El pasado miércoles vi a Bryan Estepa en directo en el colegio de abogados de Bilbao, uno de los sitios más peculiares en los que uno puede ver un gran concierto en esta ciudad, pero que siempre tiene una programación exquisita, diseñada con mimo y mucho saber hacer.
Por eso, porque los responsables de dicha programación saben muy bien lo que hacen, uno puede ir a uno de sus conciertos sin saber mucho más que la hora de comienzo, y salir de él con una gran sonrisa.
Yo no conocía la música del cantautor australiano hasta el pasado miércoles pero su concierto fue delicioso, y el disco que me llevé bajo el brazo tras él lleva en mi tocadiscos desde entonces.
Once buenas canciones de pop de primera, tocado y cantado con gusto, con serias reminiscencias a los Jayhawks y a lo mejor del power pop y rock americano, con buenas melodías, una gran voz y una producción muy cuidada. Un disco estupendo.
Primer discazo de rock del año (su fecha de salida es de diciembre de 2014, pero a Europa no ha llegado hasta la semana pasada).
Cracker lo han vuelto a hacer, publicando un disco que respira honestidad y buenas canciones de principio a fin. Dividido en dos CDs, con cierta personalidad estilística cada uno de ellos: el primero, con sonidos más crudos envolviendo sus fabulosas melodías de pop californiano y la formación original de la banda recuperada; el segundo, un homenaje a sus raíces country que va mucho más allá del country, que cierra ese mágico círculo entre Berkeley y Bakersfield.
En total, un disco mayúsculo que a quien esto escribe le ha entrado a la primera y de la mejor manera posible. Y eso no me pasa tan a menudo.
Ayer estaba en Power Records y Joni me dice "escucha las primeras notas a ver si pillas el tema". Y suena un piano y digo "¡Ol' 55 de Tom Waits!.... Pero, ¿qué versión es esta?". Y me dice Joni que es de un disco solitario del cantante de Maggot Brain, bajo el alias Alias, valga la redundancia. Y lo miro por detrás mientras Joni pincha el "I Heard It Through The Gravepine" y me digo "coño, menuda selección de canciones".
No es que sean mejores o peores, más emblemáticas o más rebuscadas, sino que algunas de ellas son auténticas piedras angulares en mi propia vida. Canciones que, por el motivo que sea, son particularmente especiales para mí, como las ya mencionadas, "Wild Horses" de los Stones, "Thunder Road" de Springsteen o "Thrasher" de Neil Young.
Así que me lo compré, claro. Y por la noche lo escuché enterito. Tranquilamente, tras un largo día. La mejor forma de escuchar un disco que acabas de comprar. La mejor, sí.
(Hoy Power Records cumple 23 años, y para celebrarlo han sorteado una copia de este disco, cedida por su autor. Bonito detalle.)
Nunca han sido muy populares, pero esta banda de Long Island facturaron algunos discos muy disfrutables durante los años 70. A medio camino entre el hard-rock, el blues y algunos ramalazos pop, este From Rats To Riches es una gran píldora de buen rollo rockero.
Lideraba (y creo que aún sigue en ello) el vocalista Peppi Marchello, que además escribía todas las canciones. Como tantos de la época, es uno de esos buenos discos, de buenas bandas, que no tuvieron la suficiente repercusión como para entrar en las enciclopedias. Pero mola.
Recuerdo escuchar de forma obsesiva este disco cuando salió, hace casi 20 años, convirtiéndose inmediatamente en uno de los discos claves de mi adolescencia.
Volver sobre este tipo de grabaciones tiene cierto peligro, puesto que el tiempo puede ser bastante cruel con los recuerdos de uno. Con Wish no ocurre eso. Nunca he dejado de reescucharlo cada cierto tiempo y tampoco nunca me ha decepcionado.
Es lo que tienen los grandes discos, que el paso del tiempo no les afecta o, en el caso de hacerlo, no suele ser para mal. Y este un disco enorme.
En septiembre de 2011, 19 años después de escuchar Wish por primera vez, sigue sonandome tan acojonante como el primer día y sigue teniendo un pequeño hueco en mi vida.
Nota: pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify (según país de residencia).
Este fue el principio de la E Street Band. Hoy, con la muerte de Clarence Clemmons, también es el fin de la mítica banda, en cierta forma.
