Hoagy Carmichael - Sings Hoagy Carmichael (1939-1947)

Llevo unos días con bastante trabajo a cuenta de mi librería de cómics, Zinco, con lo que no he podido escuchar tanta música como me hubiese gustado.

Sin embargo, en estos días me he despertado con unas ganas terribles de escuchar esta vieja recopilación de Hoagy Carmichael, uno de los más grandes compositores norteamericanos del siglo XX.

Algunos de sus temas, como "Georgia On My Mind", "Rockin' Chair", "Stardust", "Two Sleepy People", "The Nearness Of You" o "Skylark", le han otorgado un puesto en el olimpo de la música popular en general y del jazz en particular.



Su maestría como compositor ha eclipsado las otras facetas de Carmichael, cantante limitado pero personal y pianista destacable cuyo estilo parece salir en ocasiones de la sorprendente mezcla de la música clásica y el swing.

A mi siempre me ha encantado la forma en la que interpretaba sus propias composiciones, ya fuese junto a gente como Bix Beiderbecke, Eddie Lang, Joe Venuti, Benny Goodman, Harry Edison o Jimmy Rowles como acompañándose a sí mismo al piano y con su característica forma de improvisar silbando.

Carmichael siempre es una gran forma de empezar el día cada mañana.

Ravi Coltrane - Blending Times (2007)

Ravi Coltrane es un tipo que, además de gustarme, me despierta mucha simpatía. No creo que haya sido fácil para él ser el hijo de John Coltrane y tocar el saxo tenor, al menos en ciertos aspectos.

Su último disco es una especie de momento de transición compuesto por sesiones diferentes grabadas entre 2006 y 2007. Todos están bien, pero Luis Perdomo se sale.

A continuación, mi reseña del disco publicada originalmente en Tomajazz:

Si algo ha caracterizado a Ravi Coltrane desde que empezó su carrera es su capacidad para eludir la losa de ser hijo de quien es. Por un lado, nunca se ha beneficiado de su apellido para edificar su trayectoria musical y, por otro, su estilo siempre ha tendido a alejarse del infeccioso "coltrainismo" que afecta a la mayor parte de los tenores en los últimos tiempos.

Blending Times, además de ser un tema de su anterior disco, In Flux, es el título de la última entrega discográfica de Coltrane. El saxofonista parece querer explotar al máximo las posibilidades de su cuarteto (completado por Luis Perdomo, Drew Gress y E.J. Strickland), con el que lleva tocando unos cuantos años. 

Ese afán por exprimir el máximo de unos músicos concretos, por alcanzar una empatía extrema a fuerza de horas compartidas, es el mejor camino para crear música memorable. Un camino menos transitado de lo que debiera, en esta época de tocar aquí y allá, con unos y con otros, con menos continuidad de lo que a uno le gustaría.

Paradójicamente, Coltrane está madurando su estilo y empujándolo hacia ese "coltrainismo" del que hablábamos al principio. Aparte de algunos originales de Coltrane, Perdomo, Ralph Alessi y Charlie Haden, la mayor parte de temas son "improvisaciones concebidas y dirigidas por Ravi Coltrane", tal y como reza la carpetilla.

Lo que está claro es que la música es libre e inspirada, aunque titubeante en algunos momentos. Coltrane está en plena búsqueda, yBlending Times es un magnífico disco de transición. Un poco irregular quizás, pero igualmente satisfactorio. 

Charles Tolliver Music Inc. - Live At Slugs Vol. 1 (1970)

Charles Tolliver es uno de los trompetistas más interesantes de los años 70, junto a Woody Shaw, Lester Bowie, Marvin Peterson, Bobby Bradford, Olu Dara, Butch Morris, Leo Smith o Baikida Carroll, entre otros.

Su cuarteto junto al pianista Stanley Cowell, Music Inc., es también una de las unidades más importantes de la primera mitad de los 70, una época en la que el jazz no tenía demasiadas facilidades en un mundo tomado por el jazz-rock y la fusión.



