Wovenhand: la llamada de la tierra (2 de diciembre de 2010)

Artículo publicado originalmente en Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com, el 2 de diciembre de 2010

Quienes vieron a Wovenhand (también escrito Woven Hand) en alguna pequeña sala durante su gira de presentación del álbum Ten Stones (2008), hablan de una experiencia única, de un concierto imposible de describir. Dos años después, con su flamante nuevo disco bajo el brazo, Wovenhand regresan a los escenarios españoles para mantener esa leyenda, y lo harán en cuatro fechas repartidas a primeros de diciembre: sábado 4 en Bilbao (Kafe Antzokia), miercoles 8 en Valladolid (Asklepios), jueves 9 en Madrid(Caracol) y viernes 10 en Barcelona (La [2] de Apolo).

The Threshing Floor, aparecido hace unos meses, bien podría ser el mejor disco de Wovenhand. En él se conjugan todas las constantes de la música de su líder y frontman David Eugene Edwards, auténtico motor de la banda y ex cantante de otra que merece la pena reescuchar: 16 Horsepower.

No es extraño, por tanto, que haya un poderoso nexo estilístico entre Wovenhand y 16 Horsepower, ya que los primeros nacieron en 2001 a raíz de una pausa en la actividad de los segundos. Cuando los Horsepower se disolvieron en 2005, Wovenhand quedó como único receptor de las creaciones de Edwards y, poco después, lo que era un proyecto personal se convirtió en el heredero de 16 Horsepower, con la entrada en Wovenhand de uno de sus miembros fundadores, Pascal Humbert.

Wovenhand suenan diferente a casi todo. La suya es una música indomésticable, primaria, terriblemente oscura y difícilmente asociable a un momento o un lugar. Parece surgida de las montañas de Colorado, su lugar de origen, nacida entre la inhospita aridezdel suelo rocoso, como una hierba mil veces extinguida y mil veces renacida. Sobre uno o dos acordes tocados de forma obsesiva construyen miles de detalles, una maraña de sonidos que envuelve la chamánica voz de Edwards en un alarde de intensidad contenidae hipnótica.

Es música muy personal que se resiste a la clasificación, creada a partir de la unión del country alternativo, el post punk, el folk o los cantos tradicionales nativos americanos. Se le pueden sacar referentes, aunque ninguno determinante. En el lado más evidente estaría el aspecto más rural de Mark Lanegan o el más tenebroso de Nick Cave, pero también se perciben retazos de la Velvet Underground, las bandas británicas más oscuras de los 80 y una especie de neofolk industrial (por llamarlo de alguna forma delirante) que parece maldecir a todos las bandas adscritas a la absurda etiqueta de “americana”.

The Threshing Floor es un disco en el que sumergirse, dejándose arrastrar por su espiritualidad y por los arrebatos casi hímnicos de Edwards y los suyos. Debido a su condición independiente, que no Indie (lo publica el sello Sounds Familyre), no es muy probable que lo veamos en muchas listas de lo mejor del año, aunque virtudes no le faltan.

Por otro lado, esta es una de esas bandas que pierden fuerza en grandes escenarios o festivales, con lo que merece la pena verles en situaciones reducidas, al calor de una pequeña sala que les permita alcanzar esa conexión mística con el público. Si en estudio le dejan a uno sin aliento, imagináoslo en directo.

EELS: el placer de desconcertar (24 de junio de 2011)

Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com:

"O más bien, el arte de desconcertar. Una práctica que fue ingrediente imprescindible del rock durante décadas y que ha quedado relegada a un segundo plano, porque, en el mundo de la masificación y globalización musical, hasta lo desconcertante está teledirigido e institucionalizado.

En realidad, hace ya mucho tiempo que desconcertar al público puede implicar un suicidio comercial y, en este mundillo, como en casi todos, lo que manda es la pasta. Así, entre músicos, discográficas, promotores y prensa musical hay una consigna callada pero ineludible: mantener las cosas en su cauce, sin sobresaltos y sin mosquear a la audiencia, que no está la cosa para arriesgar.



