David Murray Cuban Ensemble - Plays Nat King Cole En Español (2010)

Para hacer un disco como éste hay que valer. Para hacerlo bien, digo. Casi me atrevería a decir que, para hacer un disco como éste, hay que ser David Murray. Y no sólo porque es uno de los mejores saxofonistas vivos o porque, a lo largo de toda su carrera, se ha atrevido a trabajar con muy diferentes músicas, casi siempre con éxito. El principal motivo de que Murray pueda desarrollar conceptos tan arriesgados (casi delirantes) como estos y crear una gran obra es que su acercamiento a diferentes estilos siempre es respetuoso y personal. El resultado es música 100% Murray que, al mismo tiempo, honra los orígenes de la inspiración del saxofonista.



Plays Nat King Cole En Español viene firmado por el Cuban Ensemble de Murray, un grupo de músicos entre los que hay que destacar a Ariel Bringuez, Román Filiú, Pepe Rivero y Reiner Elizarde (todos ellos muy activos en la escena madrileña). El primero en "Black Nat" y el segundo en "Cachito", tienen intervenciones solistas destacables. Además, no hay que olvidar que no es la primera vez que Murray trabaja con Filiú y Elizarde, que ya aparecían en discos del saxofonista como Waltz Again o Now Is Another Time.

Precisamente esa grabación de Murray con su Latin Big Band es uno de los pocos precedentes que muestran al saxofonista en un contexto latino. Aunque a nivel de arreglos Plays Nat King Cole no es un disco tan ambicioso, la mezcla del Cuban Ensemble con las cuerdas de la Sinfonieta de Sines está escrita con gusto y, lo que es más importante, funciona.

Otra diferencia es que Now Is Another Time contaba con más solistas (algunos, titanes como Hugh Ragin, Craig Harris o Hamiet Bluiett) que Plays Nat King Cole, el cual tiene en Murray a su principal protagonista. Eso sí, un protagonista que está perfecto en cada improvisación. Perfecto.



Lo único que se le puede reprochar al álbum es que el inquietante vocalista argentino Daniel Melingo sólo intervenga en dos temas. Su estilo arrastrado y cavernoso es uno de los highlights de la grabación y, su versión de "Quizás, quizás, quizás", uno de los temas del año.

Plays Nat King Cole En Español mantiene el altísimo nivel de la carrera de un David Murray que no deja de grabar grandes discos (algo muy serio para él, tal y como comenta en la entrevista publicada recientemente en Cuadernos de Jazz). Éste en concreto es, además, un prodigio multicultural a nivel técnico: grabado en Buenos Aires y en Sines (Portugal), mezclado en Paris y masterizado en Londres. En el rock es algo habitual pero, ¿en el jazz? Eso es tomárselo MUY en serio.


Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify (según país de residencia).

Kaulakau - Bernoiver (2007)

Extraído de mi reseña para Tomajazz:

"(...) en este disco hay folklore y hay jazz, como también hay música medieval, experimentación y decenas de matices que enriquecen cada segundo de grabación. Tampoco quiero dar una impresión equivocada, presentando Bernoiver como un batiburrillo de tendencias sin orden ni concierto. Todo lo contrario, la música aquí contenida es digna de figurar entre las mejores grabaciones recientes que conjugan el jazz con cualquier folklore del mundo."



"Por otro lado, Jordi Molina es un virtuoso de la tenora (instrumento tradicional catalán con un sonido cercano al del oboe, aunque con un registro algo más grave), que utiliza para improvisar algunos solos escalofriantes. Escuchándole uno no puede evitar pensar que si Coltrane estuviese vivo, tras escuchar este Bernoiver, querría agenciarse una tenora cuanto antes. "


Puedes leer la reseña completa pinchando AQUÍ.

El blues de Gregg Allman

(Publicado originalmente en ELPAIS.com el 27 de enero de 2011)

Casi todas las viejas glorias de los 60 y 70 acaban haciendo un disco de blues. Parece una especie de trámite de madurez, un soplo de categoría en carreras que, en ocasiones, han quedado estancadas. Ese tipo de proyecto resulta más natural en músicos como Gregg Allman, alguien que ha nutrido su carrera de ramificaciones del blues y de un southern rock infestado de pentatónicas, estructuras sencillas y guitarristas particularmente hábiles en ese campo.

