Escrito para Beefeater London Dry Gin:
No sólo de Pixar vive el aficionado a la animación. Inglaterra también alberga a uno de los gigantes de la animación mundial, la productora Aardman, principalmente conocida por las geniales historias de Wallace & Gromit.
La nueva aventura producida por Aardman es ¡Piratas!, una divertida epopeya que llevará al Capitán Pirata desde el centro del océano hasta las calles de Londres para competir por el premio al Pirata del Año. Dirigida por Peter Lord (que ya dirigió otra de las joyas de la factoría, Chicken Run), ¡Piratas! Llega a nuestras pantallas con varios meses de retraso (en Reino Unido y EE.UU. se estrenó en marzo y abril respectivamente) y en su versión original cuenta con las voces de Hugh Grant, Salma Hayek, Imelda Staunton o Jeremy Piven.
miércoles, 29 de agosto de 2012
lunes, 20 de agosto de 2012
Adios a Tony Scott, el último boy scout
Escrito para Beefeater London Dry Gin:
La mañana de este lunes se teñía de luto por la muerte de Tony Scott, hermano pequeño del más popular Ridley Scott. A pesar de haber desarrollado su carrera en los Estados Unidos, Scott nació en North Shields, un pueblecito cerca de Newcastle, en el noreste de Inglaterra.
Aunque se caracterizó por ser un fabricante de blockbusters, su vocación original era más artística: quiso ser pintor y, cuando se puso a estudiar cine, su intención fue la de dedicarse a los documentales. Pero su hermano Ridley, que ya había rodado películas como Alien o Blade Runner, le llamó y le dijo: “Tony, pasa de la BBC. Ven a trabajar conmigo y en un año conducirás un Ferrari.”Pocos años después, con su segunda película, pudo comprarse mucho más que un Ferrari: Top Gun costó 15 millones de dólares y recaudó más de 350. Este año, está previsto su reestreno en 3D. Un buen homenaje para Tony.
Yahvé M. de la Cavada, 2012
viernes, 17 de agosto de 2012
Londres te ama, si sobrevives a ella
Escrito para Beefeater London Dry Gin:
A pesar de ser de origen pakistaní, pocos han descrito tan bien el pálpito de las calles de Londres como Hanif Kureishi. Se dio a conocer gracias a los guiones de dos pequeñas joyas de los 80 dirigidas por Stephen Frears, Mi Hermosa Lavandería y Sammy y Rosie Se Lo Montan, aunque lo que le catapultó definitivamente fue su primera novela: El Buda De Los Suburbios.
Un año después de su publicación, Kureishi también estrenó su primera (y única) película como director, con un título inmejorable: Londres Me Mata. A pesar de no haber tenido una gran acogida en taquilla, 20 años después la película prevalece como un excitante fresco de las bulliciosas aceras londinenses a primeros de los noventa. Las peripecias de un drogadicto en busca de un buen par de zapatos para presentarse a una entrevista de trabajo como camarero son una auténtica odisea en la Inglaterra de fin de siglo.
Dos años después, El Buda de los Suburbios se convirtió en una miniserie de cuatro episodios, con Naveen Andrews (el popular Sayid de LOST) en el papel de Karim, protagonista y narrador de la historia (Karim era, también, uno de los seudónimos que utilizaba Kureishi cuando empezó su carrera escribiendo novelas pornográficas durante los 70). El joven actor británico, aún muy lejos de la fama que le dio la serie de J.J. Abrams, había debutado dos años antes. ¿Adivinan dónde? En Londres Me Mata, claro.
Yahvé M. de la Cavada, 2012
A pesar de ser de origen pakistaní, pocos han descrito tan bien el pálpito de las calles de Londres como Hanif Kureishi. Se dio a conocer gracias a los guiones de dos pequeñas joyas de los 80 dirigidas por Stephen Frears, Mi Hermosa Lavandería y Sammy y Rosie Se Lo Montan, aunque lo que le catapultó definitivamente fue su primera novela: El Buda De Los Suburbios.
Un año después de su publicación, Kureishi también estrenó su primera (y única) película como director, con un título inmejorable: Londres Me Mata. A pesar de no haber tenido una gran acogida en taquilla, 20 años después la película prevalece como un excitante fresco de las bulliciosas aceras londinenses a primeros de los noventa. Las peripecias de un drogadicto en busca de un buen par de zapatos para presentarse a una entrevista de trabajo como camarero son una auténtica odisea en la Inglaterra de fin de siglo.
