profundo, emocional y tremendamente intenso. Es conveniente acercarse a él con cautela puesto que no puede (ni debe) ser una escucha casual, pero sería imperdonable no acercarse a él en absoluto.

Yahvé M. de la Cavada


Pincha aquí para ver la reseña original en tomajazz.

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Stephan Oliva - Ghosts of Bernard Herrmann

Reseña publicada en Cuadernos de Jazz


Stephan Oliva (piano, rhodes)
Pernes les Fontaines, 2 de diciembre de 2006
Illusions ILL 313002
****

Afortunadamente, este disco no tiene nada que ver con posibles monstruosidades al estilo de “Tiomkin a ritmo de Jazz” o “Swingando con Steiner”.

Partiendo de la idea máxima de “reinterpretar” por encima de la de “improvisar sobre”, y sin la osadía de pretender “reinventar”, Oliva toma distancia del formato orquestal amparándose en la intimidad que le aporta el piano y su dominio sobre él, para jugar al mismo juego que Herrmann: construir una obra emocional, en éste caso, un retrato del propio Herrmann a partir de las sensaciones que su música crea en el pianista.

La selección de obras pasa por celebridades como Vertigo o Psycho y por algunas de las favoritas de un servidor, como The Ghost and Mrs Muir y Fahrenheit 451, pero en todas ellas la personalidad de Oliva se funde armoniosamente con la del compositor creando un fresco intimista y reflexivo sobre uno de los mas grandes compositores del siglo veinte.

Yahvé M. de la Cavada

Michaël Attias - Credo

A raíz de un disco que me han mandado para reseñar he estado alucinando con Michaël Attias, así que le he estado dando unas escuchas a su disco Credo.



La conclusión es contundente: Attias es un instrumentista bestial y con las ideas claras que hace una música interesantísima. El fantástico Chris Lightcap está al contrabajo y también destacan la trombonista Reut Regev, el batería Igal Foni y el violinista Sam Bardfeld.

La mezcla suena un poco rara a veces, con la batería en un canal y el contrabajo en el otro, pero el disco merece muchísimo la pena. Aquí dejo el link a la web de Clean Feed por si alguien quiere comprárselo directamente a ellos.

Jon Irabagon - Jon Irabagon's OUTRIGHT!

Llevo un par de días como loco con este disco. Así, a botepronto, me parece uno de los mejores debuts discográficos que ha dado el jazz en un tiempo y, por descontado, de lo mejor de este 2008 en general.



Con un grupo de amiguetes/colaboradores habituales de Nueva York, Irabagon esboza un universo musical rico y variado, que bebe de muchas fuentes y se muestra inquieto y original.

Russ Johnson, Kris Davis, Eivind Opsvik o Jesse Lewis tienen espacio para improvisar, pero es el joven saxofonista quien lleva la voz cantante en un grupo que se ve aumentado por un montón de músicos bajo el nombre de "the Original Outright! Jass Band" en un fantástico tema del disco.

Irabagon acaba de ganar el mes pasado la Thelonious Monk Competition de este año (lo cual tampoco quiere decir nada), y se presenta como uno de los mayores valores del jazz del futuro.

Estaremos con la oreja atenta.

Tony Reedus (D.E.P.) - Incognito

Ayer me quedé un poco aplatanado por la repentina muerte de Tony Reedus y he desempolvado sus CDs para darle un homenaje.

Reedus era un gran batería, uno de los más importantes de los 80 y los 90, que llevaba cierto tiempo en la sombra acompañando a otros músicos. Siempre tuvo una sana falta de ego en sus proyectos, dejando a los músicos que elegía campar a sus anchas para sacar lo mejor de ellos.

De entre sus grabaciones, ayer decidí escuchar su primer disco, Incognito, grabado en 1989 y publicado por Enja. Sus acompañantes formaban un cuarteto de lujo, con Gary Thomas (otro grande de los 80 y los 90 que ha caído en una especie de olvido) al tenor y la flauta, Steve Nelson al vibráfono y Dave Holland al contrabajo.



De hecho, la primera vez que Nelson y Holland se encontraron juntos en un estudio fue en este disco; poco después el vibrafonista se convertiría en uno de los pilares de la música de Holland, y no ha dejado de serlo nunca. Esta es una de esas casualidades que le dan un empujoncito a algunos discos, aunque en este caso no es necesario, porque Incognito es una grabación tremendamente sólida que da buena cuenta de la capacidad de cada uno de los que la protagonizan.