Aparte de Garry Tallent, Clemmons era el único que estuvo en la banda desde el primer día hasta el último, y siempre fue uno de sus miembros más emblemáticos de la misma, llegando a ser la imagen (grande, imponente, negra y orgullosa) más representativa de la E Street Band.
The Wild, The Innocent & The E Street Shuffle también es el primer disco de Bruce Springsteen que tuve. Le tengo cierto cariño y la verdad es que no lo escuchaba desde hace más de una década.
Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com:
"Autodenominarse rey de un estilo puede ser, como mínimo, un tanto osado. Lo normal con esos “títulos” es ser nombrado por terceros, ya sea por la crítica, los medios o, mejor aún, los fans. Por otro lado, tratándose de Paul Collins resulta completamente natural la etiqueta de “King of Power Pop”, que también sirve de título a su último y fabuloso disco. Trece canciones de un nivel asombroso que rozan la perfección y que conforman uno de los mejores discos de 2010.
¿Es para tanto? La verdad es que sí. Más de 30 años después de aquel glorioso primer álbum de The Beat, Paul Collins regresa con más fuerza que nunca con un disco que juega en la misma liga que aquella pequeña obra maestra. Ha pasado el tiempo pero el nervio y el talento para escribir temas memorables siguen intactos. Sin embargo, a pesar de toda esa excelencia y de escribir algunas de las mejores canciones pop de las últimas décadas, Collins permanece en el underground más inexplicable. Un tipo sin suerte, dirían algunos. Una de esas injusticias de la historia del rock y de quienes, directa o indirectamente, la escriben."
"King of Power Pop es una especie de compendio de toda la carrera de Collins. Él mismo comenta en la carpeta del álbum que éste traza la línea entre sus diferentes bandas: los míticos Nerves, los Breakaways, The Beat y todo lo que vino después. Suena a retrospectiva (que no a recopilatorio) y escuchándolo es difícil creer que está grabado por alguien de 54 años. La energía que desprende en esos disparos en forma de canción de poco más de dos minutos es tremenda, con melodías vocales perfectas y guitarras tan pulidas como dinámicas.
Ya en su gira del año pasado junto al gran John Wicks (otro grande del power pop, líder de la banda The Records) y a Eric Blakely (guitarra solista, a su vez, de King of Power Pop!) se anticipaba ese renacimiento de Collins. Aparte del nombre de la gira (Power Pop Kings), la recuperación del maravilloso tema "Many Roads To Follow" (nunca grabado en estudio y cuya demo casera aparecía en la imprescindible colección de The Nerves, One Way Ticket) significaba esa vuelta a los orígenes sin dejar de mirar al futuro. Dicho tema ha sido grabado apropiadamente en King of Power Pop! y, de alguna manera, abre y cierra el círculo que se inició a mediados de los 70 y que nos lleva hasta hoy en día. Paul Collins suena más maduro que nunca, pero no ha perdido un ápice de frescura y de garra."
Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com:
"Hace un par de años salió Only By The Night, el cuarto disco de Kings Of Leon; un completo éxito que sonaba realmente bien y que alcanzaba ese equilibrio, aparentemente imposible, entre la banda americana que eran y la banda británica que parecían querer ser. Miraban a U2 y a otros referentes de conquista comercial, pero se mantenían relativamente cerca de quienes fueron.
Consiguieron su primer número uno en Inglaterra con el tema “Sex On Fire” y, de paso, un Grammy en 2009. Un año después, el segundo single del disco, “Use Somebody”, les dio otros tres. Todo parecía ir bien para ellos, hasta que hace unos días salió a la venta Come Around Sundown, un disco plomizo y decepcionante que muestra a la banda de los hermanos Followill en sus horas más bajas."
"Por eso la flojera de Come Around Sundown es aún más exasperante, porque Kings Of Leon podrían encarnar una rara avis en el mundo del rock: la del grupo que puede gustar a casi todos sin ser un producto eminentemente comercial. Encontrar esa formula, la de escribir canciones que no traicionen el propio espíritu y que, al mismo tiempo, sirvan para copar las listas de ventas, es algo destinado a muy pocos."
"Pero el gran fallo de este último disco (y lo que lo distancia tanto de su predecesor) es precisamente ese: las canciones. Come Around Sundown no tiene chispa, no engancha. Los temas parecen estar escritos en piloto automático, con una fórmula concreta (y muy simple) en la cabeza. Se van sucediendo los cortes y a mitad de disco uno se pregunta cuánto tiempo ha pasado y, peor aún, cuánto falta para que termine."