Con 63 años a la espalda y todavía liderando una de las mejores versiones de la Allman Brothers Band, el hermano que siempre estuvo a la sombra del mítico Duane Allman ha hecho su mejor jugada en décadas: contratar a T-Bone Burnett para sacarse un gran disco de la manga en la que, a estas alturas, no parecía que le quedase nada.

En las primeras escuchas, Low Country Blues se revela como un disco que suena bien, muy bien. Tiene carácter, ritmo y suficientes virtudes para destacar entre las novedades de blues y rock; suena tradicional y actual a partes iguales, y la mano de T-Bone Burnett se nota mucho. Tanto, que llega un momento en el que uno casi se olvida de Gregg Allman.

Ahí radica el mayor “pero” del álbum: es un buen disco de blues, pero podría ser de cualquiera. Allman canta realmente bien, versioneando a Skip James, Otis Rush, Muddy Waters o Sleepy John Estes con mucha solvencia y tirando de registros diferentes. Pero, al final, lo que más llama la atención es la atmósfera creada por la dirección de Burnett y algunos de los músicos implicados en el proyecto.

Entre estos destaca Mac Rebennack –más conocido como Dr. John–, haciendo brillar su piano de Nueva Orleans en la mayor parte de los temas, y el guitarrista Doyle Bramhall II que, como buen acólito de Eric Clapton, suena muy parecido a este último en muchos momentos.

La sección rítmica también es incuestionable, con el sólido contrabajo de Dennis Crouch y el gran Jay Bellerose, batería de técnica tan extraña como personal, reconocible al instante y una de las claves del éxito de las producciones de Burnett o de Joe Henry (otro gran revitalizador de leyendas). Con él de por medio, es normal desviar la atención hacia la percusión más que con cualquier otro batería de su estilo, por inimitable y por original.

Todos ellos están al servicio de Burnett, eterno productor de moda entre quienes buscan ahondar en las raíces de la música norteamericana. Desde sus inicios como guitarrista de la Rolling Thunder Revue de Bob Dylan, Burnett ha sido un tipo de gusto refinado que ha dedicado más tiempo a construir una intachable carrera como productor que a su pequeña, pero selecta, discografía como líder. Low Country Blues le debe tanto a él como al propio Allman, por no decir más.

Sea por el motivo que sea, lo último de Gregg Allman podría ser lo mejor que ha hecho desde aquel Laid Back que grabó el mismo año en que salió el primer disco de la Allman Brothers Band sin su hermano Duane. Gregg nunca tendrá el talento o el carisma de éste, ni llegará a desarrollar una gran personalidad, pero hay algo que no se le puede negar: tiene la autenticidad de quienes han estado ahí durante décadas, presenciando en primera fila el crecimiento y evolución del rock americano. No será genial, pero es historia.

Javon Jackson - Good People (1997)

Siempre he tenido cierta manía a Javon Jackson, por motivos irrelevantes y completamente irracionales. Hoy, de manera fortuita, he decidido reescuchar alguno de sus discos que tengo en casa desde hace años cogiendo polvo entre títulos más transitados.

Pues bien, resulta que este Good People es un disco destacable, con varias cosas de interés. Para empezar, Craig Street está a la producción. Además, en la rítmica están Billy Drummond, Peter Washington y Cyro Baptista. Y, para completar la lista, John Medeski al hammond y Fareed Haque y Vernon Reid alternándose a las guitarras. Tela.



Con estos músicos es dificil no hacer algo con sentido, y Jackson lo aprovecha. Él en concreto tiene buenos momentos y algunos otros algo más soso pero, gracias a un repertorio interesante y a las diferentes combinaciones de músicos en unos y otros temas, el disco se hace muy ameno.

Habrá que seguir redescubriendo a Jackson.


Nota: pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify (según país de residencia). Recomiendo particularmente el tema que da título al disco, "Good People".

Paal Nilssen-Love / Ken Vandermark - Chicago Volume (2007; ed. 2009)

Por mucho que me gusten (que es mucho), cuando aparece un nuevo disco a dúo de Ken Vandermark y Paal Nilssen-Love, tiendo a pensar que me encontraré ante más de lo mismo. Buenísimo, sí, pero sin sorpresas.

Hace algo más de un año aparecieron dos nuevos discos a dúo de estos dos gigantes de la improvisación: Milwaukee Volume y este Chicago Volume. Al igual que Seven y los dos volúmenes de Dual Pleasure, fueron editados por Smalltown Superjazz.