La desaparición de Reedus es una gran pérdida, aunque no haga demasiado ruido en el panorama jazzístico actual. Ethan Iverson lamenta su muerte en el blog de The Bad Plus. Yo sólo puedo sentarme a escucharle y a echarle de menos.

Quiero creer que, en algún sitio, Tony está tocando un tema con su tío James Williams, empujándole con su poderosa batería hasta el infinito.

Brigada Bravo & Díaz / Patricia Barber: El cielo y el infierno en una noche

Ultimamente no deja de haber conciertos interesantes en bilbao, lo cual resulta agotador. La semana pasada me planté, sin comerlo ni beberlo, en cuatro bolos a repartir: el miercoles Scott Hamilton en Bilbaína Jazz Club, el jueves Jonathan Kreisberg en el mismo sitio, el viernes los fantásticos Howlin' Rain en el Balcón y el sábado Andrzej Olejniczak Quartet en el Sheraton.

La vida así, yendo a un concierto cada noche, no deja de tener su punto emocionante, pero acaba uno hasta el gorro. Por otro lado, hay citas mas ineludibles que otras e incluso, a veces, se solapan varias ofertas.

El pasado 6 de noviembre asistí a un par de conciertos de índole muy diferente, con resultados, también, muy dispares. Por un lado, Patricia Barber ofreció una actuación lamentable y vergonzosa dentro del festival 365 Jazz Bilbao; por otro, poco despues de esa desagradable experiencia, pude ver a la Brigada Bravo&Díaz (de quienes recientemente hablé en este blog) en un glorioso recital en Residence Café.

Acaban de publicarse en Tomajazz mis reseñas de uno y otro concierto, y aquí dejo los enlaces de cada una de ellas.

Aquí, la reseña del concierto de Patricia Barber.

Aquí, la reseña del concierto de la Brigada Bravo&Díaz.

David Liebman & Ellery Eskelin - Renewal

Reseña publicada en Cuadernos de Jazz #109 (noviembre-diciembre 2008)


David Liebman (st); Ellery Eskelin (st); Tony Marino (b); Jim Black (bat)
Nueva York, 27 de junio de 2007
hatOLOGY 654
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El título del anterior CD de esta misma formación, Different But The Same, resultaba de lo más ilustrativo a la hora de definir el proyecto. Esta nueva reunión de David Liebman y Ellery Eskelin sigue incidiendo en buscar los puntos comunes de sus respectivos discursos, haciendo un alarde de comunicación y democracia en numerosos aspectos. Por un lado, el equipo de apoyo, construido por un habitual de cada uno de los saxofonistas, Tony Marino por cuenta de Liebman, y Jim Black por Eskelin. Por otro, la autoría de los temas, en la que en este caso también participan bajista y batería, haciendo al proyecto aún más colectivo y abierto. Pero si en algo hay complicidad y consenso es en la música interpretada.

Renewal es una grabación marcada por la interacción, apoyada constantemente en el carácter improvisador de todos los miembros del cuarteto y sustentada por la ebullición de recursos manifestados en cada tema. Uno no puede dejar de preguntarse hasta qué punto Liebman, Eskelin, y sobre todo el impresionante Jim Black, tocan esta música como quien da un paseo por el parque, porque el resultado, con cierto aire de jam session relajada, es de una naturalidad casi irritante.

A pesar de seguir caminos bien diferentes en sus respectivas carreras, la buena sintonía de Liebman y Eskelin no tiene nada de descabellada; al fin y al cabo, referentes siempre presentes como son Coltrane y Shepp respectivamente, también eran complementarios (obviando las diferencias en cuanto a trascendencia y calidad entre ellos). Si a eso añadimos la palpitante y contundente rítmica de Marino y Black, nos encontramos con un disco repleto de tensión que, sin embargo, no contiene una sola nota forzada.

Puede que falte un punto de frescura, o simplemente que con un precedente como Different But The Same resulte imposible sorprender al oyente de la misma manera. Pero en cuanto a llevarse un saxo a la boca, comenzar a tocar y producir algo de semejante categoría, pocos pueden competir con Liebman y Eskelin.

Y si además van juntos, ya ni les cuento.

Yahvé M. de la Cavada

Angles - Every Woman is a Tree

La música de Martin Küchen es uno de los mejores descubrimientos de este año, y el disco Every Woman is a Tree es la mejor manera de comprobarlo. ¡De escucha obligada!

A continuación, mi reseña publicada originalmente en tomajazz:

Es uno de esos días. 