"Es innegable que suena muy bien, y la producción de Angelo Petraglia y Jacquire King sigue siendo impecable, pero da la sensación de que existe la intención de sustituir las buenas canciones por un exagerado mimetismo con los aspectos más banales del sonido de U2 y sus aspirantes más directos (Coldplay, etc)."
Retomo las firmas invitadas en este blog con un disco atípico, pero con un firmante muy interesante. A los que acostumbráis a leer sobre música os sonará, muy probablemente su nombre. Álvaro Fierro escribe regularmente en Ruta 66 y Mondo Sonoro, y también se le ha visto por las páginas de Efe Eme o Entzun pero donde más se le ve es a pie de escenario, disfrutando de la música.
Álvaro encarna la figura del cronista que escribe por pasión y con el mismo amor que profesa por la música, una especie que parece en extinción en estos tiempos cínicos, llenos de revistas y publicaciones parciales y redactores compromisarios. Unos cuantos más como él no nos vendrían mal.
Álvaro Fierro: Nacho Vegas - la Zona Sucia (2011)
Te diré entre tú y yo/ que me dan miedo las tormentas/ que ahora sé que una se acerca/ que en el cielo habrá un temblor. Así comienza “Cuando Te Canses de Mí” y La Zona Sucia(Marxophone/ I´m an Artist), el último ejercicio de catarsis compartida de Nacho Vegas. Compartida porque llena salas aunando a un público dividido a priori, estereotipado, que colabora con que uno se autoarme de prejuicios –que siempre son divertidos– y que, por ello, amplifica el efecto sorpresa.
Así lo vio el abajo firmante en El Manifiesto Desastre(Limbo Starr, 2008), resorte que impulsó la investigación de su trayectoria, ya galvanizada, en la retina del que escribe estas palabras. Empieza y se desarrolla como de costumbre, a corazón abierto, confesando lo que sólo se confiesa en sordina, suscitando empatías y susurrando aguardentosamente letanías envueltas en experiencias, y viceversa, como lo plasmado en la identificable "Me decías": "lo que media entre tú y tu soledad/ es un trecho que no puedo abarcar".
La idiosincrasia de una voz de la que él mismo no se siente orgulloso pero, en boca de otro, estas invocaciones no resultarían creíbles. Una manera de cantar que en ocasiones hasta parece acongojarse, a la que se le corta la dicción de la emoción (o eso parece, o nos gustaría que pareciese), soslayando, no obstante, los límites sensibleros, sin caer en la propia conmiseración.
Un francotirador de los sentimientos bajo una personalidad frágil, un tipo callado con imán, honesto, de los que en persona, sin conocerle, parece cumplir esa máxima de André Malraux de que la verdad de un hombre reside, sobre todo, en lo que calla. Y la madurez de alguien que ya nació adulto se materializa ahora en diez canciones donde sus clichés patrios siguen presentes (las menciones en el corte inicial a La Lloca y El Musel, o la versión actualizada de la canción tradicional asturiana “Taberneros”) y el amor castrado como tema universal, omnipresente y todopoderoso.
Por que las letras salen de lo malo, de antiguas adicciones; la inspiración se recoge quemándote en los “Incendios” (Y dime, amor, si estás ardiendo/ y si es que puedo aliviarte yo), o rodeándose de coros de infantiles para inyectar carácter de cuento a las desgracias –“Perplejidad”, “Lo Que Comen Las Brujas” – aunque en la primera rime desatino con destino. Una decena de canciones, ni nueve ni once, ponderando pues la tristeza con acierto, sin dejar, por tanto, con ganas de más ni de menos.
Álvaro Fierro, 2011
Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify (según país de residencia).
Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com:
"Discos como Propellor Time son un auténtico soplo de aire fresco. En cierta forma, sirve para devolvernos la fe en las canciones y en la música que suena sencilla, aunque tenga cosas complicadas en su interior.
Robyn Hitchcock ha publicado en 2010 uno de sus mejores trabajos y, de paso, una de las joyas discográficas del año.
Los invitados estelares (Johnny Marr, John Paul Jones, Chris Ballew, Nick Lowe…) son sólo un complemento a sus fieles Venus 3.
Estos, a su vez, son una especie de escisión de R.E.M. o incluso una escisión de una escisión, ya que tanto Peter Buck como Scott McCaughey (Young Fresh Fellows) y Bill Rieflin (ex-Ministry) también coinciden en The Minus 5, otro proyecto paralelo a la mítica banda.
Esa familiaridad se transmite completamente al oyente, que tiene la sensación de estar ante un disco grabado, sobre todo, entre amigos. Por eso es tan natural y suena tan relajado. Y además, no contiene un solo tema que no merezca la pena."
Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com:
"The Wave Pictures son tan buenos que hay que impedir cuanto antes que nos los roben los trendys y los modernos (y ya están en ello). Porque suenan crudos y auténticos, porque hacen una música sin complejos y porque tienen canciones realmente buenas.
Después de más de diez años entre el do it yourself y el ascenso underground paso a paso, la banda suena estimulante y diferente, con destellos de influencias tan diferentes como los Smiths, Jonathan Richman, los primeros Violent Femmes, Dire Straits o Townes Van Zandt.
Que lo que leáis por ahí no os confunda: estos tíos son de verdad. Y David Tattersall, por cierto, es uno de los mejores y más originales guitarristas que han aparecido en tiempo."
Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com: "Entre la producción de "No Line In The Horizon" de U2 y de "Le Noise" de Neil Young, Daniel Lanois encontró tiempo para montar un nuevo proyecto, capitaneado por él mismo y completado por Brian Blade, Trixie Whitley (hija del malogrado Chris Whitley) y Daryl Johnson.
Tras recuperarse el guitarrista y productor de un aparatoso accidente a mediados de este año, salió por fin a la calle "Black Dub", el primer disco homónimo del grupo. Uno de esos discos raros que, a pesar de hacer aguas en algunos momentos, tiene algo hechizante.
Es increíble la cantidad de géneros con los que tontea la música de Lanois sin meterse de lleno en ninguno de ellos. "Black Dub" contiene pasajes que rozan la incongruencia y, tanto la elección vocal, como algunos arreglos, pueden llegar a resultar desajustados y un tanto anacrónicos, pero es innegable que el conjunto tiene algo.
Puede ser el aspecto instrumental, algo que no es de extrañar con Brian Blade –sin duda, uno de los mejores baterías del mundo– a las baquetas: su forma de groovear con Johnson y el punto tan orgánico que ambos alcanzan junto a las guitarras de Lanois es realmente especial."
Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com: "Este podría ser el disco pop del año: porque Britt Daniel escribe buenas canciones, porque los arreglos y el grupo suenan exquisitos o porque es difícil escapar a los infecciosos ritmos de Jim Eno.
La cosa es que por estos lares no les hace caso mucha gente, aunque en EE.UU. no se pueden quejar, y menos aún para ser una banda teóricamente “independiente”.
“Transference”, es un disco que toma una dirección diferente con respecto a su anterior álbum, el también fabuloso “Ga Ga Ga Ga Ga”, aunque en ningún momento dejan de sonar a ellos mismos.
Algunos modernos estarán encantados de tener una buena banda con la que tirarse el rollo, para variar, pero Spoon se merecen llegar al mayor público posible. Porque, aunque no tienen nada que ver, los de Austin triunfan donde Kings Of Leon están fracasando."
Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com:
"Rich Hopkins es uno de esos casos de músico inexplicablemente desconocido. Después de unos años con los Sidewinders/Sand Rubies siguió su carrera en solitario con los Luminarios, un grupo formado por algunos músicos itinerantes con el que ha ido construyendo su proyecto.
Su último disco, “El Otro Lado/The Other Side”, es una brillante mezcla de rock americano con aires fronterizos, donde uno puede encontrar restos de Neil Young, Lou Reed, Los Lobos (cuyo último disco también está genial, por cierto) y algunas cosas más.
Sólo hay que escuchar la conmovedora “El Otro Lado Suite” –en la que se rinde homenaje a los cientos de mexicanos que se juegan la vida a diario intentando llegar a EE.UU.– para darse cuenta de que este es uno de los grandes discos de 2010.
Porque es un álbum honesto y crudo que hace honor a lo mejor del rock: un puñado de buenas canciones y ese pulso eléctrico y visceral que, algunas veces, consigue capturarse en un estudio."
Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com:
"El de Bilal es uno de los regresos más esperados de la música afroamericana. Nueve años después de su debut y tras una sonada bronca con Interscope (por archivar la discográfica y, presuntamente, filtrar en la red el que debía haber sido su segundo disco), el cantante de Philadelphia edita por fin su nuevo álbum, grabado a lo largo de los últimos tres años.
Si alguien duda de que el soul (ahora lo llaman neo-soul) está vivo y de que existen nuevas formulas para (re-)crearlo, puede acudir a "Airtight’s Revenge" para escuchar el soul del siglo XXI.
La música de Bilal, teñida de jazz, funk y electrónica, es original e intransferible, muy compleja tanto en composición como en ejecución y desarrollo. Prince se encuentra con Sly Stone y los sonidos más sofisticados del panorama actual en un disco que crece en cada nueva escucha.
Al principio cuesta entrar en el universo de Bilal, pero a la larga tiene mucho que ofrecer. Para empezar, un pedacito de futuro."
Se acaba 2010, un año con sus cosas buenas y sus cosas malas. Un año razonablemente bueno, diremos. Tampoco quiero hacer balance, ni valorar esto o aquello a nivel personal o general. La vida sigue, eso es lo importante.
Tengo esperanzas puestas en 2011, veremos cómo va la cosa. Tengo planes, pequeños proyectos, mucha música que escuchar y muchos conciertos que ver. Y voy a empezar hoy mismo.
De momento os dejo aquí uno de los temas que más han sonado en mi iPod este año. Una canción fabulosa de un disco un tanto incomprendido de Ryan Adams, 29. La canción se introduce lentamente en tu cabeza y tiene una larga coda prácticamente perfecta.
Os invito a cerrar los ojos, pulsar el pequeño reproductor que hay justo debajo, y escuchar el tema hasta el final. Y feliz 2011 a todos.
Jeremy Jay tiene todo para no gustarme y, sin embargo, creo que tiene algo. Esa especie de mezcla de lo-fi, new wave y pop británico funciona, probablemente, porque Jay tiene mano para hacer canciones.
Splash no está tan bien como Slow Dance, su anterior disco, pero tiene algunos temas que molan. Tiene gracia que el pop de un norteamericano suene más británico que el de muchos ingleses.
Hay menos sintetizador y más guitarra que en otros discos suyos, aunque todo sigue sonando muy 80s, como le gusta a Jay. Splash es, en teoría, el primero de dos discos que el cantautor quería sacar en 2010, aunque se le está acabando el año para ello.
El disco es decepcionante, en cierta forma, pero Jeremy Jay sigue siendo un tipo a seguir.
Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify (sólo en algunos países).
Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com:
"Los festivales más importantes de este verano han confirmado todas mis sospechas: seguimos en los 90. Estamos en 2010, un momento ideal para hacer balance de una década –la primera del siglo XXI– impersonal, sin rumbo, deslavazada y, por qué no decirlo, un poco triste a nivel musical. Igual que ocurrió anteriormente con los 70, llevamos unos años en los que vuelven los 80 (sobre todo lo peor y más banal de ellos), pero casi todas las grandes bandas, las que llenan recintos y lucen en los carteles, empiezan a cumplir 20 años de antigüedad."
"Pixies, Pearl Jam, Belle and Sebastian, Rage Against The Machine, Pavement, Muse, Alice In Chains, Manic Street Preachers, Placebo... Estas y otras bandas de los 90 han copado las cabeceras de casi todos los festivales y eventos más importantes de este verano (y esto sin mencionar a las de los 80), pero el último decenio ha sido representado, por lo general, en posiciones de segunda. Sólo el FIB (que también tenía a Prodigy entre sus conciertos principales) ha tirado de nombres más recientes para encabezar su programación, pero todo el mundo sabe que la música no es precisamente lo más importante en este festival."
"Aunque hay decenas de grupos aparecidos en los últimos años con discos y directo enormes, nos falta un Elvis, unos Beatles, Stones, Who, Led Zeppelin, Metallica, Guns‘N’Roses, R.E.M., Nirvana, Radiohead o cualquiera que llegue al pop y al rock para salvarlos de nuevo en el siglo XXI. Alguien que destruya barreras comerciales e independientes, que fulmine prejuicios y que se instale en la historia de un plumazo."