Dos años después, El Buda de los Suburbios se convirtió en una miniserie de cuatro episodios, con Naveen Andrews (el popular Sayid de LOST) en el papel de Karim, protagonista y narrador de la historia (Karim era, también, uno de los seudónimos que utilizaba Kureishi cuando empezó su carrera escribiendo novelas pornográficas durante los 70). El joven actor británico, aún muy lejos de la fama que le dio la serie de J.J. Abrams, había debutado dos años antes. ¿Adivinan dónde? En Londres Me Mata, claro.
Yahvé M. de la Cavada, 2012
lunes, 13 de agosto de 2012
La Soledad del Corredor de Fondo
Escrito para Beefeater London Dry Gin:
Estos días hay que hablar del espíritu olímpico que se respira en Londres. Ese espíritu de superación del deportista de élite no sólo ha quedado representado en el cine británico mediante la popular Carros De Fuego. Mucho antes, a principios de los 60, Tony Richardson filmó una de las grandes obras maestras del Reino Unido: La Soledad del Corredor de Fondo.
La historia de Colin, un joven problemático y ex presidiario que encuentra asilo emocional (y social) en los largos y solitarios entrenamientos como corredor de fondo, es una de las más grandes películas jamás filmadas en Inglaterra. Y Richardson, por descontado, uno de los grandes del cine inglés. Una curiosidad: meses antes del estreno de La Soledad del Corredor de Fondo, Richardson se casó con la hija de uno de los protagonistas de la cinta, el gran Michael Redgrave. La hija no era otra que la excelente actriz Vanessa Redgrave, con la que tuvo dos hijas en sus cinco años de matrimonio. La mayor era Natasha Richardson, otra gran actriz (y mujer de Liam Neeson) que falleció trágicamenteen 2009, tras un accidente de esquí. La pequeña es Joely Richardson, la protagonista de la irreverente serie Nip/Tuck.
Yahvé M. de la Cavada, 2012
jueves, 9 de agosto de 2012
Cary Grant, genio y figura
Escrito para Beefeater London Dry Gin:
Nació Archibald Leach, pero todos le conocimos como Cary Grant. En 1933, cuando aún no se había hecho un nombre en Hollywood, contrajo el primero de sus 5 matrimonios con la actriz Virginia Cherrill, estrella en ciernes que no llegó a despegar a pesar de haber sido descubierta por Chaplin (es la muchacha ciega en “Luces de la Ciudad”) y haber rodado “La Huerfanita” junto a John Ford.
Se ve que el flemático y apasionado carácter británico de Grant no encajaba con una ambiciosa norteamericana de provincias, porque la cosa quedó en 13 meses de matrimonio y algún que otro intento de suicidio por parte del actor. Cherrill declaró en su momento “Archibald es muy monótono, cada noche me llama para decirme: querida, este mundo vulgar no se ha hecho para mí. ¿Te molestaría llamar a la policía para que vengan a recoger el cadáver?”
(Aún así, ahí no acabó la aventura británica de Cherrill. Tras su divorcio de Grant se casó con George Child Villiers, noveno Conde de Jersey, aunque 10 años después se divorció yo volvió a Los Angeles).
Nació Archibald Leach, pero todos le conocimos como Cary Grant. En 1933, cuando aún no se había hecho un nombre en Hollywood, contrajo el primero de sus 5 matrimonios con la actriz Virginia Cherrill, estrella en ciernes que no llegó a despegar a pesar de haber sido descubierta por Chaplin (es la muchacha ciega en “Luces de la Ciudad”) y haber rodado “La Huerfanita” junto a John Ford.
Se ve que el flemático y apasionado carácter británico de Grant no encajaba con una ambiciosa norteamericana de provincias, porque la cosa quedó en 13 meses de matrimonio y algún que otro intento de suicidio por parte del actor. Cherrill declaró en su momento “Archibald es muy monótono, cada noche me llama para decirme: querida, este mundo vulgar no se ha hecho para mí. ¿Te molestaría llamar a la policía para que vengan a recoger el cadáver?”
(Aún así, ahí no acabó la aventura británica de Cherrill. Tras su divorcio de Grant se casó con George Child Villiers, noveno Conde de Jersey, aunque 10 años después se divorció yo volvió a Los Angeles).
lunes, 6 de agosto de 2012
Filth
Escrito para -y publicado en- la web Big Bad London:
Quién lo hubiera dicho, un par de pimpollos como James McAvoy y Jamie Bell darán vida a los descarriados e inmorales protagonistas de Filth, adaptación cinematográfica de la novela de que ya está en post-producción y que se estrenará a principios de 2013.
Publicada en España como “Escoria” por Anagrama, podría ser la novela más dura y salvaje del autor de Trainspotting, un auténtico compendio de animaladas que nadie imaginó que podrían ser trasladadas a la pantalla grande. Si Bruce Robertson (el personaje principal, interpretado por McAvoy) se enterase que esos niñatos van a ponerse en sus zapatos, se revolvería como gato panza arriba.
Trainspotting de Danny Boyle nos enganchó a todos pero, cuidado: la “escoria” de Jon S. Baird (que debutó tras la cámara en 2008 con Cass) puede ser algo muy serio.
miércoles, 1 de agosto de 2012
Nestor Munt & Enric Cervera - No Do (2007)
Extraído de mi reseña publicada originalmente en Tomajazz en febrero de 2008:
"Nestor Munt y Enric Cervera son dos francotiradores de la escena barcelonesa que llevan dando guerra en uno u otro frente desde los años 70. En un mundillo minoritario (el del jazz español) que pertenece a otro mundillo minoritario (el del jazz en general), ellos son un ejemplo perfecto de lo mas alternativo dentro de lo alternativo y de la gran música que se puede hacer desde las trincheras."
********************
Puedes leer la reseña completa pinchando AQUÍ.
jueves, 26 de julio de 2012
Kurt Rosenwinkel - Bilbaína Jazz Club (Bilbao, 5 de mayo de 2011)
Reseña inédita de un concierto de Kurt Rosenwinkel en Bilbaína Jazz Club en mayo del pasado año.
La reseña se escribió para tomajazz.com, pero me olvidé de enviarla y se quedó durmiente en mi ordenador. Cuando me quise dar cuenta ya hacía demasiado tiempo del concierto y no tenía mucho sentido publicarla. Sí, esas cosas pasan.
Kurt Rosenwinkel Quartet en BJC, mayo de 2011
Viendo el interior de Bilbaína Jazz Club el día del concierto de Kurt Rosenwinkel, uno podría pensar que quien tocaba esa noche era una superestrella. Nunca he entendido del todo la fascinación de cierto sector del público de nuestro país (en especial músicos y gente relacionada con las escuelas de jazz) con Rosenwinkel. Es decir, el tipo es bueno, sí, pero, ¿tan bueno? Pensando sólo en guitarristas, se me ocurren al menos una docena de nombres en activo que tienen mucho más que decir que él, por muy talentoso que sea (que lo es). Pero la cosa, en Bilbao, se veía venir. En cierto modo, el concierto había dejado de ser un acontecimiento exclusivamente musical, provocando un éxodo positivo, aunque menos habitual de lo deseable, al jazz en directo que se vive en Bilbao cada jueves por la noche.
Dicho esto, Rosenwinkel evaporó todas las consideraciones no musicales una vez empezó a tocar. Confieso que un servidor anhelaba bastante más las participaciones del pianista Aaron Parks, un músico que he reivindicado con ahínco desde hace años. Sin embargo, aquí entró en juego ese concepto tan abstracto que puede, de un plumazo, cargarse un buen concierto: las circunstancias. Tampoco quiero ser catastrofista, porque el concierto no se fue al traste, ni mucho menos. Pero, las circunstancias técnicas condicionaron inexorablemente lo ocurrido sobre el escenario, empezando por el propio Parks. El piano, sonorizado (aparentemente) con un solo micro (¿?) sonaba descompensado, agudo y estridente, lo que obligó a Parks a mantener un estilo muy percusivo en todos los compings y a solear incómodo, haciendo ver en varios momentos, mediante gestos, que no escuchaba bien como para improvisar.
Pero esto no sólo era cosa del piano o del equipo. El batería Justin Faulkner es un joven de mucho talento que, o no controla, o no gusta de controlar, su descomunal pegada. Eso, en un club pequeño, es algo muy peligroso, y en Bilbao supuso que resultase imposible escuchar el contrabajo de Eric Revis, además de la mencionada incomodidad de Parks.