El concierto de EELS ayer en el Azkena Rock Festival fue un canto a ese desconcierto y al riesgo. Todo estaba en contra de la banda de Mark Oliver Everett: actuaban a primera hora de la tarde ante un público que, o no había llegado, o no les conocía. Pero jugaron fuerte y jugaron duro. Y ganaron."


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Kaulakau - In Fabula (2010; ed. 2011)

Extraído de mi reseña para Tomajazz:

"Lo que hace Kaulakau no es fácil. Se trata de abrir fronteras sin invadir territorios, de dejar fluir los propios referentes sin dejar que se ahoguen entre ellos. De convivencia estilística y verdadera fusión, en el mejor sentido de la palabra. Los sonidos, tan personales, de la tenora de Jordi Molina y de la asombrosa zanfona de Marc Egea no salen de la casualidad o de un acercamiento parcial a las raíces, sino de la completa asimilación de estas y de una mezcla que, en su origen, ya se beneficia de la personalidad del grupo."


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Jeff Lang - Chimeradour (2009)

Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com:

"El australiano Jeff Lang es uno de esos tipos que impresionan cuando les ves en directo. Irradia una fuerza e intensidad tremendas, tanto con banda como en solitario. “Chimeradour”, su último álbum, es un compendio de todas las facetas de Lang, desde la más acústica, como songwriter de categoría, a la más eléctrica, como guitarrista espectacular.



En esto último destaca particularmente, ya que sus habilidades están muy por encima de la media. Su técnica principal es el slide (aunque domina todos los aspectos del instrumento) y lo utiliza con la misma destreza para acariciar al público o para lanzarle poderosas ráfagas de rock’n’roll. En esto coincide con el también australiano John Butler, un guitarrista influenciado por Lang que también vale la pena descubrir.

Hace pocos meses, Jeff Lang estuvo de gira por nuestro país, dejando tras de sí unos cuantos públicos boquiabiertos. “Chimeradour” es una buena forma de conocer la obra de este guitarrista y cantante que representa a la perfección el papel del músico que merece mucho más reconocimiento del que tiene. Y, por cierto: cuando vuelva de gira por aquí, estad atentos."


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Rich Hopkins and the Luminarios – El Otro Lado/The Other Side (2010)

Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com:

"Rich Hopkins es uno de esos casos de músico inexplicablemente desconocido. Después de unos años con los Sidewinders/Sand Rubies siguió su carrera en solitario con los Luminarios, un grupo formado por algunos músicos itinerantes con el que ha ido construyendo su proyecto.

Su último disco, “El Otro Lado/The Other Side”, es una brillante mezcla de rock americano con aires fronterizos, donde uno puede encontrar restos de Neil Young, Lou Reed, Los Lobos (cuyo último disco también está genial, por cierto) y algunas cosas más.



Sólo hay que escuchar la conmovedora “El Otro Lado Suite” –en la que se rinde homenaje a los cientos de mexicanos que se juegan la vida a diario intentando llegar a EE.UU.– para darse cuenta de que este es uno de los grandes discos de 2010.

Porque es un álbum honesto y crudo que hace honor a lo mejor del rock: un puñado de buenas canciones y ese pulso eléctrico y visceral que, algunas veces, consigue capturarse en un estudio."


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2010: Despedida y cierre con Ryan Adams y "Elizabeth You Were Born To Play That Part"

Se acaba 2010, un año con sus cosas buenas y sus cosas malas. Un año razonablemente bueno, diremos. Tampoco quiero hacer balance, ni valorar esto o aquello a nivel personal o general. La vida sigue, eso es lo importante.

Tengo esperanzas puestas en 2011, veremos cómo va la cosa. Tengo planes, pequeños proyectos, mucha música que escuchar y muchos conciertos que ver. Y voy a empezar hoy mismo.