Con sólo tres temas grabados en directo en el Hideout de Chicago, este disco confirma que lo que hacen juntos Vandermark y Nilssen-Love es pura magia. Más de sesenta minutos de creatividad máxima y alta intensidad lo avalan.

Lo dicho, tomando distancia puede parecer que uno va a encontrar lo de siempre con esta pareja pero, una vez empiezan a tocar, es como si fuese la primera vez.
Que vengan todos los que hagan falta.


Nota: Pinchando en la portada puedes, y debes, escuchar el disco en Spotify (según país de residencia).

The Keystone Quartet - A Love Story (1998)

Siempre se me olvida lo condenadamente bueno que es Cyrus Chestnut. No parece destacar mucho entre los pianistas de su generación, pero no hay duda de que es uno de los mejores. También es de los pocos que han tomado influencias menos habituales (moviéndose comodamente entre tradición y modernidad) y uno de los que suena más "negro".

The Keystone Quartet es un grupo montado por el productor Todd Barkan para esta grabación, que estaba destinada al mercado japonés (posteriormente la editó en EE.UU. el sello 32 Jazz). Lo de "quartet" sólo es para la mitad del disco, ya que el saxofonista Eric Alexander sólo aparece en los temas impares. El resto está protagonizado por el trío de Chestnut, George Mraz y Lewis Nash, todos ellos perfectos.



Alexander es uno de los mejores tradicionalistas de su instrumento y lo hace muy bien, pero en los temas en trío Chestnut brilla con luz propia. No sé si será por la tranquilidad que da la ausencia de liderazgo, pero el pianista toca con gran relajación, manteniendo la atención del oyente sin problema.

La portada es... Bueno, el disco está muy bien.


Nota: Hace poco se reeditó el disco con otra portada, menos sonrojante que la original pero un tanto desafortunada: muestra las manos de un pianista... blanco. En fin...

Nota 2: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify (según país de residencia).

Johnny Griffin - NYC Underground (1979)

Escuchando hoy este disco de Johnny Griffin he recordado un concierto suyo en el que estuve hace años, del que guardo buenos recuerdos.

Al mismo tiempo, hace un par de días estuve reescuchando a Ronnie Mathews (pianista de Griffin en NYC Underground), otro músico del que tengo un gran recuerdo en directo. Ambos murieron con menos de un mes de diferencia durante el verano de 2008.



Mientras sonaba NYC Underground esta tarde, he pensado en ellos y en las veces que he visto a Ray Drummond y a Idris Muhammad (que completan el cuarteto de Griffin en la grabación), a quienes, afortunadamente, aún tengo tiempo de volver a ver en directo.

El disco es lo que es, ni más ni menos. Puro jazz grabado en el Village Vanguard a finales de los setenta, por un cuarteto de músicos de primera. No es genial, pero es auténtico.

Y, treinta años después, suena más fresco que la mayoría del hard bop que se graba hoy en día.

Robyn Hitchcock - Propellor Time (2010)

Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com:

"Discos como Propellor Time son un auténtico soplo de aire fresco. En cierta forma, sirve para devolvernos la fe en las canciones y en la música que suena sencilla, aunque tenga cosas complicadas en su interior.

Robyn Hitchcock ha publicado en 2010 uno de sus mejores trabajos y, de paso, una de las joyas discográficas del año.



Los invitados estelares (Johnny Marr, John Paul Jones, Chris Ballew, Nick Lowe…) son sólo un complemento a sus fieles Venus 3.

Estos, a su vez, son una especie de escisión de R.E.M. o incluso una escisión de una escisión, ya que tanto Peter Buck como Scott McCaughey (Young Fresh Fellows) y Bill Rieflin (ex-Ministry) también coinciden en The Minus 5, otro proyecto paralelo a la mítica banda.

Esa familiaridad se transmite completamente al oyente, que tiene la sensación de estar ante un disco grabado, sobre todo, entre amigos. Por eso es tan natural y suena tan relajado. Y además, no contiene un solo tema que no merezca la pena."


Pinchando AQUÍ puedes leer el artículo completo.


Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify (según país de residencia).

David Murray and friends - MX (1992)

Este homenaje a Malcolm X es uno de los discos que David Murray grabó para Red Baron, el último sello fundado por Bob Thiele.