No ha pasado nada concreto, o quizá si, y no he reparado en ello. La cuestión es que no estoy en mi mejor momento. Quizá es tristeza, hastío o un poco de la tan veces romántica, pero siempre amarga, melancolía. Mis movimientos se han vuelto más lentos, más cansados. En definitiva, tengo ganas de rendirme por hoy, de bajarme del día y esperar a que venga otro, mas clemente. 

Mi desidia y yo subimos a mi coche; nos esperan unos cuantos kilómetros por delante y uno de mis rituales favoritos, escuchar música mientras conduzco, ni siquiera me apetece. De forma automática pongo un CD anodino que se limite a ocupar el silencio, o más bien, a tapar el zumbido que emiten el coche y mi tarde seca. 

En un momento dado, la música empieza a fundirse con el ruido de fondo y decido no devaluar aún más lo que suena. En un alarde de autodisciplina, cosa muy poco habitual en mi, decido adelantar trabajo y dar una primera escucha a algún disco que tengo pendiente de reseñar. Después de todo, una primera toma de contacto es algo muy básico en el proceso de valoración, y dadas las circunstancias, me resulta saludable concentrarme en algo, aunque sea forzándome a mi mismo. 

Veamos… Every Woman is a Tree. Mmmm, buen título y buena portada. Un sexteto liderado por Martin Küchen, saxofonista desconocido para mí que, además, firma todas las composiciones. Los nombres de éstas suenan comprometidos, refiriéndose a la ecología, la paz o la descarnada sociedad en la que vivimos. En un vistazo rápido veo que en el interior de la carpetilla se explaya a gusto sobre estos y otros temas de forma clara, directa e inteligente.

Entre los músicos hay tres nombres destacables: Magnus Broo, Mattias Ståhl y Kjell Nordeson. Todos ellos traen cantidad de buenos recuerdos para cualquier oyente iniciado en la escena europea actual, aunque su presencia garantiza la calidad y el interés, no la dirección y el estilo que tomará la música. Pero eso es lo de menos, mi mente está preparada para cualquier embestida acústica, y sabe desconectar rápidamente, si acaso fuese necesario. 

Una nota sostenida con arco en el contrabajo precede y envuelve algunas frases del saxo alto. Suena solemne, pero fresco; no está mal. Entonces entra el vibráfono, y la pieza se va intensificando lentamente hasta que entra el sexteto. Y suena cada vez mejor. 

Con el grupo acompañando desde una estética postfree, el trombonista comienza a improvisar. El solista es capaz, aunque no particularmente elocuente, pero la banda que tiene detrás es fantástica y trepidante y poco a poco el solo se vuelve parte de una improvisación colectiva, aunque controlada. 

De alguna forma, mi ánimo está levantándose, principalmente porque mi atención no puede despegarse de lo que suena. Comienza el segundo tema y una vez mas, el contrabajo abre la pieza, esta vez con un solo reflexivo y espiritual que desemboca en un dibujo que se repite obsesivamente. Küchen y Ståhl se van introduciendo en el tema y un aura hipnótica emana de los arreglos, a medida que la composición crece y crece. 

Ahora estoy preso de una euforia callada, mi cuerpo se mantiene en tensión y la desidia se ha extinguido. ¿Quién dudó del poder curativo de la música? Para almas adormecidas no hay nada mejor. 

Espero unos segundos a que empiece el tercer tema y temo que la cosa decaiga, pero no. Un riff a la Mingus tocado por los vientos estalla con la entrada del contrabajo y la batería. La euforia se desata. He perdido el control y me veo cabeceando rítmicamente sin poder evitar sumergirme en esta música intensa y gloriosa. 

El resto ya da igual. Desde ese momento, lo único que me importa son los sonidos que invaden mi cabeza. Lo que fuese que me oprimía se ha evaporado y me ha dejado a solas con una experiencia musical de primera categoría. Podría hablar de solos excelentes y de arreglos fantásticos, pero sería como intentar fotografiar una tormenta. 

Sin lugar a dudas, Every Woman is a Tree es uno de los discos del año. Una grabación que infecta al oyente y toma el control de su mente desde el principio hasta el fin. Suena espiritual y sexual, a Coltrane, Mingus y en definitiva, al sonido del puñetero planeta palpitando bajo mis pies. 

Jonathan Kreisberg: disco y gira española

Ayer tuve la oportunidad de ver una gran actuación del trío de Jonathan Kreisberg (con Johannes Weidenmuller al contrabajo y Mark Ferber a la batería) y, de paso, me agencié su último CD: The South Of Everywhere.



En una escucha parcial, el disco está realmente bien. Algunos buenos originales, un par de standards (entre ellos un "Stella By Starlight" en 7/8 muy interesante), la sólida rítmica compuesta por Matt Penman y Mark Ferber... Todo muy bien, pero sobre todo el rico lenguaje del líder y la oportunidad de disfrutar de Gary Versace exclusivamente al piano.

Kreisberg no es demasiado conocido, pero es un guitarrista interesantísimo que sobresale entre la legión de guitarristas mediocres que pueblan el panorama jazzístico actual. Su estilo, sin salirse de un post-bop contemporaneo más o menos al uso, es personal y muestra en su fraseo un fuerte sentido melódico. Kreisberg parece interesado también por trabajar con tempos arriesgados (en directo presentó un tema nuevo en 21/8) sin renunciar por ello a la musicalidad o a improvisar ingeniosamente.

El trío estará unos días de gira por España, y merece la pena verle en directo. No es un genio, ni nada parecido, pero su música es honesta y cálida, que ya es más de lo que ofrecen el 90% de los guitarristas de jazz hoy en día.

AQUÍ su web y AQUÍ su MySpace.

Su gira española:

Jonathan Kreisberg trio - SPAIN TOUR * Nov. 12 - 22

November 13, 2008 La Bilbaina (Bilbao)

November 14, 2008 Casino Gig (Vila Real)

November 15, 2008 Sunset Jazz Club (Girona)

November 16, 2008 Cafe del Teatre (Lleida)

November 17, 2008 Lleida Jazz Festival - Workshops and private lessons - Contact newfornowmusic@gmail.com to schedule times (Lleida)

November 18, 2008 Lleida Jazz Festival - Workshops and private lessons - Contact newfornowmusic@gmail.com to schedule times (Lleida)

November 19, 2008 Le Swing Jazz Club (Madrid)

November 21, 2008 Circles de Jazz @ Casino de Granollers (Granollers)

Rahsaan Roland Kirk - Brotherman In The Fatherland

Reseña publicada en Cuadernos de Jazz #109 (noviembre-diciembre 2008)


Rahsaan Roland Kirk (st, fl, cl, manzello, stritch); Ron Burton (p); Henry Pete Pearson (b); Richie Goldberg (bat); Joe “Habad” Texidor (perc)
Hamburgo, Alemania, 3 de marzo de 1972
HYN 9347
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A estas alturas no vamos a convencer a quien no lo esté ya de que Rahsaan Roland Kirk es uno de los más grandes saxofonistas de todos los tiempos, aunque este disco es un gran argumento para afirmarlo. Grabado algunos meses antes que el directo en Montreux editado como I, Eye, Aye por Atlantic, Brotherman In The Fatherland (cuyo ridículo título, delirantes liner notes y en general casi todo lo concerniente a Joel Dorn obviaremos convenientemente) presenta a un Kirk poderoso, descarnado, fascinante, excesivo y mágico; tal y como él era.

Además de algunos temas del estupendo Blacknuss (aparecido un mes antes de esta actuación), como “Make It With You” y un “My Girl” muy diferente al del disco, Kirk cita abundantemente a su venerado John Coltrane. “Lush Life”, “Afro Blue”, un explosivo “Like Sonny” y un tour de force de 17 minutos en forma de “Blue Train” son un excitante tributo del primer gran post-coltrainiano. Y por favor, dejen a un lado a los satélites directos del maestro, cuya comparación con Rahsaan es impensable.

Pero aquí no sólo hay Kirk para rato; su banda está perfectamente engrasada, capitaneada por un Ron Burton que desde su primer solo demuestra que está en plena forma, haciendo gala de un carácter a la Tyner salpicado de numerosos detalles soul. Además de otros dos habituales de Rahsaan, Henry Pearson y Joe Texidor, destaca la labor de Richie Goldberg, batería de Ray Charles durante muchos años que aquí da fe de sus considerables dotes jazzísticas.

Lo dicho, a estas alturas cualquiera debería saber que Rahsaan es uno de los grandes tenores de todos los tiempos. Un saxofonista que no solo ha marcado a unos pocos herederos directos en cada generación posterior (George Adams, David Murray, James Carter…), sino que, a pesar de haber sido juzgado puerilmente por sus extravagancias (que por otro lado, son necesarias para entender su música), sigue siendo un referente ineludible del saxo tenor.

Y si alguien no se lo cree, que escuche este disco. Estoy seguro de que cambiará de opinión.

Yahvé M. de la Cavada

Count Basie - At Newport

La resurrección de las grandes orquestas en la segunda mitad de los 50 propiciada, entre otras cosas, por el célebre concierto de Ellington en el festival de Newport de 1956, también puso de nuevo en la palestra al "otro" grande: Count Basie.

Al año siguiente de la apoteosis de Ellington en Newport, Basie se rodeó de algunos de sus viejos empleados para prender fuego a la audiencia del festival. En aquel momento, su orquesta tenía en sus filas a músicos nada despreciables, como Joe Newman, Thad Jones, Benny Powell, Frank Foster, Frank Wess y uno de los más fantásticos cantantes de blues de la historia: Joe Williams.

Puede que este disco no sea el mas redondo de esa etapa de Basie, pero la presencia de Jo Jones, Lester Young o Jimmy Rushing en el concierto, lejos de darle un caracter de reunión banal de All-Stars, provoca cierta sensación de momento capturado en el tiempo.



La energía y el swing que desprende la orquesta es imparable a lo largo de todo el concierto; llega a su maximo esplendor en algunos de los temas cantados por Williams y explota definitivamente en el mastodóntico "One O'Clock Jump" al que se unen Illinois Jacquet y Roy Eldridge (completamente desbocado, por cierto).

Unos meses despues la orquesta grabaría "The Atomic Mr.Basie", otro clásico de la época y un autentico sartenazo acústico en plena cara que hace honor a su nombre. Pero este concierto tiene algo especial.

Quizá sea pura fascinación por volver a ver a Lester Young tocar en el seno de la orquesta que le vio crecer o por poder escuchar en el mismo escenario a Jimmy Rushing y a Joe Williams, pero este disco se puede resumir en una palabra: grande.

NO al cierre del Bogui Jazz - Rueda de prensa (madrid, jueves 13 de noviembre)

Nota enviada por el encargado de prensa de Bogui Jazz:

Estimado amigo/a,

Como sabes el pasado 21 de octubre fue precintada por la Policía Municipal de Madrid la sala Bogui Jazz cumpliendo una orden judicial de clausura del Tribunal Superior de Justicia de Madrid. Con el cumplimiento de esta orden Madrid se queda sin uno de los locales de referencia de este tipo de música, con un prestigio que va más allá de nuestras fronteras por la cantidad de músicos nacionales y extranjeros que han pasado por su escenario.

Aunque la Junta de Centro ha declarado que el Ayuntamiento se ha limitado a acatar una orden judicial, Bogui Jazz entiende que los hechos son mucho más complejos y están llenos de irregularidades. Por esto anuncia que está dispuesto a llegar hasta el final para aclarar cuáles son los verdaderos motivos e intereses que hay detrás del cierre de un local mítico que ofrece desde hace años más de 300 conciertos de jazz al año (75 de ellos, aproximadamente, con formaciones de otras ciudades y/o paises).

¿Por qué se considera al Bogui merecedor de una subvención con el fin de que pueda contratar artistas de primer orden para la 25ª edición de Festival de Jazz de Madrid, y se ordena su cierre unos días antes de que este de comienzo? ¿Cómo es posible que las obras de insonorización y adecuación de las instalaciones de un local para cumplir con la normativa de medioambiente y demás ordenanzas actuales acabe derivando en su cierre? ¿Existe algún tipo de connivencia entre alguno de los vecinos y el ayuntamiento? ¿Estamos ante un cierre más de un local de ocio, o por el contrario se trata de acabar con una idea de entender la cultura? Porque el Bogui es algo más que un local: es una idea compartida por una creciente legión de incondicionales.

Para dar respuesta a todas estas preguntas te invitamos a asistir a la rueda de prensa que se celebrará el jueves, 13 de noviembre a las 11:00 en el club Bogui Jazz. Al acto se sumarán los máximos representantes del jazz nacional e internacional, así como del mundo de la cultura como: El mítico pianista Barry Harris, El Gran Wyoming, Montse García-Albea (Viuda de Tete Montoliú), Perico Sambeat y Jorge Pardo (los dos saxofonistas españoles de mayor prestigio internacional) que quieren con su presencia dar su apoyo a uno de los templos del jazz de nuestro país.

RUEDA DE PRENSA / ACTO DE APOYO AL BOGUIJAZZ

Día: Jueves, 13 de noviembre de 2008
Hora: 11:00
Lugar: Bogui Jazz. C/ Barquillo, 29

Más Información: http://www.boguijazz.com/