De momento os dejo aquí uno de los temas que más han sonado en mi iPod este año. Una canción fabulosa de un disco un tanto incomprendido de Ryan Adams, 29. La canción se introduce lentamente en tu cabeza y tiene una larga coda prácticamente perfecta.

Os invito a cerrar los ojos, pulsar el pequeño reproductor que hay justo debajo, y escuchar el tema hasta el final. Y feliz 2011 a todos.

Neil Young: el rugido del viejo león (5 de octubre de 2010)

Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com:

"Antes de que Le Noise saliese a la venta, ya se habían publicado algunas críticas poco halagadoras al respecto. Estoy convencido de que Neil Young contaba con ello y de que le importaba bastante poco, pero no hay que subestimar la capacidad de provocar sensaciones –aunque sean negativas– por parte de una novedad discográfica. En estos tiempos de tibieza y flojera musical, en los que lo mimético se disfraza de moderno y lo retrospectivo de novedoso, se agradece un poco de osadía, más aún, viniendo de un clásico como Young."



"El planteamiento inicial de la grabación es sencillo: Neil y su guitarra a pelo, tocando canciones completamente desnudas. Hasta ahí no hay sorpresas; Young ha tocado en infinidad de ocasiones acompañándose exclusivamente de su guitarra acústica. La diferencia es que, en Le Noise, la quebradiza voz del canadiense está envuelta en guitarras eléctricas saturadas hasta la extenuación, con loops obsesivos que aparecen y desaparecen y una sonoridad cavernosa que amplifica la sensación de trascendencia del conjunto."

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"Le Noise parte de la esencia del directo para dejarse arropar por decenas de detalles que pueden pasar desapercibidos, pero que están ahí. El tema que abre el disco, “Walk With Me”, es toda una declaración de intenciones y sirve como resumen de lo que contiene el resto del álbum. Desde la contundencia del primer acorde de guitarra, hasta los loops y arrebatos ruidistas que lo cierran, Young y Lanois crean algo máximo con lo mínimo. No hay bajo, no hay batería, solos de guitarra o instrumentos de apoyo; solamente música tocada desde las entrañas, cruda, primaria e intensa."

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"En resumen, Le Noise es un disco extremo y lleno de matices, de escucha reposada y asentamiento irresistible; su enfoque no debe ser un obstáculo, sino algo definitivo para amarlo u odiarlo. Es poco probable situarse en un termino medio con Le Noise, como lo es hacerlo con muchas obras maestras, y banalizarlo será, muy probablemente, el recurso de quién no quiera profundizar en él. No hay problema, ellos se lo pierden."


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Susie Ibarra - Hacia un folclore contemporáneo (julio de 2008)

Un poco antes del concierto que ofrecieron el 23 de febrero de 2008 en San Sebastian, charlé durante un buen rato con Susie Ibarra y su marido, el percusionista Roberto Rodriguez. De esa charla salió esta entrevista en la que Ibarra habla de jazz, las raíces, el futuro y algunas cosas más.

Dejo aquí algunos extractos del texto, publicado originalmente en el número 107-108 de Cuadernos de Jazz (julio-octubre de 2008):

"Tras la angelical apariencia de Susie Ibarra se esconde el pulso de algunos de los mejores grupos de vanguardia que dieron los 90. William Parker, John Zorn, David S. Ware o John Lindberg son algunos de los nombres que han unido su destino al de una percusionista que insufla vida a su música con un drumming poderoso, pero reflexivo. Ahora que han pasado los años, Ibarra tiene una identidad propia que la lleva mucho más allá del jazz. Folclore, electrónica, noise, improvisación… Confrontando brutalmente la tradición con la modernidad, todo cabe en su nueva aventura."