"Porque todas esas bandas que se mantienen después de tantos años, se van a convertir pronto en señores mayores. Y esta música, así, no es lo mismo."
Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com:
"Hace un par de meses, Tom Petty sacó su primer disco con los Heartbreakers en ocho años, “Mojo”, una colección de canciones que parece sacada de la memoria colectiva de las raíces del rock. Varios temas del disco suenan relativamente familiares, algo que ya le ha granjeado unas cuantas críticas negativas. Sin embargo, “Mojo” tiene algo fuera de toda discusión: suena realmente genial. De hecho, bastante mejor que la mayoría de discos que salen al mercado hoy en día."
"Así que, en ese sentido, “Mojo” es un delicioso anacronismo. Por un lado contiene música que está más cerca del pasado que del presente y, por otro, aterriza en el mercado discográfico como un auténtico soplo de aire fresco y como uno de los discos del año. Aunque sólo sea porque suena vivo, dinámico, real. Como tiene que sonar."
Hoy hace cuarenta años de la muerte de Jimi Hendrix. No voy a hablar de su contribución a la música porque es innecesario. Prefiero hablar (un poco) de la contribución de su música a mi vida.
Hendrix es, para mi, un verdadero padre musical. El primer disco suyo que escuché fue Are You Experienced?, en una vieja cassette grabada que se instaló en mi walkman durante bastante tiempo cuando era un adolescente. Desde entonces, todos sus discos han sido mi favorito (tal vez Axis no, pero no estoy seguro) en un momento u otro de mi vida, pero ahora mismo elegiría sin dudar Electric Ladyland.
Desde que empecé a tocar la guitarra, Hendrix ha sido un referente tremendo para mi, aunque hasta hace poco nunca le habría tenido como mi principal influencia. Resulta que hace unos meses, cuando terminamos de grabar y mezclar el disco de Electric Solo (de próxima aparición) yo llevaba mucho tiempo (años, tal vez) alejado de la música del guitarrista. Un día, a raíz de la aparición de su disco inédito Valleys of Neptune, volví a reescucharle y fui consciente de algo: Hendrix es, sin niguna duda, mi principal y mayor influencia como guitarrista. No debería sorprenderme, pero el tamaño de su huella en mi forma de tocar es enorme (tanto como la irreductible distancia entre su talento y mis humildes improvisaciones).
Sé que todo esto no es más que una elucubración personal, pero quería acercarme a la figura de este genio así, de manera personal.
Volviendo al disco, aparte de los obvios "Voodoo Child (Slight Return)", "All Along The Watchtower" o "Crosstown Traffic", mis temas favoritos son "Voodoo Chile" y, sobre todo, "1983... (A Merman I Should Turn To Be)", un tema que redescubrí hace poco gracias a Taylor Ho Bynum (creo que fue por él por lo que reescuché Electric Ladyland por primera vez en años).
"1983... (A Merman I Should Turn To Be)" es un tema que conjuga la música que queremos hacer con el proyecto Electric Solo en este momento y es una escucha recurrente antes de afrontar una actuación.
Por todas estas cosas, y por algunas más, hoy me siento como si fuera el cumpleaños de mi padre. Y tras reescuchar de nuevo Electric Ladyland sigo pensando que es una obra maestra. Esencial, básico, de isla desierta, como queráis llamarlo.
Deberían ponerlo en los colegios y en todas las cámaras, congresos, senados y templos religiosos de este corrupto mundo. Tal vez así las cosas irían mejor.
Nota: Ni Spotify ni leches, si no tienes Electric Ladyland, sal inmediatamente a la calle y hazte con una copia.
Entretanto, dejo aquí un asombroso video de una actuación de Jimi Hendrix Experience en 1969. Vedlo completo. Después de un fabuloso "Voodoo Child", el grupo hace una desmelenada intro a "Hey Joe" (un tema del que Hendrix estaba hasta el gorro y que seguía tocando por compromiso), entran en el tema con la guitarra de Jimi terriblemente desafinada y, después de un par de estrofas, Jimi corta en seco y dice que van a dejar de tocar "esa mierda" para homenajear a los recién separados Cream con "Sunshine Of Your Love", algo completamente fuera de lo programado por la BBC. Todo lo que toca en este video, hasta el rato que está con media guitarra desafinada, es Hendrix en estado puro. Es perfecto. Es lo que le hace tan grande.