Live At Slugs fue el primer disco de esta formación, un registro magnífico de un cuarteto espectacular, que en esta ocasión se vio enriquecido por la presencia del gran Cecil McBee, un tipo del que soy bastante incondicional.

El resultado es música cruda y directa como pocas.


Nota: Los dos volúmenes de Live At Slugs están incluídos en la caja de Mosaic Select dedicada a Tolliver. Hace años el sello Charly editó un CD que incluía también ambos volúmenes, pero con un tema menos, y me suena que se ha reeditado en vinilo el que comento hoy.
Recomiendo encarecidamente la edición de Mosaic.

Ed Blackwell Project, Vol. II - What It be Like (1992)

Me joroba bastante no haber visto nunca en directo a Ed Blackwell, uno de mis baterías predilectos de entre los surgidos a partir de los años 60.

El anterior volumen de este directo, What It Is?, fue el primer disco que compré en Paris cuando lo visité hace años. Me suelo acordar de estas cosas porque soy un sentimental. La cuestión es que hace unos días, de manera casual, me topé con este segundo volumen y me hizo mucha ilusión.



La verdad es que no reescucho What It Is? desde entonces, lo que ha ayudado a que este What It Be Like? me haya sonado estupendamente. La presencia de Graham Haynes, Carlos Ward y Mark Helias ayuda mucho, por supuesto. Don Cherry está en un tema, pero el hijo de Roy Haynes no es fácil de eclipsar.

Ed Blackwell murió dos meses después de este concierto.


Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify.

Vijay Iyer - Reimagining (2004)

El pasado viernes, tras el magnífico concierto de Wadada Leo Smith en el Johnny, le pedí a Vijay Iyer que eligiese uno de sus discos. Él me preguntó que cual me gustaba a mi, y le dije que me gustaban todos. Y no lo decía por decir.

Yo esperaba que se decantase por alguno de sus dos primeros discos, o en todo caso el último (una elección muy común) pero, después de titubear un poco, Iyer escogió Reimagining.



En realidad no se cuales fueron sus motivos, y supongo que otro día o en circunstancias diferentes elegiría cualquier otro, pero es innegable que el disco es una maravilla.

Branford Marsalis - Trio Jeepy (1988)

Yo me imagino que Branford Marsalis se esperaba, y en cierto modo buscaba, que el gran Milt Hinton le robase el show en este disco. Es natural si te da por grabar con un gigante del contrabajo como él.

Trio Jeepy es uno de los grandes discos del saxofonista en el que éste cultiva una de sus formaciones favoritas: el trío. Evidentemente, la sombre de Sonny Rollins planea sobre Marsalis en varios momentos pero, a estas alturas de su carrera, Branford ya tenía mucho que decir.



A la batería, su fiel Jeff "Tain" Watts se acopla a la perfección a Hinton, que es sustituído por Delbert Felix en tres temas, aunque éste pasa un poco desapercibido.

El disco está dedicado a David Chertok, Charlie Rouse y Buddy Tate y, en una mención aparte, Marsalis ofrece estos agradecimientos: "A different kind of thanks to Coleman Hawkins, Don Byas and Paul Gonsalves, because I can't play like any of them!".

El tío sabe, desde luego.


Nota: Curiosamente, el doble LP original tiene un tema más que el CD, una preciosa versión de "Stardust". Una pena.

Nota 2: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify.

Lo que debo a mis amigas. En torno a “Jesus Blood Never Failed Me Yet” (arreglo orquestal de Gavin Bryars), por Chema García Martínez

Jose María García Martínez, Chema, es un nombre conocido por gran parte de los aficionados al jazz. En los últimos años es principalmente por su carismáticos textos en el diario El País, aunque su trayectoria abarca tres décadas en diversos medios como el diario Ya, Quartica Jazz o Cuadernos de Jazz, entre muchas otras publicaciones. Toda esa experiencia hace que Chema sea uno de los pocos profesionales (muy pocos) que saben lo que dicen/escriben dentro de la prensa general.

Para algunos es un histórico de "la crítica joven", para otros un periodista polémico, un cronista sagaz o un nombre ineludible y valioso para el jazz en España. Aunque en realidad es todas esas cosas, y unas cuantas más.

Para mi es simplemente Chema, un amigo y un tipo entrañable; con sus cosas, por supuesto, y el toque justo de extravagancia, pero así es como es y así es como nos gusta.

Su colaboración en este humilde blog es un pedacito de sí mismo que me cede gentilmente. Auténtico y escrito desde las entrañas, como no podía ser de otra forma.


Lo que debo a mis amigas. En torno a “Jesus Blood Never Failed Me Yet”, arreglo orquestal de Gavin Bryars
En invierno es mejor un cuento triste



Tengo una amiga, Loreto, que se empeña en quererme, aunque no sé por qué, y no solo eso. También quiere que me quiera. Mira que me lo pone difícil.

A mi edad, descubrir que uno sigue siendo el mismo adolescente tornadizo y “psicoanalizable” de hace algunas décadas le convierte a uno en un objeto digno de estudio. La buena noticia es que lo dicho también puede tomarse como la demostración fehaciente de que uno está vivo, pese a lo mucho que lleva recorrido. Y, porque lo estoy, hay músicas, y películas, y libros que pasan por delante de mí sin rozarme siquiera, y ya pueden ser obras maestras, que ni así. Y otras de una obvia mediocridad que me roban el alma sin entender el motivo. Luego uno ve a los colegas de profesión en su lugar de trabajo, libreta en mano, mientras diseccionan el “corpus delicti” con frialdad de cirujano para luego emitir su veredicto justo y equidistante; y se ve a sí mismo revolcándose en los sentimientos que la música buena, mala o regular le genera (llorando a moco tendido en medio de un concierto) sin que haya fuerza humana ni divina que lo impida, y termina por concluir que, acaso, debería estar dedicándose a otra cosa. Las labores de bricolage, en las que soy experto, por ejemplo.

Soy irracional y me alimento de irracionalidad, lo que, acaso, explique algunos de mis comportamientos para los que no encuentro explicación. Por ejemplo, mi empeño en curar la tristeza escuchando música desconsolada, amarga y deprimente, cuanto más, mejor. De Billie Holiday (“Glad to be unhappy”) a Chet Baker (“Sad Walk”) o mi preferido: “Jesus Blood Never Failed Me Yet”, arreglo orquestal de Gavin Bryars en torno a una no muy atractiva cantinela de mendigo, que el lector puede escuchar en la versión recortada que circula en YouTube con el añadido algo inoportuno de la voz de Tom Waits, según finaliza. Otra amiga, Marirosa, me explicó que, en realidad, se trata de una historia triste que termina bien, o eso creí entenderla, al menos. Claro que ella es una persona inteligente. La única que conozco capaz de extraer una concusión perfectamente sustentada en su argumentación después de ver “Let´s get lost”, la película de Bruce Weber sobre el príncipe de los músicos de jazz deprimentes, Chet Baker.

El otro día, mi amiga “O.” me hizo entender porqué soy como soy, y que todas las cosas que me suceden tienen una explicación. Lo que sigo sin entender es por qué, cuando estoy triste, me empeño en escuchar a un viejo en estado de embriaguez cantando un himno religioso apolillado y absurdo.

Chema García Martínez, noviembre de 2009

Bill Evans with Jeremy Steig - What's New (1969)

Aunque poco conocido, éste es uno de los mejores discos que grabó Bill Evans en la segunda mitad de los 60. Gran parte del mérito es del flautista Jeremy Steig, que poco después se convertiría en una figura clave del jazz-rock y la fusión.

La célebre rítmica compuesta por Eddie Gomez y Marty Morell, que acompañaría al pianista de forma ininterrumpida hasta 1974, debuta en esta grabación y ya da muestras de una empatía extraordinaria con Evans.



Ambos co-líderes improvisan con nervio y más libertad que en otros registros, con Evans dejando de acompañar al flautista en varios fragmentos para que el contexto armónico sea más abierto y pueda campar a sus anchas.

Todo el disco tiene mucha fuerza y resulta muy superior a la colaboración de Evans con otro flautista, Herbie Mann, en el disco Nirvana. Aquella es más popular, pero What's New es una verdadera maravilla.

Marcos Pin / Albert Cirera / L.A.R. Legido / Xacobe Martínez Antelo - Pin.Cirera.Legido.Martínez (2007)

La escena de nuestro país está en ebullición, de eso no hay duda, y en Galicia se están cociendo cosas realmente interesantes. Una de ellas es el sello Free Code Records, que lleva un tiempo sacando algunos discos muy interesantes.

Entre ellos está Pin.Cirera.Legido.Martínez, un estupendo registro firmado democráticamente por cuatro músicos de gran talento.

Marcos Pin es un guitarrista sólido y cabal y su discurso fluye de forma lógica y muy natural; sobre Cirera ya he escrito varias veces y aquí está estupendo, como siempre; por último, el binomio rítmico de Legido y Martínez Antelo es un alarde de comunicación e inspiración, como ya han demostrado sobradamente con el grupo Sumrrá.

En realidad todo el disco está basado en la comunicación, con cada miembro muy pendiente de sus compañeros, sin confrontaciones ni problemas de egolatría.
Buenas composiciones y música vibrante que hace que no perdamos de vista a cuatro jovenes que tienen mucho que decir.

Ronald Shannon Jackson and The Decoding Society - Man Dance

Esta semana voy a ver en directo a Ronald Shannon Jackson -acompañando al gran Wadada Leo Smith-, así que he decidido desempolvar este magnífico disco de su Decoding Society.

Jackson se formó al amparo de nombres como Julius Hemphill, Ornette Coleman, Charles Mingus o Albert Ayler pero la música que produjo con The Decoding Society es heredera directa de los Prime Time de Ornette, grupo en el que Jackson militó con asiduidad.



Man Dance contiene una explosiva mezcla de free funk, jazz y rock, y se nutre de músicos como Zane Massey (hijo del mítico trompetista y compositor Cal Massey), Melvin Gibbs, Bruce Johnson y un joven Vernon Reid.

Los dos bajistas y Reid (al banjo) se lucen de lo lindo en el tema que podéis escuchar aquí abajo.
Qué gran banda y qué gran disco.

Jon Irabagon - The Observer (2009)

Está a punto de cumplirse un año desde que hablé aquí del impresionante disco de Jon Irabagon Outright!, al que califiqué como uno de los mejores del año pasado.

The Observer es su última entrega como líder, un álbum más convencional y menos interesante, aunque no carente de interés. Sólo hay que escuchar el solo del saxofonista en "The Infant's Song" (disponible al final del post) para comprobarlo.

Este chaval va a ser grande.


A continuación, mi reseña de The Observer publicada originalmente en Tomajazz: 

No es la primera vez que escribo sobre Jon Irabagon, igual que no es la primera vez que afirmo que es uno de los saxofonistas con más talento de los últimos años.

Además de las numerosas colaboraciones y proyectos que demuestran su capacidad, está a punto de cumplirse un año desde que ganó la Thelonious Monk Competition de saxo alto el pasado año, premio que le concedió por unanimidad un jurado compuesto por Wayne Shorter, Jimmy Heath, Greg Osby, Jane Ira Bloom y David Sanchez.

Este disco existe gracias a aquel premio, puesto que un contrato con Concord es parte del galardón. El problema es que un sello como éste no suele sacar discos que se acerquen a lo que hace Irabagon habitualmente y en The Observer nos encontramos un álbum de corte clásico, casi mainstream. Afortunadamente, el saxofonista tiene una gran personalidad y convierte una sesión que tenía todas las papeletas para ser rutinaria en un disco bastante interesante.

La pena es que el trío de acompañantes (pesos pesados todos ellos) no parece estar a pleno rendimiento, con Kenny Barron, Rufus Reid y Victor Lewis acompañando bien, pero sin deslumbrar. Tampoco es destacable el trabajo de Rudy Van Gelder, que graba, mezcla y masteriza el CD, reincidiendo una vez más en su manía de poner la batería demasiado alta en la mezcla. Por otro lado, si yo fuese a grabar un disco como este, también querría hacerlo con el mítico ingeniero en New Jersey mientras siga en activo.

Nicholas Payton toca en dos temas en los que no hace nada trascendente, aunque hay una colaboración muy especial: la de Bertha Hope, viuda del gran Elmo Hope, que acompaña a Irabagon en la composición de su marido "Barfly". El resto de repertorio está principalmente compuesto por temas originales (muy buenos, por cierto) del saxofonista, a excepción de otras dos versiones muy curiosas: "The Infant's Song" de Gigi Gryce y "Cup Bearers" del trombonista Tom McIntosh.

Si no me equivoco, Jon Irabagon es uno de los grandes del jazz del futuro, como ha demostrado en varias grabaciones, ya sea a su nombre, con el Ridd Quartet, el supergrupo Mostly Other People Do The Killing o cualquiera de sus numerosas colaboraciones. En este disco ha salido airoso de la experiencia de hacer algo bastante "convencional" y mantener su talento y personalidad a lo largo de cada brillante solo que ha grabado en The Observer.

Porque, con gigantes como Barron, Reid, Lewis y Payton junto a él, es Irabagon el que destaca por encima de todos ellos. Y mucho. 

Bobby Whitlock - Bobby Whitlock (1972)

Bobby Whitlock es uno de los héroes ocultos del southern roots rock de finales de los 60 y primeros de los 70. Antes de alcanzar la mayoría de edad ya era un asiduo músico de sesión en los estudios Stax, siendo el primer músico blanco que fichó por el mítico sello.
Colaboró en All Things Must Pass de George Harrison, en el primer álbum en solitario de Eric Clapton, en Exile On Main Street de los Rolling Stones y en todos los discos de Delaney and Bonnie, el grupo por el que Clapton disolvió Blind Faith para irse de gira con ellos.

Poco después, Whitlock formó junto al guitarrista la banda Derek And The Dominos y en su obra maestra, Layla And Other Assorted Love Songs, hay varias canciones escritas o coescritas por él.



En 1972 publicó su primer disco en solitario, una pequeña joya de la época grabada junto a un puñado de amigos, que fue enterrada por otros títulos más conocidos de nombres más populares, algo que ocurre más habitualmente de lo que parece.

La música de Whitlock, como es lógico, se parece mucho a la de Delaney and Bonnie, Clapton o Derek And The Dominos ya que él era una pieza clave de esas bandas en aquel momento. Escuchando este disco uno se da cuenta de hasta qué punto su personalidad marcó la obra de todos ellos.

También es evidente que lo que hacen tantas y tantas bandas hoy en día, llámese country alternativo, americana, rock sureño o lo que sea, ya se hacía hace casi cuarenta años.


Nota: Juraría que este disco no está reeditado en CD así que, aunque normalmente cuelgo un tema de cada disco, de este voy a poner dos. Si no os enganchan me como el sombrero.

Marc Copland - Alone (2009)

Éste es un disco para consumir lentamente, con cierta paciencia.
La primera vez que lo escuché me pareció excesivamente frío. La segunda, en cambio, me resultó apasionante. La tercera volvió a provocarme cierta decepción y a partir de entonces cada vez me gusta más. Qué cosas.

Soy bastante incondicional de lo que hace Marc Copland y cualquier nueva grabación del pianista es una gran noticia para mi. Este Alone aparece casi a la par que su nuevo dúo con Gary Peacock, que espero comentar pronto, y ambos está editados por Pirouet.



Standards, originales y algunos temas de Joni Mitchell se convierten en manos de Copland en algo tremendamente personal. Música densa y exploratoria en un disco que, aunque inferior al maravilloso Time Within Time, sigue siendo una entrega muy interesante dentro de la obra de uno de los grandes pianistas del momento.

Sonny Criss - I'll Catch The Sun! (1969)

Demasiadas veces se ha tachado a Sonny Criss de mero seguidor, e incluso imitador, del estilo de Charlie Parker. Nada más lejos. Claro que estaba influenciado por Bird pero, tocando el saxo alto en los 50... ¿Quién no lo estaba?

Sin embargo, a finales de los 60, Criss fue derivando a un sonido más cercano al de Willie Smith o Benny Carter, bebiendo también de los grandes del rhythm and blues, todo ello sin renunciar a sus raíces bop.

Su dominio del instrumento es indiscutible, así como su capacidad para construir frases de una gran belleza e insertarlas con habilidad en un discurso que, de por sí, ya es apabullante.



Además de Monty Budwig al contrabajo, en I'll Catch The Sun! le acompañan dos gigantes de la West Coast: Hampton Hawes y Shelly Manne. El pianista, como es natural, también ofrece algunos solos fantásticos.

Hay que reivindicar la figura de Sonny Criss. Un saxofonista extraordinario al que la historia no ha tratado como se merece.

Positive Catastrophe - Garabatos Volume One (2009)

Taylor Ho Bynum es un tipo que me gusta, al igual que Matt Bauder, Michael Attias o Pete Fitzpatrick, pero creo que soy bastante objetivo cuando afirmo que Garabatos Volume One es uno de los discos más refrescantes del año.

Fitzpatrick me sorprendió en especial, ya que no tenía constancia de estuviese metido en estos fregados. Hace años le vi en directo con la banda Clem Snide, de la que fue miembro hasta hace bien poco, y me dejó impresionado. Aquel fue uno de los mejores conciertos de rock que he visto y el guitarrista tuvo mucho que ver en ello. Clem Snide no han vuelto a ser lo mismo desde su marcha. Una pena.

Puedes leer mi reseña de Garabatos Volume One publicada en Cuadernos de Jazz pinchando aquí.

Dewey Redman - The Ear Of The Behearer (1973)

Hace unas semanas falleció el gran Norris Jones, más conocido como Sirone. Contrabajista emblemático del free, tocó a lo largo de su carrera con músicos como Ornette Coleman, Cecil Taylor, John Coltrane, Marion Brown, Don Cherry, Albert Ayler, Pharoah Sanders, Archie Shepp, Roswell Rudd, Dave Burrell e incluso con Sam Cooke.

Para recordarle he estado escuchando esta pequeña joya de Dewey Redman en la que el contrabajista hace gala de su característico estilo, punzante y frenético.



Aunque en Redman pueden escucharse ecos de Ornette, Coltrane y Ayler, es un saxofonista terriblemente personal y sólo suena a sí mismo, algo poco habitual en aquella época.

The Ear Of The Behearer se nutre de una receta que incluye blues, free y esa espiritualidad tan típica de aquellos años, pero ha soportado muy bien el paso del tiempo y es uno de los mejores discos de la carrera del saxofonista.

Charlie Christian - The Genius of the Electric Guitar (1939-41)

Charlie Christian es a la guitarra eléctrica lo que Armstrong a la trompeta, Coleman Hawkins y Lester Young al saxo tenor, Earl Hines al piano o Jimmy Blanton al contrabajo. Su contribución al desarrollo de la guitarra jazzística va mucho más allá de ser un gran instrumentista o improvisador.

Murió con 26 años pero, de haber seguido su carrera, estoy seguro de que habría aportado grandes innovaciones a su instrumento y al desarrollo del be-bop. En 1941, Christian frecuentó (junto a tipos como Thelonious Monk, Dizzy Gillespie o Kenny Clarke) las jam sessions del Minton's y el Monroe's en las que se forjó este estilo.



Pero no le dio tiempo. Desde 1939 hasta su muerte en 1942 trabajó con Benny Goodman por recomendación de John Hammond, grabando con el sexteto y la orquesta del clarinetista.

Este disco documenta esos pocos años en los que Christian aportó al jazz más de lo que puedo explicar, y lo hacen absolutamente imprescindible.


Nota: El disco no está disponible como tal en Spotify, pero he creado una lista de reproducción que recoge los 16 temas de éste. Pinchando en la portada puedes escucharlo.

Enrico Pieranunzi / Marc Johnson / Joey Baron - Play Morricone 2 (2002)

Aparte del impresionante The Big Gundown, homenaje de John Zorn a Ennio Morricone, los dos volúmenes dedicados al compositor italiano por parte del trío de Enrico Pieranunzi, Marc Johnson y Joey Baron son de escucha obligada.