"Esa búsqueda de un folclore universal puede verse arrastrada por la falta de una trascendencia que no está garantizada. En el primer disco del grupo, Dialects, el factor étnico, a pesar de reinar en toda la grabación, queda un tanto aplastado, incluso embrutecido, por una contemporaneidad que quizá haya caducado en unos años. Es lo malo de jugar con lenguajes muy modernos, que no siempre vencen en la batalla contra el tiempo."

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"Susie Ibarra tiene un proyecto ambicioso; puede que pretencioso, pero también emocionante, honesto y, sobre todo, legítimo. Su música seguirá tendiendo a lo global, a envolver la totalidad de doctrinas musicales en busca de ese folclore contemporáneo que persigue. En ella podemos encontrar los sonidos de hoy y, quizá, los del futuro."


Puedes leer la entrevista completa en la web de Cuadernos de Jazz o en la de la Asociación de Revistas Culturales de España.

Mercury Falls - Quadrangle (2010)

Hay ocasiones en los que la música no es calificable bajo casi ningún parámetro; es lo que es y no hay mucho que pensar. Quadrangle tiene esa característica: es una colección composiciones calmadas, en ocasiones estáticas, que evocan espacios abiertos y días reposados.

Mercury Falls nace del encuentro entre el saxofonista Patrick Cress y el guitarrista Ryan Francesconi (también se les puede escuchar juntos en lo último de Joanna Newsom, Have One on Me), que firman todas las composiciones y se completa con Eric Perney y Tim Bulkley. Ninguno de ellos es estrictamente un músico de jazz (tal vez Perney), aunque tampoco Quadrangle es un disco de jazz. Ni de nada concreto.



Tiene ramalazos jazzísticos, por supuesto, pero también folk, pop, electronica y otras muchas estéticas. Lo mejor para definirlo es decir que es música pacífica, sugestiva y americana, nada que ver con los sonidos de ese estilo que vienen de Europa desde hace décadas; dicho de otra forma, nada que ver con ECM.

Ideal para para viajar, para pensar, para mirar por la ventana o para descansar. Para hacerte compañía, en definitiva.

Jim Guttmann - Bessarabian Breakdown (2009; ed. 2010)

Sé que Jim Guttmann no es un tipo muy conocido en los círculos jazzísticos, pero no es en absoluto un novato; el contrabajista lleva tocando, grabando y actuando desde los años 70.

La música con la que sí ha estado muy relacionado es el klezmer, un estilo muy ligado al jazz durante los últimos años gracias a unos cuantos músicos de renombre.
Pues bien, Guttmann se ha metido al estudio con un puñado de músicos de talento para mostrar su propia simbiosis de jazz y música tradicional judía y le ha salido un disco más que destacable.



Lo malo de este tipo de fusiones es que, en demasiadas ocasiones, es habitual que les falte veracidad; a Bessarabian Breakdown le ocurre todo lo contrario. Todo el disco desprende autenticidad, algo complicado teniendo en cuenta que salta sin problema del jazz al klezmer pasando por la música latina y varios ecos de la tradición europea popular.

Entre los músicos a destacar en la grabación, en parte por ser más conocidos, hay que citar al trompetista Frank London y al guitarrista Brandon Seabrook, pero algunos nombres menos sonoros también destacan, como el pianista Art Bailey y los clarinetistas Billy Novick y Ted Casher.

Con formaciones que van desde el trío a formaciones de hasta once músicos, Guttmann y compañía arreglan algunos temas del cancionero popular judío, dándo a cada uno de ellos enfoques diferentes.
¿Irregular? En algún momento puede parecerlo, pero el disfrute está garantizado.

Azkena Rock Festival (Vitoria, 24 a 26 de junio de 2010)

Aprovechando que mañana empieza el festival BBKlive, dejo aquí los primeros párrafos de mi reseña del último Azkena Rock Festival, celebrado hace un par de semanas en Vitoria.

Pinchando AQUÍ o en la imagen puedes leer mi crónica completa, publicada en la web de Cuadernos de Jazz.