El grupo no puede ser más interesante: al cuarteto de Murray, con John Hicks, Fred Hopkins y Victor Lewis, se unen el fantástico trompetista Bobby Bradford y un Ravi Coltrane casi debutante.

Hay que apellidarse Coltrane para, en una de las primeras sesiones de su carrera, tocar el tenor mano a mano con David Murray y salir indemne. Los estilos de ambos saxofonistas son casi antagónicos, así que la cosa funciona perfectamente.

El repertorio está basado en temas sencillos y algunos blues, con la sospechosa autoría de Thiele revoloteando por encima de algunos de ellos. De todas formas, con solistas como estos, las composiciones son lo de menos.

Como muchos de los discos de Red Baron, la grabación es un tanto particular, con los saxos separados drásticamente por canales y una mezcla extraña, propia de primeros de los 90.

Tanto da, la música merece la pena. Murray siempre es una garantía.

Scott Colley - Empire (2009, ed. 2010)

Extraído de mi reseña para Cuadernos de Jazz:

"Empire es un disco excelente pero la temática de la que parte ha sido tratada tantas veces por Frisell con sus grupos que en ocasiones suena a ya escuchado. Taborn, Alessi y Blade son los que hacen cosas realmente remarcables pero, en conjunto, Empire no tiene la fuerza de otros álbumes del contrabajista como Portable Universe o Architect of the Silent Moment. Aún así, es un gran disco."

Puedes leer la reseña completa pinchando AQUÍ.

John Hicks with David Murray - Sketches Of Tokyo (1985)

El saxofonista David Murray se ha prodigado mucho en cuanto a dúos con piano, formato en el que parece sentirse muy cómodo. En su discografía podemos encontrar varios discos memorables con Dave Burrell o Aki Takase y, más puntualmente, junto a Mal Waldron, Randy Weston, Georges Arvanitas o Donald Fox.

Curiosamente, uno de los pianistas que más han trabajado con Murray, John Hicks, es el anfitrión del saxofonista en este Sketches Of Tokyo. Ambos músicos ya habían grabado juntos en Morning Song, un disco de David Murray publicado por Black Saint poco antes.

A partir de ese momento, Hicks fue el pianista más regular de los cuartetos de Murray durante años, y juntos produjeron más de una decena de álbumes fabulosos para diferentes sellos.



Sketches Of Tokyo es uno de los mejores dúos que ha grabado nunca Murray. Ambos instrumentistas se entienden a la perfección desde el primer momento, alcanzando momentos de auténtica belleza. Escuchándoles, uno tiene la sensación de que llevan toda la vida tocando juntos.

El disco se abre con un "Epistrophy" a piano solo y continúa con un par de originales, una extensa reinterpretación de "Naima" y el tema más destacable del álbum: una preciosa versión de "God Bless The Child".

Lo único malo de Sketches Of Tokyo es que no tuvo una secuela. Afortunadamente, nos quedan unas cuantas grabaciones de Hicks y Murray en cuarteto.

Matthew Shipp - Nu Bop Live (2004; ed. 2009)

Le debo una disculpa a este disco.

Matthew Shipp es uno de los músicos a los que sigo de forma bastante incondicional y, saque lo que saque al mercado, intento hacerme con ello cuanto antes.
Escuché Nu Bop Live parcialmente cuando lo compré y no me llamó la atención, haciéndo que lo tuviese como un directo intrascendente (algo poco habitual con estas ediciones de Rai Trade) y una obra menor en la carrera de Shipp.

El disco, como su propio título indica, es un directo de la gira de Nu Bop, un álbum muy interesante editado por Thirsty Ear. El grupo es incontestable: Shipp, William Parker, Guillermo E. Brown y el gran Daniel Carter. Nada que decir, todo primera categoría.



Reescuchándolo ahora he descubierto un gran disco y un directo vibrante que documenta y complementa un proyecto importante de Shipp. Las piezas fuertes son la que abre el concierto, "Nu Bop", y los 25 minutos de "Nu Abstract" en los que el grupo va desgranando momentos realmente buenos.

Intercalados entre estos temas hay algunos solos de uno u otro miembro, entre los que hay que destacar "From The Otherside Of Anywhere", todo un tour de force de Brown en el que mezcla hábilmente su batería con loops y electrónica.

Un buen disco, no cabía otra opción. No debí dudar de él.