El pianista actúa esta tarde en Bilbao y parece que se centrará principalmente en temas de Morricone y Nino Rota, así que he decidido repasar este disco para ir abriendo boca. Pieranunzi grabó también varias composiciones de Rota en Fellini Jazz, pero aquel resultó un disco tan prometedor como decepcionante.



Puede que el primer volumen de este homenaje a Ennio Morricone esté algo más logrado, pero Play Morricone 2 sigue siendo un disco fantástico. Claro que con Johnson y Baron a la rítmica y un monstruo del piano europeo como Pieranunzi a la cabeza, lo raro es que la cosa no funcione.

Un Día Más Un Disco Más estrena logo

Tal y como anuncié hace unos días, este humilde blog estrena logo, cortesía del artista Naiel Ibarrola.

Nada más que decir excepto que con amigos como él da gusto.

Duke Jordan - Duke's Delight (1975)

Duke Jordan nunca fue uno de los grandes, aunque tampoco era el incompetente que Miles Davis describió en su célebre autobiografía, cuando recordaba sus días en el quinteto de Charlie Parker.

En este disco grabado en 1975 para SteepleChase, Jordan se rodeó de un grupo intachable. Por un lado, Al Foster a la batería y el gran Charlie Rouse al tenor. Por otro, dos músicos por los que siento cierta debilidad: el fabuloso trompetista Richard Williams y el contrabajista Sam Jones.



El disco no es sorprendente pero tampoco rutinario y es un placer escuchar como "camina" todo con Jones a las cuatro cuerdas.

Duke Jordan no era un tipo con genio, pero oficio tenía un rato.

Marion Brown / Leo Smith - Creative Improvisation Ensemble (1970)

En 1970, dos improvisadores que me fascinan formaron el Creative Improvisation Ensemble, que viene a ser más o menos un dúo entre Leo Smith y Marion Brown.

En 1975, el disco que habían grabado para Freedom fue reeditado por Arista a nombre de Brown en el doble LP Duets, junto a otra colaboración del saxofonista con Elliott Schwartz grabada en 1973.



Del dúo con Schwartz, que tiene su miga, hablaré otro día. Hoy me centro en esta instantánea de una época en la que la espontaneidad y la música creativa estaban en plena ebullición. Tanto, que a veces es dificil comprender lo que algunos improvisadores desarrollaban por aquel entonces sin contextualizarlo.

En cualquier caso, aunque irregular y con cierto aire de inocencia, este disco alberga momentos de gran belleza.

Música libre, pura, directa y comprometida de mano de dos grandes que estaban buscando y buscando, sin miedo a encontrarse con cualquier tipo de límite.

La búsqueda del aplauso perdido (26 de octubre de 2009)

Extraído de mi columna de opinión para Cuadernos de Jazz:

"Hace poco estuve en un concierto del nuevo proyecto del rapero Kase-O, Jazz Magnetism, en el que mezcla hip hop con formas jazzísticas y se acompaña de una banda de jóvenes jazzistas de nuestro país. La propuesta era más que interesante, pero lo que más me llamó la atención eran los centenares de jóvenes aficionados que coreaban, alentaban y ovacionaban al grupo. No pude evitar preguntarme lo que significaba para un jazzman español actuar ante un público tan numeroso y tan entregado."

"Últimamente se ha hablado mucho de que los jóvenes no escuchan jazz, sea porque no lo conocen o porque les llega de forma sesgada. Para los primeros, los que no lo conocen ni tienen un gran interés en él, este tipo de fusiones pueden significar la llave perfecta para entrar en un mundo que muchas veces aparenta ser soso, aburrido, intelectualoide y, en definitiva, de viejos. Lamentablemente, en las escuelas no se lo van a enseñar, pero Internet y la posibilidad de probar música de forma ilimitada esta ensanchando los horizontes musicales de las nuevas generaciones."

Puedes leer la columna completa pinchando AQUÍ.



Imagen: portada de la edición de papel del número 115 de Cuadernos de Jazz (noviembre-diciembre 2009)