"El Azkena Rock Festival se ha convertido, por derecho propio, en uno de los festivales de rock más importantes de nuestro país, si no el que más. Su apuesta es la de programar bandas que sirvan de reclamo a los aficionados a la música, sin caer demasiado en la esclavitud de las tendencias que arrastran otros festivales."

"Este año, el programa era tan apetitoso que resultaba difícil no verse sobrepasado por la oferta; la mayor parte de bandas tenían el prestigio o la categoría necesaria para convocar a un buen número de aficionados, y así ha sido, como demuestra la enorme afluencia de público a esta edición. En cuanto a la música, el Azkena nos ha dejado algunos conciertos memorables, pero también algunas decepciones."

Continua aquí...

Josetxo Goia-Aribe - 'La Orquesta Jamalandruki' (2008)

Extraído de mi reseña para Cuadernos de Jazz:

"Josetxo Goia-Aribe lleva ya unos años trabajando con música tradicional de su tierra. Llamarle músico de jazz sería una inexactitud, aunque no del todo incorrecto. Con 'La Orquesta Jamalandruki' pasa algo similar: no es un disco de jazz, aunque algo de eso tiene también."

"Nuestro folclore es el que es, nadie dijo que tuviese que ser bonito o sofisticado.
La propuesta de Goia-Aribe es fiel, que ya es algo, y está hecha desde el amor y el respeto, que es bastante más. Pero hay que meterse en el papel para disfrutarla."

Puedes leer la reseña completa pinchando AQUÍ.

Vic Chesnutt - At The Cut (2009)

Las pasadas navidades tuvieron un episodio particularmente triste a cuenta de la muerte del cantautor norteamericano Vic Chesnutt, el mismo día 25 de diciembre.

Chesnutt no tuvo una vida fácil: en 1983 quedó parcialmente paralizado, pudiendo realizar unicamente movimientos sencillos que le permitían tocar acordes simples de guitarra sentado en una silla de ruedas.



A pesar de su delicado estado, Chesnutt grabó diecisiete discos y escribió centenares de canciones, muchas de ellas memorables. Lamentablemente, At The Cut ha resultado ser su último disco.

Toda la grabación desprende una belleza intensa, tan quebradiza como incontenible. Es triste, si, pero también cálida, entrañable y una gran forma de decir adios. Perfecta para recordar a Chesnutt en esta mañana de domingo.






Nota: Pinchando en la portada puedes ver una actuación de Chesnutt el pasado 21 de noviembre.

Neil Young - Dreamin' Man Live '92 (2009)

A pesar de que hace sólo una semana que salió el volumen 12 de los Neil Young Archives Performance Series, ya podemos considerarlo uno de los mejores discos del año.

No deja de ser un poco trampa, ya que esta colección de grabaciones se realizaron durante su gira de 1992 pero, al ser completamente inéditas, podemos considerar este disco una novedad.

Dreamin' Man Live '92 recrea las diez canciones que conformaban el maravilloso disco Harvest Moon, tocadas por Young en solitario, acompañándose exclusivamente de guitarra acústica, armónica, piano o banjo y su voz.



El resultado es un disco sobrecogedor en el que las composiciones de Young, completamente desnudas, muestran su lado más auténtico. Canciones sin adulterar, directamente del alma a tus oídos.

No es su intención, seguro, pero la intimidad que transmite y la interpretación de Young hacen que esta relectura supere a aquel Harvest Moon, que ya era de por sí un álbum precioso.
No os lo perdáis.


Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify.

Elvis Perkins - In Dearland (2009)

El primer disco de Elvis Perkins, Ash Wednesday, era una interesante muestra de folk y canción de autor. Poco sorprendente pero muy competente, con buenos temas y un tono amargo, pero no forzado.

Dos años después Perkins presenta este In Dearland, un gran salto cualitativo respecto a Ash Wednesday. Tanto la forma como las composiciones se han visto enriquecidas por la repentina madurez que parece experimentar el músico.