¿Y qué hacía Rosenwinkel entretanto? Pues levantar cada aspecto cuestionable del concierto, tocando a un gran nivel y dando una lección de liderazgo y buen gusto. El guitarrista toca con una técnica extraña, casi antiacadémica, usando muy poco el meñique y haciendo difíciles algunas cosas que deberían ser más fáciles. Pero todo le suena como los ángeles. Se nota que escucha mucho rock y, en el concierto, recurrió en más de una ocasión algún lick de Pat Metheny, siempre con clase y creatividad. Su discurso fue coherente e intenso y hay que otorgarle, por derecho, los mejores momentos del concierto.
Rosenwinkel fue un tipo muy popular en la comunidad jazzística hace unos años; desde entonces su popularidad ha ido decreciendo, en parte por su traslado a Europa y en parte por la falta de apoyo de las grandes discográficas. Pero es innegable que está en forma y que aún tiene muchas cosas que decir.
La reseña se escribió para tomajazz.com, pero me olvidé de enviarla y se quedó durmiente en mi ordenador. Cuando me quise dar cuenta ya hacía demasiado tiempo del concierto y no tenía mucho sentido publicarla. Sí, esas cosas pasan.
Kurt Rosenwinkel Quartet en BJC, mayo de 2011
Viendo el interior de Bilbaína Jazz Club el día del concierto de Kurt Rosenwinkel, uno podría pensar que quien tocaba esa noche era una superestrella. Nunca he entendido del todo la fascinación de cierto sector del público de nuestro país (en especial músicos y gente relacionada con las escuelas de jazz) con Rosenwinkel. Es decir, el tipo es bueno, sí, pero, ¿tan bueno? Pensando sólo en guitarristas, se me ocurren al menos una docena de nombres en activo que tienen mucho más que decir que él, por muy talentoso que sea (que lo es). Pero la cosa, en Bilbao, se veía venir. En cierto modo, el concierto había dejado de ser un acontecimiento exclusivamente musical, provocando un éxodo positivo, aunque menos habitual de lo deseable, al jazz en directo que se vive en Bilbao cada jueves por la noche.
Dicho esto, Rosenwinkel evaporó todas las consideraciones no musicales una vez empezó a tocar. Confieso que un servidor anhelaba bastante más las participaciones del pianista Aaron Parks, un músico que he reivindicado con ahínco desde hace años. Sin embargo, aquí entró en juego ese concepto tan abstracto que puede, de un plumazo, cargarse un buen concierto: las circunstancias. Tampoco quiero ser catastrofista, porque el concierto no se fue al traste, ni mucho menos. Pero, las circunstancias técnicas condicionaron inexorablemente lo ocurrido sobre el escenario, empezando por el propio Parks. El piano, sonorizado (aparentemente) con un solo micro (¿?) sonaba descompensado, agudo y estridente, lo que obligó a Parks a mantener un estilo muy percusivo en todos los compings y a solear incómodo, haciendo ver en varios momentos, mediante gestos, que no escuchaba bien como para improvisar.
Pero esto no sólo era cosa del piano o del equipo. El batería Justin Faulkner es un joven de mucho talento que, o no controla, o no gusta de controlar, su descomunal pegada. Eso, en un club pequeño, es algo muy peligroso, y en Bilbao supuso que resultase imposible escuchar el contrabajo de Eric Revis, además de la mencionada incomodidad de Parks.
¿Y qué hacía Rosenwinkel entretanto? Pues levantar cada aspecto cuestionable del concierto, tocando a un gran nivel y dando una lección de liderazgo y buen gusto. El guitarrista toca con una técnica extraña, casi antiacadémica, usando muy poco el meñique y haciendo difíciles algunas cosas que deberían ser más fáciles. Pero todo le suena como los ángeles. Se nota que escucha mucho rock y, en el concierto, recurrió en más de una ocasión algún lick de Pat Metheny, siempre con clase y creatividad. Su discurso fue coherente e intenso y hay que otorgarle, por derecho, los mejores momentos del concierto.
Rosenwinkel fue un tipo muy popular en la comunidad jazzística hace unos años; desde entonces su popularidad ha ido decreciendo, en parte por su traslado a Europa y en parte por la falta de apoyo de las grandes discográficas. Pero es innegable que está en forma y que aún tiene muchas cosas que decir.
jueves, 19 de julio de 2012
John Lee Hooker - Alone (1976)
Cuando toca él solo, se sienten los huesos bajo la carne. Su voz es hipnótica. Es difícil de describir. Como si hiciese falta.
John Lee Hooker lo sabe todo. O, al menos, suena como si así fuera.
jueves, 12 de julio de 2012
Andy Milne - Dreams And False Alarms (2006)
Reseña publicada originalmente en Tomajazz.com en enero de 2008
Seguro que el primer sorprendido del resultado de este disco fue el propio Andy Milne. De alguna manera, tal y como explica en la carpetilla el pianista, la posibilidad de grabar a piano solo se le plantó en las narices sin pretenderlo, y ni mucho menos buscarlo.
Después de escucharlo una y otra vez, sigo descubriendo verdadera magia detrás de cada nota y no puedo evitar rendirme ante una música que te envuelve y actúa como un bálsamo para el alma. Si no se lo creen, escúchenlo, y luego me cuentan.
Yahvé M. de la Cavada, 2007
Seguro que el primer sorprendido del resultado de este disco fue el propio Andy Milne. De alguna manera, tal y como explica en la carpetilla el pianista, la posibilidad de grabar a piano solo se le plantó en las narices sin pretenderlo, y ni mucho menos buscarlo.
Hay quien dice que las grandes cosas ocurren por casualidad, y en este caso, Dreams And False Alarms es buena prueba de ello. La mayoría de nosotros conoce a Milne como pianista de Steve Coleman, Ravi Coltrane o Ralph Alessi, entre otros, además de su propio proyecto, Cosmic Dapp Theory. Pues bien, olvídense de lo que han oído hasta ahora. El retrato que compone Dreams And False Alarms es difícilmente abarcable, pues el pianismo de Milne bebe de tantas fuentes (desde Paul Bley a Geri Allen) que se vuelve completamente independiente, fuera del tiempo y del espacio.
Su estilo se presenta deliciosamente errático, los temas comienzan en un sitio y, para cuando terminan, han estado en tantos otros, que uno tiene la sensación de flotar en una maravillosa deriva. La elección de los temas no originales alude a la formación musical (y por consiguiente, emocional) del propio Milne, y no rinde tributo en absoluto a la vulgar moda de “jazzificar” frívolamente temas pop y rock. Las reinterpretaciones de Neil Young, Joni Mitchell, Bob Marley, Bob Dylan o Sting suenan completamente desligadas de las originales en la medida en que en este disco, la interpretación es el caminante y el pianista, el camino.
Después de escucharlo una y otra vez, sigo descubriendo verdadera magia detrás de cada nota y no puedo evitar rendirme ante una música que te envuelve y actúa como un bálsamo para el alma. Si no se lo creen, escúchenlo, y luego me cuentan.
Yahvé M. de la Cavada, 2007
jueves, 5 de julio de 2012
VOLVER...
Ay, la vida.
Lennon decía que era lo que pasaba mientras hacías planes para el futuro, y no le faltaba razón. Peter Bagge cinceló con meridiana claridad que “la vida es una mierda, y encima te mueres”. En ese línea, y mucho antes que Bagge, el gran Woody Allen abría su gloriosa Annie Hall con un chiste que ya cité hace unos meses en un artículo (dos mujeres de edad están en un hotel de alta montaña y dice una “vaya, aquí la comida es realmente terrible” y contesta la otra “sí, y además las raciones son tan pequeñas…”). Frank Capra siempre me recuerda que la vida es maravillosa pero, la verdad, también es un jaleo de cuidado.
Todo esto viene a que, a cuenta de la vida –la mía en concreto– este humilde y bienintencionado blog musical se ha visto interrumpido durante muchos meses, cosa que lamento profundamente. Tengo la suerte (ahora más que nunca) de tener mucho trabajo y muchas cosas pendientes que se reproducen a velocidad incontrolable. Y claro, lo primero que uno descuida es lo que tiene más cerca. Cosas de la confianza, que a veces da asco.
Pero estoy de suerte.
Lo mejor de irse es poder volver, así que aquí seguimos. Y no sólo eso, sino que 1dm1dm va a volver de la mejor forma posible: como si no se hubiese ido nunca. En los primeros días publicaré algunos posts retrospectivos, como si hubiesen salido a su debido tiempo. De hecho, si no existiese esta aclaración que estás leyendo, dentro de poco nadie sabría que me fui, para volver.
Pero estoy de suerte.
Lo mejor de irse es poder volver, así que aquí seguimos. Y no sólo eso, sino que 1dm1dm va a volver de la mejor forma posible: como si no se hubiese ido nunca. En los primeros días publicaré algunos posts retrospectivos, como si hubiesen salido a su debido tiempo. De hecho, si no existiese esta aclaración que estás leyendo, dentro de poco nadie sabría que me fui, para volver.
¿Por qué? Pues, principalmente, porque puedo. Porque Internet nos permite esto, reescribir nuestra ciberhistoria y mostrar algunas cosas como nos hubiese gustado que fuesen, en vez de cómo realmente fueron.
Así que, bienvenidos al 1dm1dm del pasado y del presente. El del futuro, con suerte llegará pronto. Gracias por estar ahí.
Nota: intentado arreglar el desaguisado que se me ha ido acumulando en el blog, he publicado todos los comentarios que tenía pendiente de moderación. Ruego disculpas a todos los comentaristas, y les agradezco su interés y apoyo. Iré respondiendo cuanto antes.
miércoles, 27 de junio de 2012
Good Rats - From Rats To Riches (1978)
Nunca han sido muy populares, pero esta banda de Long Island facturaron algunos discos muy disfrutables durante los años 70. A medio camino entre el hard-rock, el blues y algunos ramalazos pop, este From Rats To Riches es una gran píldora de buen rollo rockero.
Lideraba (y creo que aún sigue en ello) el vocalista Peppi Marchello, que además escribía todas las canciones. Como tantos de la época, es uno de esos buenos discos, de buenas bandas, que no tuvieron la suficiente repercusión como para entrar en las enciclopedias. Pero mola.
jueves, 21 de junio de 2012
The Hot Wok - Main Dish (2012)
Reseña publicada originalmente en la edición física de la revista Mondo Sonoro:
Nueva Orleans es la cuna de gran parte de la música del siglo XX, una ciudad que se deja reivindicar siempre que una banda mezcla groove, jazz, funk y buen rollo. Si ponemos al fuego de Periko Raéz un poco del trombón de Gonzalo Fdez, de la tuba de Jonko Sánchez y del suntuoso saxo de Raúl Romo, la receta resultante es tremenda, y nos traslada a Nueva Orleans con un jazz muy bien condimentado, sin perder un ápice de credibilidad. Muy recomendable.
Visítales en: www.myspace.com/thehotwok
miércoles, 13 de junio de 2012
Nevermind Trio - Be (2011)
Reseña publicada originalmente en la edición física de la revista Mondo Sonoro:
Segunda entrega de Nevermind, reconvertidos (para bien) en trío, dejando atrás la música de Nirvana y presentando un programa escrito principalmente por ellos. “Be” vuelve a ser una excelente tarjeta de visita de un grupo que se crece en directo.
Algunos temas no son particularmente destacables, pero en los desarrollos se percibe la química de los músicos y se confirma que este proyecto, uno de los más interesantes del jazz en Euskadi, tiene mucho que ofrecer aún.
Segunda entrega de Nevermind, reconvertidos (para bien) en trío, dejando atrás la música de Nirvana y presentando un programa escrito principalmente por ellos. “Be” vuelve a ser una excelente tarjeta de visita de un grupo que se crece en directo.
Algunos temas no son particularmente destacables, pero en los desarrollos se percibe la química de los músicos y se confirma que este proyecto, uno de los más interesantes del jazz en Euskadi, tiene mucho que ofrecer aún.
martes, 5 de junio de 2012
Mikel Andonegi - Hiru (2011)
Reseña publicada originalmente en la edición física de la revista Mondo Sonoro:
No es habitual escuchar a un joven jazzista que se sitúa en la línea de gente como Robert Glasper o Robert Mitchell. Hiru es un sobresaliente en concepto y un notable en ejecución, pero el resultado final está condicionado por algunas partes vocales (escritas con admirable valentía) y una pronunciación inglesa que condena piezas como “Colonel Parker”. En ocasiones, brillante, en otras, errático. Con todo, uno de los mejores debuts que se han escuchado en tiempo.
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