Perkins parece muy cómodo tocando junto a sus compañeros en In Dearland -que es también el nombre del grupo- y todo suena muy compacto, con arreglos inspirados y estimulantes.

Para quienes no lo conozcan, es inevitable citar la anécdota: Perkins es hijo de la fotógrafa Berry Berenson y del célebre actor Anthony Perkins, que también grabó como vocalista algunos discos de standards a finales de los 50.
Más allá del chascarrillo, Perkins hijo es un magnífico músico y compositor, y uno de los grandes nombres del 2009 gracias a este disco.


Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify.

M. Ward - Hold Time (2009)

Como se acerca el final de 2009 y me he pasado la mayor parte hablando de jazz, voy a poner aquí unos cuantos discos de este año que considero (casi) imprescindibles y se salen de la música improvisada.

El primero es esta obra maestra de M. Ward, un tipo que tiene una carrera impresionante con sólo 36 años. No tiene un disco malo y éste último, Hold Time, es de los mejores.



Ward es un guitarrista y productor extraordinario y sus temas siempre están repletos de ideas brillantes, detalles sorprendentes y un gusto exquisito.

En Hold Time cuenta con algunos invitados de excepción como Lucinda Williams, Jason Lytle, Tom Hagerman y la compañera de Ward en el grupo She & Him, la también actriz Zooey Deschanel.

Pero sobre todo es una obra de autor, un disco sin desperdicio que crece en cada escucha y, sin ninguna duda, uno de los mejores del año.



Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify. Ya estás tardando.

Bobby Whitlock - Bobby Whitlock (1972)

Bobby Whitlock es uno de los héroes ocultos del southern roots rock de finales de los 60 y primeros de los 70. Antes de alcanzar la mayoría de edad ya era un asiduo músico de sesión en los estudios Stax, siendo el primer músico blanco que fichó por el mítico sello.
Colaboró en All Things Must Pass de George Harrison, en el primer álbum en solitario de Eric Clapton, en Exile On Main Street de los Rolling Stones y en todos los discos de Delaney and Bonnie, el grupo por el que Clapton disolvió Blind Faith para irse de gira con ellos.

Poco después, Whitlock formó junto al guitarrista la banda Derek And The Dominos y en su obra maestra, Layla And Other Assorted Love Songs, hay varias canciones escritas o coescritas por él.



En 1972 publicó su primer disco en solitario, una pequeña joya de la época grabada junto a un puñado de amigos, que fue enterrada por otros títulos más conocidos de nombres más populares, algo que ocurre más habitualmente de lo que parece.

La música de Whitlock, como es lógico, se parece mucho a la de Delaney and Bonnie, Clapton o Derek And The Dominos ya que él era una pieza clave de esas bandas en aquel momento. Escuchando este disco uno se da cuenta de hasta qué punto su personalidad marcó la obra de todos ellos.

También es evidente que lo que hacen tantas y tantas bandas hoy en día, llámese country alternativo, americana, rock sureño o lo que sea, ya se hacía hace casi cuarenta años.


Nota: Juraría que este disco no está reeditado en CD así que, aunque normalmente cuelgo un tema de cada disco, de este voy a poner dos. Si no os enganchan me como el sombrero.

Dinosaur Jr. - Farm (2009)

Hay días en los que uno, entrando al metro por la mañana, pulsa el aleatorio en el reproductor y suena el disco más adecuado. Hoy me ha pasado exáctamente eso.

Después de desayunar con The Gap Sealer de Jimmy Heath, nada mejor para enfrentarse a la calle que lo nuevo de J Mascis y sus Dinosaur Jr.

El característico sonido del grupo se compone de una extraña mezcla de Neil Young, Sonic Youth y los Replacements, destacando por encima del conjunto la carismática figura de Mascis.



Buenas melodías y guitarras arrolladoras; Farm no aporta nada nuevo a la discografía de la banda, pero suena genial.

Por cierto, si se presenta la ocasión de verles en directo, no la dejéis escapar.


Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify. Si no, creo que hay temas colgados en su myspace.

Mark Eitzel + Franz Nicolay - Kafe Antzokia (Bilbao, 9-oct-09)

El pasado viernes, con un Bilbao diezmado por el puente, un selecto grupo de afortunados nos acercamos al Kafe Antzokia a ver a Mark Eitzel, el polifacético líder de American Music Club.

Abría el show Franz Nicolay, teclista de The Hold Steady, miembro de The World/Inferno Friendship Society, del colectivo Anti-Social Music y de unas cuantas aventuras más. Con esas credenciales es normal esperar una actuación diferente y, efectivamente, Nicolay fue toda una revelación.

La cabecera de su web reza "punk - rock - cabaret - new music" y de todo ello hubo algo en su concierto. Acompañándose únicamente del acordeón, la guitarra acústica o el banjo, Nicolay desgranó un montón de canciones con personalidad, carisma y originalidad.

Al final de la actuación, el multiinstrumentista afirmó estar seguro de ser el único presente en la sala con un tatuaje de Jimmy Durante en el brazo, demostrando así su pasión por aquel gran entertainer norteamericano justo antes de tocar una preciosa versión de su "Hi Lili Hi Lo". Un gran tipo este Nicolay.

Mark Eitzel subió al escenario poco después, desgarbado, nervioso y acompañado únicamente del pianista Marc Capelle. Lo bueno, y en ocasiones lo malo, de un músico como Eitzel es que uno nunca sabe por donde va a salir, o desde qué perspectiva va a enfocar su actuación.

En esta ocasión Eitzel se presentó como un crooner de lo más particular mediante una emocionante versión de “I Left My Heart In San Francisco”. Si bien la orientación de la música era nocturna y melancólica, la actitud y expresión corporal del cantante eran las de un animal enjaulado en el escenario, incapaz de permanecer quieto y mostrándose realmente afectado por cada frase que cantaba.

Eitzel es tremendamente carismático, sin duda, pero desde que se le cayó el vaso de vino en el segundo tema hubo momentos en los que sus nervios y/o incomodidad se hicieron demasiado evidentes. A pesar de ello, cada nueva canción se volvía un prodigio de expresividad en la superdotada voz del norteamericano. Capelle lleva unos cuantos años trabajando con Eitzel y, aunque su labor era la de mero acompañante, supo seguir cada inflexión, cada nota sostenida y alargada por el cantante para conseguir que todo fluyese con naturalidad.

El recital fue corto, probablemente por el manifiesto descontento de Eitzel, fuese este provocado por el vino desperdigado por el escenario, porque olvidó alguna que otra letra –llegando a parar un tema a mitad de la primera estrofa– o porque el aforo no estaba tan lleno como él esperaba, tanto da. Su actitud neurótica no empañó el hecho de que es un cantante de talento extraordinario.

Un apoteósico “Me And Mrs Jones” –número uno de Billy Paul en 1972, popularizado recientemente por Michael Bublé– puso fin a una actuación memorable de la que Eitzel desapareció sin despedirse, con las últimas notas de piano aún coleando.

Poco después de empezar el concierto, ante una sonora ovación por parte del fascinado público, Eitzel había dicho “me odiaréis para cuando termine”. Por mucho que lo intentó no lo consiguió.

Yahvé M. de la Cavada, 2009

Blitzen Trapper - Furr (2008)

Llevo un par de días enganchado a este disco, el último de una banda más desconocida de lo que me gustaría.

Blitzen Trapper son más conocidos por abrir los conciertos de los célebres Fleet Foxes, aunque Furr me ha gustado bastante más que el laureado debut homónimo de los de Seattle.



Casi todos los temas que hay en el disco son fantásticos, y la banda toca con fuerza y personalidad. No se me ocurren muchos "peros", la verdad.

Uno de los discos de folk-rock que más he disfrutado en mucho tiempo. No os lo perdais.


Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify.