un día más, un disco más...

Wovenhand: la llamada de la tierra (2 de diciembre de 2010)

2011-11-03T23:45:00.002+01:00

Extraído de mi artículo para ELPAIS.com, publicado el 2 de diciembre de 2010:

"Wovenhand suenan diferente a casi todo. La suya es una música indomésticable, primaria, terriblemente oscura y difícilmente asociable a un momento o un lugar. Parece surgida de las montañas de Colorado, su lugar de origen, nacida entre la inhóspita aridez del suelo rocoso, como una hierba mil veces extinguida y mil veces renacida. Sobre uno o dos acordes tocados de forma obsesiva construyen miles de detalles, una maraña de sonidos que envuelve la chamánica voz de Edwards en un alarde de intensidad contenida e hipnótica."

"Es música muy personal que se resiste a la clasificación, creada a partir de la unión del country alternativo, el post punk, el folk o los cantos tradicionales nativos americanos. Se le pueden sacar referentes, aunque ninguno determinante. En el lado más evidente estaría el aspecto más rural de Mark Lanegan o el más tenebroso de Nick Cave, pero también se perciben retazos de la Velvet Underground, las bandas británicas más oscuras de los 80 y una especie de neofolk industrial (por llamarlo de alguna forma delirante) que parece maldecir a todos las bandas adscritas a la absurda etiqueta de “americana”."

Pinchando AQUÍ o en la imagen puedes leer el artículo completo.

Andrzej Olejniczak & Apertus String Quartet - Different Choice (2011)

2011-10-31T23:45:00.000+01:00

Mucho ojo a este cedé del fantástico saxofonista Andrzej Olejniczak, uno de los mejores discos "con cuerdas" que he escuchado en tiempo.

Recupero aquí mi reseña sobre el mismo, publicada en el número de junio de la revista MondoSonoro:

"El saxofonista Andrzej Olejniczak, afincado en Bilbao desde hace dos décadas, es también uno de los principales especialistas de su instrumento en España y, si me apuran, en Europa.
Y es que, grabar acompañándose exclusivamente de un cuarteto de cuerdas, sin perder un ápice de convicción, no es algo que pueda hacer cualquiera.
Different Choice está a medio camino entre la música de cámara y el jazz pero, como todo gran disco, se define por sí mismo."

Puedes leer la publicación original pinchando AQUÍ.

Marianne Faithfull - Sala BBK (Bilbao, 5 de abril de 2011)

2011-10-27T23:45:00.000+02:00

Reseña publicada originalmente en la edición física de la revista Mondo Sonoro:

"Un pequeño fallo de organización provocó que el de Bilbao fuese el único concierto de Marianne Faithfull en el estado. Este hecho convirtió el evento en algo más especial, si cabe. La flor y nata del rock bilbaíno –más flor y nata que nunca– abarrotaba la sala BBK, esperando presenciar algo especial, y lo fue, sí, pero también hubo una larga lista de “peros” que emergieron durante el concierto.
Ya el principio fue un tanto desastroso: el sonido era estridente y muy agresivo para un recinto de esas características y un desafortunado ventilador situado frente a Faithfull le provocó molestias durante un buen rato, hasta que pidió que lo apagasen.
Los primeros temas sirvieron para presentar el nuevo disco de la cantante, Horses and High Heels. Tras un desconcentrado “Why Did We Have To Part” nos temimos lo peor, ya que en “Back In Baby’s Arms” Faithfull llegó a olvidar la letra por un instante, pero en “The Stations” (el tema de los Gutter Twins que abre Saturnalia) la cosa empezó a coger pulso. A partir de ahí todo fue según lo esperado.
“Sister Morphine”, “Broken English”, “As Tear Goes By” y “Working Class Hero” hicieron estallar al público, que acabo el concierto con ovación y recibió a cambio un glorioso “Strange Weather” íntimo y acústico.
Aparte de algunos momentos del guitarrista Doug Pettibone, la atención recayó exclusivamente sobre Faithfull y su voz arrastrada y quebradiza. La cantante tiene esas cosas tan especiales y tan raras de ver llamadas personalidad y carácter, así que, al final, los “peros” son lo de menos."

Puedes leer la publicación original pinchando AQUÍ.

Jochen Rueckert - Somewhere Meeting Nobody (2011)

2011-10-24T23:45:00.000+02:00

Extraído de mi reseña para Cuadernos de Jazz:

"Han pasado más de diez años de la publicación del primero, y hasta ahora único, disco de Jochen Rueckert como líder, Introduction (Jazzline, 1998). Aquel resultó tan sorprendentemente bueno que su nuevo álbum parece un pelín soso a su lado. Y no es que esté mal, ni mucho menos. La formación es excelente y está bien ensamblada, con un Mark Turner más personal y reconocible que en otras ocasiones y la solidez del fabuloso Brad Shepik, guitarrista nunca bien ponderado en el mundo del jazz."

"La excelente producción revela perfectamente el acompañamiento de Matt Penman, muy inspirado a lo largo de toda la grabación, y los sutiles matices y acentos del líder, que denotan su atención e implicación. El problema es que al conjunto del disco le falta algo de dinámica, o un punto más de tensión para que la cosa se venga arriba de cuando en cuando.Digamos que todo está entre bien y muy bien, pero no hay picos, ni hacia arriba, ni hacia abajo. Buenos músicos, buenas improvisaciones y un papel estelar del líder, que acompaña como pocos. Ni más, ni menos."

Puedes leer la reseña completa pinchando AQUÍ.

Brian Blade & The Fellowship Band - Season Of Changes (2008)

2011-10-18T23:00:00.000+02:00

Otro disco fabuloso, e importante para mí, por motivos personales. Brian Blade es un outsider a su manera. Productor brillante y uno de los bateristas más importantes del mundo, Blade tiene en The Fellowship Band uno de sus proyectos más personales.

Season Of Changes, su última grabación con esta banda, es una muestra perfecta de su particular caleidoscopio musical, que parte del jazz para dejarse infectar por mucho otros sonidos.

Kurt Rosenwinkel y Myron Walden están extraordinarios, aunque los menos conocidos Melvin Butler y Jon Cowherd no se quedan atrás. Completan la banda Chris Thomas, viejo conocido de Blade, y éste último.

En este momento particular de mi vida -que podría definir con el título del álbum- he vuelto sobre este disco para redescubrir que me encanta. Y no sólo por motivos personales.

Pero, ¿todavía quedan tiendas de discos? (16 de abril de 2011)

2011-10-11T00:00:00.006+02:00

Un artículo especial, que escribí en un momento especial y que recupero en un día especial. Se publicó originalmente el día internacional de las tiendas de discos independientes de 2011, en la web del diario El País. Y hoy me ha parecido el mejor día para publicarlo en este humilde blog.

Pero, ¿todavía quedan tiendas de discos?

Por: Yahvé M. de la Cavada

Nunca me han gustado los eventos del tipo “el día de”. Siempre acaban pareciéndome reduccionistas y condescendientes, como si estuviesen diseñados para saldar una supuesta deuda social con la minoría o colectivo que toque en cada momento. Celebrar “el día” de algo provoca automáticamente la sensación de tachar una tarea del cuaderno de deberes hasta el año que viene. La intención original, muy probablemente, no es esa, sino agitar a la ciudadanía en busca de compromiso, colaboración o, en última instancia, comprensión. Sobre el papel, fantástico.

Pero esas fechas dejan en evidencia a una sociedad que presume de moderna y avanzada, para después señalar en el calendario un día (¡uno!) con obviedades como que la mujer trabaja y debería hacerlo bajo las mismas condiciones que el hombre, que los homosexuales tienen (o deberían tener) los mismos derechos y deberes que cualquier ciudadano o que el hambre en el tercer mundo es una vergüenza para el primero. Esos días, que atraen sus sujetos a la prensa durante unas horas, son una pátina de compromiso para el viandante que sólo quiere trabajar, consumir, ver la tele y que le dejen en paz. El día de “X”, pegatina en la solapa, un enlace en Facebook, unos minutos de charla durante el café, y a otra cosa.

Todo esto viene a algo mucho menos trascendente que lo mencionado anteriormente, así que, perdonen el atisbo de comparación, porque no pretendía ser tal. La cuestión es que hoy se celebra por primera vez en España el Record Store Day, un evento mundial promovido por tiendas de discos independientes de todo el mundo, en general, y de Europa y EE.UU. en particular. Esta celebración no es más que una pequeña mano agitándose entre la multitud en busca de atención, frente a un mundo que, cada día más, se pregunta: “pero, ¿todavía hay tiendas de discos?”.

Las hay, cada vez menos, pero las hay. Ahora son pequeños oasis para aficionados muy concretos y muy poco numerosos: los que compran música. Para ser exactos, hay que decir que, tal y como ocurre con los libros, cómics y películas (DVDs, Blu-Ray, etc), donde realmente se venden es en almacenes y grandes superficies. La sociedad española está copiando lo peor de los hábitos de consumo americanos y evitando lo mejor, esto es, el respeto y apoyo a los negocios independientes. La figura de la librería ha desaparecido en prácticamente todas las ciudades de nuestro país, dejándonos a merced de grandes cadenas y supermercados del ocio. La librería especializada sobrevive a duras penas porque su producto, y su cliente, son mucho más específicos que el de la literatura general o el cine. Pero la tienda de discos es otra cosa.

Es el comercio tradicional más afectado por la piratería (al fin y al cabo, nunca hubo muchas tiendas centradas exclusivamente en la venta de películas) y el elemento de la industria más ninguneado. El defensor férreo de la música libre en Internet tiende a olvidar la tienda porque, aparentemente, es un organismo obsoleto en la comercialización musical del siglo XXI. Su función está directamente relacionada con la vigencia de los formatos físicos, y todos sabemos cómo está ese asunto. Así que, si nadie (la nueva forma de decir “muy poca gente”) compra discos físicos, y las tiendas parecen pertenecer al siglo pasado, ¿qué sentido tiene hacer un día de la tienda de discos? ¿No viene a ser como celebrar el día del radiocasete?

Lo que intentan los implicados en el Record Store Day es captar un poco de atención sobre su maltratado y diezmado sector, ahora reducido a coleccionistas, modernos, frikis (en el mejor sentido de la palabra) y un tipo de cliente romántico que se aferra al formato físico como parte de su identidad musical. El lema de la iniciativa, ampliado mediante decenas de declaraciones de músicos y personalidades de la industria, colgados en la web oficial del evento, se puede resumir en estas palabras: “apoya a tu tienda de discos; comprar discos, viéndolos, tocándolos, es un acto que da otra dimensión a la música; es orgánico, es real y, además, está (casi) de moda”. Pero estos argumentos no tienen pinta de ir a convencer nadie más que a los ya convencidos, que serán quienes celebren, a la postre, el Record Store Day.

Lo más significativo del evento es la aparición de multitud de ediciones limitadas en vinilo (7’’, EPs, LPs) a cargo de tiendas y adheridos que las venderán exclusivamente en tienda física, con el compromiso de evitar que se especule con ellas en Internet u otras plataformas. Dichas ediciones tienen el objetivo de atraer público a las tiendas en busca de un producto especial y exclusivo. Sin embargo, hoy en día, ¿no podríamos considerar especial y exclusivo la propia existencia del disco físico? En una semana en la que muchos usuarios se lamentan de que Spotify limite su oferta gratuita (rasgándose las vestiduras ante la posibilidad de desembolsar diez euros mensuales por su versión Premium) es difícil creer que la gente empezará a transitar las tiendas de discos otra vez. Por eso el Record Store Day y sus ediciones limitadas ahondan, seguramente sin pretenderlo, en ese malditismo al que se ha visto abocado el sector en los últimos tiempos. Hecho por unos pocos y dirigido a unos pocos. Exclusivos y marginales, las dos caras de una misma moneda.

El balance no sólo no es positivo, sino completamente descorazonador. Aún siendo empresas con fines comerciales, las tiendas son a la música lo que las salas al cine. Han sido –son– los lugares, los puntos de encuentro, las fuentes originales de la creatividad musical envasada. Y se merecen, como poco, un poco de respeto y una oportunidad. El Record Store Day tiene su punto, de eso no hay duda, y es positivo que por fin se haga en España. Pero lo importante es que no llegue el día en el que la gente se pregunte “¿te acuerdas de cuando había cines y tiendas de discos?”.

Así que, comete una locura. Vete a una tienda independiente y compra un disco. Una vez al año no hace daño, dicen.

Yahvé M. de la Cavada, 2011

Puedes leer la publicación original pinchando AQUÍ.

Charles Mingus - The Complete 1960 Nat Hentoff Sessions (1960)

2011-10-05T20:00:00.000+02:00

Extraído de mi reseña para Cuadernos de Jazz:

"Las grabaciones que Mingus hizo para el sello Candid siempre han sido consideradas, hasta cierto punto, una obra menor. Su situación cronológica, su aspecto circunstancial y la forma en la que el sello desperdigó sesiones en diferentes álbumes son un peso que dejan a este material en evidencia frente a sus etapas en Columbia y Atlantic.

Las dos sesiones contenidas en este triple cedé sirvieron para llenar casi cinco discos: Charles Mingus Presents Charles Mingus, Mysterious Blues, Mingus y Reincarnation of a Love Bird (a nombre del contrabajista) y el colectivo Newport Rebels, que se completó con dos temas grabados por un All-Stars de músicos cabreados por la política del festival de Newport (cómo ha cambiado todo, ¿eh?). Esos dos temas están incluidos en el segundo CD de esta edición, para así completar el material editado originalmente en Newport Rebels. El resto es una sospechosa copia de la caja que sacó Mosaic en 1989 bajo el nombre The Complete Candid Recordings of Charles Mingus, ahora renombrado como The Complete 1960 Nat Hentoff Sessions.

Fue Hentoff, efectivamente, quien invitó a grabar al contrabajista en ese pequeño sello, ofreciéndole libertad creativa absoluta. Mingus había tocado unos meses antes en el festival de Antibes (años después Atlantic editaría esa actuación, que sigue siendo uno de los directos más importantes de la historia), demostrando que, si algo necesitaba, era libertad.

La primera sesión para Candid reunió a un cuarteto formado por Eric Dolphy, Ted Curson, Mingus y su inseparable Dannie Richmond, y produjo Charles Mingus Presents Charles Mingus, un álbum que, de haberse grabado un año antes, podría haber sido el cuarto elemento de ese triunvirato Kind of Blue-Giant Steps-The Shape of Jazz to Come que dio la vuelta al jazz en 1959. Sólo por mantener esa grabación en el mercado, ya merece la pena alabar esta edición.

El resto de material es excelente también, con menos altibajos de lo habitual en cualquier integral. Esta música es reflejo de una época en la que el jazz se revolvía, moviéndose hacia delante y negándose a soltar el pasado. Mingus mantenía un pie en la vanguardia y otro en Ellington, Parker o Monk, siempre honesto, siempre desafiante.

La leyenda dice que Jo Jones amonestó en su momento a Charlie Parker por su forma de tocar. Veinte años después, Mingus puso a tocar a Jones junto Eric Dolphy, añadiendo a Roy Eldridge a esa imposible fórmula. Y funcionó, vaya si funcionó. "

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Alon Nechushtan - Words Beyond (2011)

2011-10-01T23:45:00.000+02:00

Extraído de mi reseña para Tomajazz:

"¿Cuántos tríos como este puede haber en Nueva York? La ciudad alberga la mayor agrupación de músicos de jazz del mundo, de todos los gustos y colores, lo que implica que haya más oferta que en ningún otro sitio y, que probablemente, sea mejor. Por otro lado, ese tipo de aglomeraciones también albergan multitud de formaciones intrascendentes y reiterativas, diferentes versiones de propuestas muy similares, desarrolladas por músicos que se mueven en los mismos ambientes. El nivel medio es alto con respecto a otras zonas geográficas pero, en Nueva York se aspira, sobre todo, a ser uno más."

"Con Words Beyond es imposible de saberlo con certeza, puesto que, en definitiva, es un buen disco de un trío neoyorquino estándar. En España serían la repanocha; allí, un buen grupo. Si Nechushtan será un grande, o uno más en la capital jazzística del mundo, es algo que iremos viendo en sus próximos registros. De momento, nos quedamos con el nombre y con un disco disfrutable."

Puedes leer la reseña completa pinchando AQUÍ.

Cure - Wish (1992)

2011-09-27T14:00:00.004+02:00

Recuerdo escuchar de forma obsesiva este disco cuando salió, hace casi 20 años, convirtiéndose inmediatamente en uno de los discos claves de mi adolescencia.

Volver sobre este tipo de grabaciones tiene cierto peligro, puesto que el tiempo puede ser bastante cruel con los recuerdos de uno. Con Wish no ocurre eso. Nunca he dejado de reescucharlo cada cierto tiempo y tampoco nunca me ha decepcionado.

Es lo que tienen los grandes discos, que el paso del tiempo no les afecta o, en el caso de hacerlo, no suele ser para mal. Y este un disco enorme.

En septiembre de 2011, 19 años después de escuchar Wish por primera vez, sigue sonandome tan acojonante como el primer día y sigue teniendo un pequeño hueco en mi vida.

Nota: pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify (según país de residencia).

Bruno Chevillon / Tim Berne - Old And Unwise (2010; ed. 2011)

2011-09-22T23:45:00.000+02:00

Mira que me harto a decir que Tim Berne no tiene un disco malo. Garantizado, amigos.

Si existe un jazz contemporáneo, en el sentido más radical de la palabra, Berne es uno de sus abanderados. De hecho, lleva siéndolo casi tres décadas y, si hay algo que ha estado presente a lo largo de toda su carrera, es un compromiso con la libertad inédito para muchos otros.

Su dúo con el fabuloso contrabajista Bruno Chevillon trae a la mente discos tan destacables como este: Ornery People (a dúo con Michael Formanek) y el asombroso Cause & Reflect (a dúo con Hank Roberts). No hay mayor coincidencia aparte de la unión del saxo de Berne con las cuatro cuerdas del contrabajo (del chelo en el caso de Roberts) y que tanto el saxofonista como sus partenaires, prometen y entregan un repertorio impecable.

Suena tan crudo, dinámico y real como siempre, o sea, mucho. A no perdérselo.

Christian Scott - Yesterday You Said Tomorrow (2009)

2011-09-18T23:45:00.001+02:00

Cuando escuché este disco por primera vez, recién salido, pensé que era más de lo mismo, que Christian Scott empezaba a repetirse y que, tal vez, ya no tenía mucho más que decir. No le hice mucho caso, la verdad.

Hace un mes, volví a escucharlo y me pareció excelente, una grabación más madura y redonda que lo editado por el trompetista hasta entonces. Lo disfruté enormemente, repitiendo más de un tema a pleno volumen.

La semana pasada, volví sobre él, a ver qué pasaba. Bien, sin engancharme tanto como en la anterior escucha, el disco mantiene un buen nivel. No tiene la visceralidad de Live At Newport pero es definitivamente más maduro que Rewind That y no peca del exceso de Anthem.

La música de Scott, aunque un tanto limitada, me suena cada vez más atractiva y personal, gracias a su forma de componer y a su particular (aunque no demasiado extenso) fraseo. El aire anárquico que envuelve a algunas piezas del trompetista me ha llegado a parecer un engorro, pero poco a poco he conseguido entrar en su juego.

Como el propio Scott, la música de Yesterday You Said Tomorrow es chulesca y su sonido muy del siglo XXI, lo que no es malo, ni mucho menos. Por otro lado, resulta dificil saber si dentro de unos años mantendrá vigencia o sonará pasado de fecha. Lo que sí sé es que, a día de hoy, el inicio de "K.K.P.D.", la excelente versión del "The Eraser" de Thom Yorke o "Angola, LA & The 13th Amendment", por ejemplo, suenan tremendas.

Nota: Hay una edición especial con un segundo CD incluído -llamado "Five For Freddie"- que contiene cinco temas íntimamente relacionados con Freddie Hubbard interpretados por el quinteto de Scott. Muy recomendable.

Nota 2: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify (según país de residencia).

Lee Konitz Meets Warne Marsh Again (1976)

2011-09-15T19:00:00.000+02:00

Anoche me escribió mi buen amigo (y mejor pianista) Juan 'Ignatius Johnny' Ortiz desde la barra del Birdland neoyorquino, informándome de que estaba a punto de ver al quinteto de Lee Konitz y Tomasz Stanko, dato que me provocó un ineludible y desasosegante brote de envidia sana.

Unas horas después, Ellery Eskelin comentaba en su página de Facebook que acababa de escuchar en directo a Konitz (presumiblemente en ese mismo show) y que se sentía muy inspirado. Como para no estarlo.

Mi reacción inevitable (mucho más doméstica) fue hurgar entre mis viejos LPs hasta encontrar y escuchar este directo del gran Konitz junto a Warne Marsh, grabado en el Ronnie Scott's de Londres en 1976. No es lo mismo pero, quien no se consuela, es porque no quiere.

El disco es fabuloso, como es natural. Konitz y Marsh siempre se entendieron muy bien en lo musical (no tanto en lo personal) y en los 70 seguían sonando genial. Junto a ellos, el batería Al Levitt y otro gran tristaniano, el contrabajista Peter Ind, completando el grupo.

El repertorio es muy clásico y predecible ("You Go To My Head", "All The Things You Are", etc), pero en manos de los músicos resulta completamente original. A destacar una versión de "Star Eyes" absolutamente sublime.

Healing Force: The Songs Of Albert Ayler (2007)

2011-09-13T23:45:00.003+02:00

Back in the game. Creo que es la primera vez que me tiro más de quince días sin publicar. Son días complicados, la vida, las circunstancias; espero ponerme en forma rápido.

De hecho, volvamos a la faena ya: ¿Conocéis este disco? Es un homenaje a Albert Ayler capitaneado por algunos músicos tan interesantes como poco conocidos, como Vinny Golia y Henry Kaiser, aunque el proyecto es completamente coral, e incluye a otras luminarias como Joe Morris (tanto a la guitarra como al contrabajo), Weasel Walter o la cantante Aurora Josephson, entre otros.

La música de Ayler está interpretada con respeto, pero también con la osadía de quien es dueño de su propio lenguaje. El resultado es libre, poco ortodoxo y terriblemente inspirador. Es complicado no dejarse cautivar por el disco.

A quienes visitais regularmente esta página, os pido disculpas por la desajustada y cedida frecuencia a la que me he ajustado en los últimos tiempos. Aquí seguimos, no obstante.

Una de cal, dos de arena (David Binney + Kyle Eastwood + Nigel Kennedy, 35 Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz, 13 de julio de 2011)

2011-08-28T23:45:00.000+02:00

Recupero otro texto publicado con motivo del pasado festival de jazz de Vitoria-Gasteiz, aparecido originalmente en el periódico Gara:

Una de cal, dos de arena
David Binney + Kyle Eastwood + Nigel Kennedy
35 Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz
13 de julio de 2011

La sección que tiene lugar cada tarde en el Teatro Principal de Gasteiz se llama «Jazz del siglo XXI», un nombre un tanto osado para venir de un festival que reconoce abiertamente su conservadurismo. Aún así, cada año podemos encontrar un par de actuaciones programadas al abrigo de esta sección que merecen ese lema presidiendo la marquesina.

En la edición de 2011, tal vez nadie pueda lucir esa insignia con más orgullo que el saxofonista David Binney, figura imprescindible de la escena neoyorquina que, debido a su escasa popularidad en nuestro país, aún tiene que vérselas con el sambenito de «joven valor». El propio programa del festival le presenta como «uno de los jóvenes músicos de jazz más prolíficos de hoy en día», para después destacar como elementos significativos en su carrera un par de colaboraciones que poco tienen que ver con la trayectoria del saxofonista. Vamos, como si yo les hablo de Bob Dylan y lo único que menciono es que una vez tocó para el Papa.

Ya que uno no se puede fiar de los folletos promocionales, digamos, sin entrar en más detalles, que el «joven valor» (de 50 años de edad) es uno de los saxofonistas norteamericanos más importantes y avanzados de su generación. Su carrera siempre ha sido honesta y coherente, cimentada sobre sellos independientes, autoedición y el reconocimiento y admiración de músicos y crítica. Llegar al público mayoritario desde las trincheras del jazz es más complicado, aunque David Binney tiene la virtud de que, cuando uno le escucha por primera vez, enseguida toma nota de su nombre.

La música que interpretó en directo fue espontánea y con un alto nivel de exploración, basándose en ritmos y armonías muy complejas o muy sencillas, dependiendo del tema. Su mayor apoyo fue el fabuloso baterista Dan Weiss, aunque el auditorio también ovacionó generosamente al jovencísimo pianista John Escreet. En total, noventa minutos de jazz puro y moderno que satisfizo a los seguidores del saxofonista y que, muy probablemente, grabó su nombre en los cerebros de cada espectador no familiarizado con él.

Tras semejante muestra de jazz de élite, el doble programa que nos encontramos en Mendizorroza fue como conducir un coche por Australia: kilómetros y kilómetros de carretera en línea recta, sin giros, sin cambios en el paisaje y con el peligro acechante de dormirse al volante en cualquier momento. Los reclamos eran el nombre (más bien el apellido) de Kyle Eastwood y el excéntrico violinista clásico reciclado al jazz Nigel Kennedy, pero ninguno de los dos pudo impedir que el pabellón se quedase a poco más de la mitad de aforo.

Eastwood es un bajista y contrabajista muy competente que practica un jazz amable e inofensivo que podríamos calificar de light. Tanto él como su banda se defienden y, no sé, tocan bien, pero resultan tan tibios que no hay manera de engancharse a su música. Por mucho que algunos sectores de la prensa se esfuercen en mostrarle como algo independiente de su progenitor, si el chaval no se apellidase Eastwood su carrera nunca hubiese ido más allá del mero acompañamiento a músicos con algo más interesante que ofrecer.

Nigel Kennedy vivió un momento muy dulce en el mundo de la música clásica hace unos cuantos años, pero recientemente ha dado un giro hacia el jazz inexplicable desde el punto de vista económico (todo el mundo sabe que el jazz es una ruina) y en pos, con toda seguridad, de una afición personal. Muchos asocian el virtuosismo al jazz (como si fuese algo inherente al estilo, y nada más lejos), lo que no quiere decir que porque uno sea un virtuoso será un gran intérprete de jazz. Kennedy es un gran virtuoso, de eso no hay duda, pero en su concierto planteó una música que se apoyaba en ese hecho, sin contar con que ni sus intervenciones, ni su banda -plana y funcionarial-, tuvieron demasiada sustancia. Buenas intenciones, pero poco alma.

El alma se había quedado en el concierto de David Binney.

Yahvé M. de la Cavada, 2011

Nota: Pinchando AQUÍ o en la imagen puedes ver la publicación original del texto en la web del periódico. Al final de la misma hay un texto promocional con lo que se podía ver el mismo día de la publicación, y que no está escrito por mí, por supuesto.

Ayer, hoy y mañana (Michel Portal + Dr. Michael White + Trombone Shorty, 35 Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz, 12 de julio de 2011)

2011-08-20T17:00:00.001+02:00

Recupero otro texto publicado con motivo del pasado festival de jazz de Vitoria-Gasteiz, aparecido originalmente en el periódico Gara:

Ayer, hoy y mañana
Michel Portal + Dr. Michel White & The Original Liberty Jazz Band + Trombone Shorty & Orleans Avenue
35 Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz
12 de julio de 2011

Así podríamos resumir lo vivido ayer en el 35 Festival de Jazz de Gasteiz, en tres conciertos que fueron del neoclasicismo radical de Michael White a la perenne modernidad de Michel Portal, con parada en la onda bailonga y actual de Trombone Shorty. Portal, hijo predilecto de Baiona y uno de los grandes del jazz europeo de todos los tiempos, no necesita mucha presentación. Su compromiso con el jazz y la música libre siempre ha ido por delante y es sabido que en un concierto suyo el riesgo, el buen gusto y la música de altura están garantizados.

En esta ocasión venía acompañado de un grupo de jóvenes estrellas del jazz (aunque falló el contrabajista Scott Colley) que lucieron tanto, o quizá más, que el propio líder. A saber: Bojan Zulfikarpasic, habitual de Portal, es desde hace años uno de los grandes del piano europeo, y Nasheet Waits demostró una vez más por qué algunos creemos que es uno de los mejores bateristas de jazz del mundo.

El joven Ambrose Akinmusire, excepcional a lo largo de todo el concierto, está llamado a convertirse en el trompetista de moda y, de hecho, más de un espectador iba a verle específicamente a él. Puestos a comentar, Portal estuvo algo más atinado con el clarinete bajo que con el saxo soprano; pero es un maestro, y eso se le nota en cada gesto. Nada que ver con lo que vino después.

En Mendizorrotza nos encontramos con dos propuestas salidas de Nueva Orleans, ambas muy diferentes. Complementarias o antagónicas, eso depende del oído con el que se escuchen. Abrió la velada el grupo del clarinetista Michael White, habitual del festival en otros escenarios, normalmente gratuitos y, tal vez, menos exigentes. White es una figura importante y recurrente en lo suyo, aunque quizá más por estar que por ser. Me explico: es amigo de la familia Marsalis y su nombre se oye constantemente entre los revivalistas del dixieland y el jazz tradicional de su ciudad, pero, en realidad, ni es un gran clarinetista ni un músico sobresaliente.

Su mayor virtud radica en su origen, en que, mejor o peor, es un neorleanés de pura cepa y su música es genuina y real. Nadie puede transmitirla con más convicción que él, porque lleva siendo parte de su vida desde su infancia. Eso le convierte en embajador musical de excepción, pero no necesariamente en un tipo genial.

Su concierto en el festival fue tan ortodoxo que en seguida se volvió ligeramente plomizo. Por supuesto, es virtualmente imposible alcanzar el nivel de clásicos como Louis Armstrong, Sidney Bechet, Kid Ory o Johnny Dodds, pero esa música se puede tocar con algo más de gracia y entrega a cómo lo hace el grupo de Michael White.

El joven Trombone Shorty, afincado también en Nueva Orleans, parte de un concepto musical muy diferente. Es trombonista, trompetista y cantante, y predica una diversidad musical amplia, que luego no lo es tanto, aunque mucho más que la de su predecesor en Mendizorroza.

Su terreno natural parece el funk jazzificado, y en varios momentos de su actuación vino a la cabeza -salvando las distancias- la música de Defunkt, el fabuloso grupo que formó hace treinta años el también trombonista (y hermano de Lester Bowie, del Art Ensemble Of Chicago) Joseph Bowie. Vamos, que lo que hace Trombone Shorty no es el colmo de la originalidad, pero funciona. El joven demostró ser un gran instrumentista y dominar el escenario en un show que, si bien algo reiterativo, resultó bastante más exitoso y animado que el de Michael White.

También hubo coincidencias, porque las raíces no perdonan: ambos grupos tocaron el clásico «St. James Infirmary» (el primero desde la tradición y el segundo, con aires latinos) y también ambos citaron al gran Cab Calloway para hacer cantar al público. Y es que, el protocolo del show es inquebrantable.

Yahvé M. de la Cavada, 2011

Nota: Pinchando AQUÍ o en la imagen puedes ver la publicación original del texto en la web del periódico. Al final de la misma hay un texto promocional con lo que se podía ver el mismo día de la publicación, y que no está escrito por mí, por supuesto.

Química y química (Jeremy Pelt + Danilo Perez + Herbie Hancock / Wayne Shorter / Marcus Miller, 16 de julio de 2011)

2011-08-10T18:00:00.000+02:00

Recupero otro texto publicado con motivo del pasado festival de jazz de Vitoria-Gasteiz, en esta ocasión sobre Jeremy Pelt, Danilo Perez y el "Homenaje a Miles Davis", perpetrado por un all-stars capitaneado por Marcus Miller y con Herbie Hancok y Wayne Shorter como principales reclamos; el texto apareció originalmente en el periódico Gara:

Química y química
Jeremy Pelt Quintet + Danilo Perez Trio + Herbie Hancock / Wayne Shorter / Marcus Miller: Homenaje a Miles Davis
35 Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz
16 de julio de 2011

El quinteto de Jeremy Pelt es una de las formaciones más interesantes del hard bop en los últimos años. Heredero directo de aquel portentoso segundo quinteto de Miles Davis (con Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams), como lo fueron en su momento el de Wynton Marsalis, el del alumno predilecto de Miles, Wallace Roney, o el que co-lideraron Donald Harrison y Terence Blanchard. Pelt ya lleva unos años dando guerra y, hace unos pocos, formó su quinteto estable con cuatro músicos estupendos, la mayor parte de ellos líderes de sus propias formaciones. Un grupo de élite, en definitiva, al que en Gasteiz le faltaron un par de cosas: la primera, el pianista Danny Grissett, que fue sustituido (con nota, eso sí), por el también brillante David Bryant; la segunda, y más importante, un técnico de sonido atento.

Tal vez fuese por eso, tal vez no, pero algunos miembros del grupo mostraron cierto enfado a lo largo de la actuación, en especial el contrabajista Dwayne Burno, que tuvo que sufrir acoples en su instrumento en multitud de ocasiones. Una formación de estas características vive de la interacción y la concentración, y para ellos es imperativo que el sonido acompañe. Aún así, lo grande no se hunde tan fácilmente y hubo momentos en el concierto de gran altura musical, para regocijo de los asistentes.

La última noche en Mendizorrotza venía presidida por algunos grandes nombres, bastante habituales del festival: Herbie Hancock, Wayne Shorter, Marcus Miller y Miles Davis. El de Davis, en particular, se ha invocado con regularidad en éste y otros festivales veraniegos, muchas veces en vano. La figura del trompetista es una de las más importantes de la historia del jazz y reivindicarle es pertinente, por supuesto, aunque innecesario a estas alturas. El veinte aniversario de la muerte del trompetista o la reunión de algunos alumnos estrella del mismo son motivos poderosos, pero resultarían más convincentes si no se hubiese jugado esa carta en numerosas ocasiones, tanto por parte de alguno de los músicos implicados, como por la del propio festival. El oportunismo, admitido o no, está servido.

El concierto empezó de mano del trío del pianista Danilo Perez, que pareció haber recibido instrucciones de que la cosa tenía que ir sobre Miles Davis minutos antes de subir al escenario. Y lo pareció porque, a un repertorio evidentemente ajeno al universo de Miles, le añadió presentaciones delirantes para justificar una supuesta vinculación con la figura del trompetista. Sandeces como «este tema es galáctico, como Miles, que también era galáctico» o anunciar «Blue In Green», el conocido tema de «Kind Of Blue» diciendo que su versión les llevaría a lugares insospechados cuando, en realidad, el tema de Miles no era sino una pequeña e improvisada introducción a un original del pianista. Todo innecesario y con un punto vergonzante: el homenaje no era tal así que ¿por qué no tocar su concierto y ya está? ¿Órdenes del festival? Nunca lo sabremos.

Sí sabemos, en cambio, que Perez es un gran pianista -y un no tan gran compositor- que resultó un tanto farragoso en Mendizorrotza. Tuvo momentos espectaculares, pero la música del trío se vio arrastrada por un repertorio poco consistente que no llegó a enganchar del todo.

El homenaje a Miles, el de verdad, empezó con fuerza. Más de una hora ininterrumpida enlazando temas como «Walkin», «Milestones» o «All Blues» de forma abierta y creativa, que era bastante más de lo que muchos esperábamos. Todos tuvieron buenos momentos y el trompetista Sean Jones, que bastante papelón tenía, fue por el camino fácil (o difícil) e imitó abiertamente al maestro Miles, algo que, en opinión de quien escribe esto, fue un tremendo error. La música se mantuvo entre lo fascinante y lo errático, y en demasiadas ocasiones pareció una jam session muy cara pero, en conjunto, el grupo cumplió con un proyecto que es más fácil de contar que de tocar. Sólo cumplió, sí, porque faltó la química. Todos ellos son muy buenos, y algunos buenísimos, pero juntos, no funcionan más que por momentos. De eso, de química, sabía mucho Miles, por eso sus grupos siempre funcionaban. Aunque él jamás habría participado en un proyecto como éste.

Nota: Pinchando AQUÍ o en las imágenes puedes ver la publicación original del texto en la web del periódico.

La voz de Nueva Orleans (Craig Adams and the Voices of New Orleans, 35 Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz, 11 de julio de 2011)

2011-08-06T18:00:00.002+02:00

Recupero otro texto publicado con motivo del pasado festival de jazz de Vitoria-Gasteiz, aparecido originalmente en el periódico Gara:

La voz de Nueva Orleans
Craig Adams and the Voices of New Orleans
35 Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz
11 de julio de 2011

La relación del Festival de Jazz de Gasteiz con Nueva Orleans es larga y regular, desde la clásica marching band que recorre las calles de la ciudad -habitualmente originaria de la ciudad sureña- hasta la inesquivable historia de amor entre el festival y el trompetista Wynton Marsalis. En los últimos años el festival ha instaurado otra tradición que, muchas veces, acaba llevándonos también a Nueva Orleans: el concierto de gospel que inaugura la programación de Mendizorrotza. Aunque es una música que tiene una relación tangencial con el jazz, sus raíces en la tradición afroamericana justifican de sobra su presencia en el programa, mucho más, por cierto, que otras propuestas que se pueden escuchar en él.

El artista elegido este año ha sido Craig Adams, una pequeña estrella del género en su país y, concretamente, en su ciudad. Adams es pianista, vocalista y, por encima de todo, un gran maestro de ceremonias. Su forma de dirigir a los diecinueve músicos que le acompañan (guitarra, bajo, batería, un coro de trece miembros y tres solistas) se basa en los grandes showmen negros de la historia. Su repertorio es eminentemente religioso, como no podía ser de otra forma, pero su aproximación al gospel sale de las entrañas del show business y se transforma en algo que podríamos denominar arena-gospel.

Unos segundos después de llegar al escenario, ya tenía al público comiendo de su mano, y la explosión de energía y adrenalina de Adams y los suyos se contagió rápidamente por todo Mendizorrotza. Enseguida, el grupo atacó con «Down By The Riverside» a ritmo de boogie-woogie en uno de los momentos de la noche.

La capacidad vocal de cada miembro del coro es extraordinaria, lo que no es de extrañar, ya que en EE.UU. no se andan con chiquitas en estos asuntos. Aquí un cantante chusquero salido de un concurso de televisión puede ser tomado en serio; allí no es tan fácil vender esa moto, con lo que imaginen la calidad de los miembros de un grupo vocal de esta categoría.

Después de la preciosa «A Change Is Gonna Come» de Sam Cooke, interpretada por el cantante Dale Blade, el clásico «When The Saints Go Marching In» empezó poniendo al público en pie y continuó con Adams invitando a más de una veintena de animados asistentes a que bailasen con él sobre el escenario, saliendo con ellos en comitiva a pie de pista y alcanzando un final apoteósico con todo el pabellón coreando y palmeando. Tras esto, para redondear la velada, Adams hizo un alarde de transformismo y cantó una sentida versión del «My Sweet Lord» de George Harrison (sin la parte de «hare Krishna, hare hare», como es natural) para terminar con un explosivo e interminable «It's Allright», y un doble bis que se abrió con un íntimo «What A Wonderful World» y acabó con el pabellón en pie, entre aplausos, gritos y vítores.

Hay nombres mucho más famosos y cotizados en el programa de este año, pero habrá que ver cuántos se meten al público en el bolsillo como Craig Adams & The Voices of New Orleans.

Nota: Pinchando AQUÍ o en la imagen puedes ver la publicación original del texto en la web del periódico. Al final de la misma hay un texto promocional con lo que se podía ver el mismo día de la publicación, y que no está escrito por mí, por supuesto.

El jazz y todo lo demás (José James + Jamie Cullum, 35 Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz, 14 de julio de 2011)

2011-08-03T23:45:00.002+02:00

Aprovecho que estos días están retransmitiendo en RTVE algunos conciertos de los festivales de verano para recuperar mis crónicas de los mismos. Esta noche le tocará el turno a José James y mañana a Jamie Cullum, así que dejo aquí el texto que publiqué sobre estos conciertos en el periódico Gara:

El Jazz y todo lo demás
José James + Jamie Cullum
35 Festival de Jazz de Vitoria-Gazteiz
14 de julio de 2011

Ya se veía venir la noche anterior. Los afortunados que fueron al hotel Canciller Ayala para ver al trío del fabuloso pianista Eric Reed, no sólo demostraron tener un gusto exquisito, sino que se fueron a casa con un premio: la exclusiva de ver a Jamie Cullum y a José James animándose a improvisar un tema en la jam session que, en noches señaladas, se desata en ese pequeño escenario; el más humilde del festival y, a veces, también el más especial. Esa noche pudimos ver un avance de lo que sucedió en Mendizorrotza menos de 24 horas después, en un concierto multitudinario en el que, minutos antes de comenzar, ya se escuchaba una y otra vez en la taquilla la temida frase «no hay entradas».

José James, indudablemente menos popular que Cullum, ya había visitado el festival en 2008, dentro de la programación del Teatro Principal. Aquel concierto fue realmente asombroso y descubrió a muchos (servidor incluido) a un joven cantante que tiene mucho más que talento, y de eso va sobrado. En su música, James no tiene miedo a mezclar jazz con nu-soul, funk o hip-hop, lo que le permite diseñar cada show para adecuarlo al auditorio que le vaya a recibir. Este año hizo como en 2008, respetando la supuesta tendencia del festival y atacando un repertorio mayormente jazzístico, con inusitadas versiones del «Equinox» de John Coltrane, «Red Clay» de Freddie Hubbard o el mítico «Moanin» de Bobby Timmons.

James es un vocalista con un toque muy contemporáneo, ha bebido del hip-hop y eso se le nota en su forma de frasear e improvisar, pero escuchándole vienen a la cabeza referencias de clásicos como Jon Hendricks o el fabuloso Joe Williams. Acompañado de una banda que sonaba fresca y grooveante, James engatusó por igual a madres y a hijos, gracias a ese encanto urbano y glamouroso que le caracteriza. Cuando, en el último tema del concierto, James invitó a Jamie Cullum al escenario para cantar «Georgia On My Mind», el pabellón empezó a despegar en un vuelo que no aterrizaría hasta el final de la noche.

Los talibanes del jazz (a quienes, en ocasiones, no tengo más remedio que unirme) no sienten un gran aprecio a Jamie Cullum. Su pop jazzificado y su desenfadada forma de entender la música es contraria a los anhelos de cualquier purista, y su presencia en festivales de jazz es vilipendiada por los más radicales. Sin embargo, sólo hay que tener ojos y oídos para rendirse ante el arte de Cullum en sus conciertos.

El joven británico es un pianista competente y resultón (en el mejor de los sentidos), un showman de primera categoría y, sobre todo, un gran vocalista, con clase y personalidad. No domina el escenario, lo modela a su gusto tema a tema, pasando de un momento de ardiente espectacularidad a otro de íntimo recogimiento en cuestión de segundos. Improvisa aquí y allí con el piano, a veces de forma explosiva y efectista, pero siempre conecta con el público.

Esencialmente es un cantante de pop, sí, como si eso tuviese algo de malo. Para los talibanes del jazz (entre los que, en este asunto, no me incluyo en absoluto) tal vez sí, pero debe de ser porque no recuerdan a tipos tan respetables como Nat `King' Cole, Bing Crosby, Mel Tormé o Frank Sinatra, que no eran sino «Jamie Cullums» de su época y que, al mismo tiempo, están aceptados como personajes paralelos al jazz. Como el joven Cullum es humilde y buen tío (eso se ve a la legua), no le obsesionan mucho ese tipo de cosas. Actúa como alguien ajeno a todo lo que no sea disfrutar en el escenario y, especialmente, hacer disfrutar a la audiencia con lo que sucede en el mismo. Pregunten, si no, a cualquiera de entre quienes estuvieron la otra noche en Mendizorrotza, porque hacía años que el pabellón no vibraba como lo hizo con Jamie Cullum. No es jazz, ni falta que le hace.

Yahvé M. de la Cavada, 2011

Nota: Pinchando en la imagen puedes leer la crítica que escribí en 2008 sobre el concierto de José James en el Festival de Vitoria-Gasteiz de aquel año, publicada en su momento por Tomajazz.

Nota 2: Este artículo se publicó en el diario Gara con el título equivocado, utilizándose por error el título del artículo publicado el día anterior, también escrito por mí. En su publicación online el error fue aún mayor, ya que mi texto apareció junto a (pegado, más bien) otro publicado ese mismo día, con los dos títulos seguidos presidiendo la página. Aquí podéis ver dicha página, con la publicación original del texto reproducido en este post.

The Woody Shaw Concert Ensemble - At The Berliner Jazzstage (1976)

2011-08-01T18:00:00.001+02:00

Otra gran forma de recordar al gran Frank Foster, en su única grabación junto a uno de mis trompetistas favoritos de todos los tiempos, Woody Shaw.

El grupo se llama "Concert Ensemble" pero podría llamarse prefectamente "All-Stars", puesto que, además de Shaw y Foster, están Slide Hampton, Ronnie Mathews, Stafford James, Louis Hayes y el hijo de Jackie McLean, Rene McLean, que colaboró bastante con Shaw durante unos años.

El repertorio se compone de cuatro largos temas extraídos de un concierto que, presumiblemente, contuvo algunos más. Una pena que sólo se conserven estos cuatro, porque suenan realmente bien; Shaw está espectacular y todo el grupo le da bien fuerte.

Por cierto, Foster está particularmente brillante al saxo soprano.

Elvin Jones - Coalition (1970)

2011-07-30T14:00:00.001+02:00

Me da mucha pena que se haya muerto Frank Foster. Tenía edad y es lo natural, pero no quita que me provoque cierta sensación de "fin de una era".

Aparte de su larga relación con la orquesta de Count Basie, las colaboraciones más populares del saxofonista son las que le unieron al gran Elvin Jones. Coalition no fue la primera de ellas, ya que Foster ya había participado en el primer disco como líder del batería, Elvin! (1961), y en el Heavy Sounds (1968) co-liderado por Jones y Richard Davis, pero inició una colaboración que mantendría unidos regularmente a Foster y a Jones hasta finales de los 70, produciendo discos fabulosos como éste y unos cuantos más (ya comenté aquí hace tiempo uno de ellos).

La front line de Coalition está compuesta por Foster, que toca saxos tenor, alto y clarinete bajo) y George Coleman, que se limita al tenor. Con el poderoso contrabajo de Wilbur Little (¡ojo!) y el apoyo de Candido, Elvin Jones empuja a ambos saxofonistas como sólo él sabía hacer.

Desde las primeras notas de "Shinjitu" (y ese solo de clarinete bajo de Foster) hasta "Simone", original del saxofonista que permanecería en el repertorio de Jones durante años, Coalition es un álbum fascinante que merece la pena redescubrir.

Nota: en la portada del álbum, Jones aparece fotografiado junto a su mujer, Keiko, que es también la compositora de "Shinjitu". Durante años, fueron una de las parejas más entrañables del jazz.

XXXV Festival de Jazz de Getxo (1 al 5 de julio de 2011)

2011-07-27T23:45:00.002+02:00

Extraído de mi artículo para Cuadernos de Jazz:

"Así da gusto. La trigésimo quinta edición del festival internacional de jazz de Getxo ha sido la mejor que ha facturado el festival desde la de 2007, una de los mejores de la pasada década. El blues descacharrado de Aki Takase, la genialidad imperturbable del quinteto de Dave Holland y el aplomo de Branford Marsalis y su cuarteto han sentenciado algo que se está convirtiendo en norma: que Getxo puede dar muchas lecciones a sus hermanos, digamos, más grandes. Mayores no, desde luego."

"En Getxo, la pianista (Aki Takase) presentó un repertorio extraído de ambos discos y firmado especialmente por Waller y W.C. Handy, además de alguna composición original. Con improvisadores de esta categoría, la cosa no podía salir mal. Takase, Mahall y Dorner tuvieron intervenciones extraordinarias, mientras que Paul Lovens permaneció en cierto segundo plano y Chadbourne sufrió las inclemencias del técnico de sonido en su guitarra y banjo, destacando casi exclusivamente por su excéntrica forma de cantar."

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"Semejante principio de festival dio un inevitable frenazo en el concierto de Lee Ritenour, un guitarrista que estuvo de moda algo más de un cuarto de hora, allá a principios de los 80. Muy apreciado en EE.UU., Ritenour tiene un sentido del directo heredado del mainstream americano: antepone el show a la interpretación, sonríe mucho, habla con el público y, la verdad, en ese sentido se lo monta bien."

"Lo de Dave Holland es un caso aparte. Como Superman, nunca falla, y cuando acaba la película, la tierra ha sido salvada una vez más. Su quinteto es un arma infalible: una vez suben al escenario, la altísima calidad musical está garantizada como no ocurre con prácticamente ningún grupo del mundo."

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"Porque Chucho Valdés es un maestro en lo suyo, pero lo suyo no es la música. Este año vino con un grupo ligeramente más jazzístico (lo cual no es decir mucho) de lo habitual, pero sin nada demasiado destacable que ofrecer. El protagonista era Valdés y, cuando tocaba, lo único que hacía era ir escala arriba y escala abajo, siempre muy rápido y con muchas notas, y vuelta para arriba y vuelta para abajo."

"Cuando el cuarteto (de Branford Marsalis) se completó, el asunto se vino arriba, para empezar a caer tema a tema hacia abajo. Entiéndanme, el nivel del concierto fue medio-alto, pero la química del grupo con Jeff Watts no es la misma que con Justin Faulkner. El jovencísimo baterista está repleto de talento, pero le falta un poco de elasticidad y la capacidad de adaptarse a lo que ocurre sobre el escenario."

Puedes leer mi reseña completa pinchando AQUÍ o en las imágenes.

Nota: También recomiendo la lectura de la excelente crónica de los conciertos de Dave Holland y Branford Marsalis escrita por Juan Antonio Rico y publicada en Tomajazz.

Los primeros serán los primeros (27 de junio de 2011)

2011-07-25T20:00:00.000+02:00

Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com, sobre los conciertos de Blue Rodeo y Band Of Horses en el Azkena Rock Festival:

"Casi siempre pasa algo parecido en los festivales, que los conciertos más asombrosos acaban estando fuera del prime time. No es un alarde de esnobismo (los snobs no escuchan música en los festivales, sólo lucen palmito y afiliación a la tribu estético-musical de turno), sino una realidad tan simple como que, a veces, uno puede comer mejor en un restaurante sencillo, de menú, que en otro de renombre, a la carta.

En el Azkena Rock Festival de este año, ha resultado que algunos de los mejores conciertos han sido a primera hora, bajo el sol abrasador y con la losa del público vespertino, tan fiel como poco numeroso. Hace un par de días hablábamos del valiente concierto de Eels, pero más sorprendente aún que aquel, fue la impresionante actuación de Blue Rodeo programada a las 17:45 del pasado viernes.

A pesar de contar con casi 30 años de carrera a sus espaldas, Blue Rodeo siguen siendo relativamente desconocidos. Pertenecen a esa gloriosa generación que recibió las siglas NRA (nuevo rock americano) gracias a bandas irrepetibles como Green On Red, Long Ryders, Blasters, Beat Farmers, Dream Syndicate, Jason & The Scorchers, Del Fuegos y unas cuantas más, pero Blue Rodeo tiene un pequeño hándicap para ser considerados como una de aquellas bandas: que son canadienses."

Pinchando AQUÍ o en la imagen puedes leer el artículo completo.

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Queens Of The Stone Age reescriben la leyenda (26 de junio de 2011)

2011-07-22T13:00:00.001+02:00

Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com:

"Muchos recuerdan la actuación de Queens Of The Stone Age en 2005 como una de las mejores de la historia del Azkena Rock Festival, si no la mejor. Así lo han votado también los usuarios de la web del festival, y así ha quedado la leyenda. Quien esto escribe, que también estuvo en aquel concierto, afirma sin dudar que fue un evento histórico; uno de esos pocos, poquísimos conciertos que se instalan en la memoria como perfectos e insuperables.

La presencia de Queens Of The Stone Age en el cartel del décimo aniversario del festival quedaba plenamente justificada a cuenta de ese sentimiento generalizado, tal vez más que la de ningún otro grupo. Pero, si un concierto de hace seis años es recordado con tanta intensidad, resulta virtualmente imposible estar a la altura. Porque no basta con hacerlo igual de bien, sino que hay que enfrentarse a la perfección de entonces, engordada por la siempre distorsionadora memoria, que probablemente ha redondeado algo que ya era, de por sí, bastante redondo. La decepción parecía ineludible.

El pasado viernes, tras ochenta minutos de música ininterrumpida, la leyenda quedó reescrita. El concierto del 2005 fue apoteósico, sí. El de 2011 sonó tan perfecto como entonces, ni más ni menos. No hubo competencia entre el recuerdo y el momento vivido, porque ambos se fijaron instantáneamente en el olimpo de las experiencias musicales de un público en estado de shock."

Pinchando AQUÍ o en la imagen puedes leer el artículo completo.

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EELS: el placer de desconcertar (24 de junio de 2011)

2011-07-19T13:30:00.001+02:00

Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com:

"O más bien, el arte de desconcertar. Una práctica que fue ingrediente imprescindible del rock durante décadas y que ha quedado relegada a un segundo plano, porque, en el mundo de la masificación y globalización musical, hasta lo desconcertante está teledirigido e institucionalizado.

En realidad, hace ya mucho tiempo que desconcertar al público puede implicar un suicidio comercial y, en este mundillo, como en casi todos, lo que manda es la pasta. Así, entre músicos, discográficas, promotores y prensa musical hay una consigna callada pero ineludible: mantener las cosas en su cauce, sin sobresaltos y sin mosquear a la audiencia, que no está la cosa para arriesgar.

El concierto de EELS ayer en el Azkena Rock Festival fue un canto a ese desconcierto y al riesgo. Todo estaba en contra de la banda de Mark Oliver Everett: actuaban a primera hora de la tarde ante un público que, o no había llegado, o no les conocía. Pero jugaron fuerte y jugaron duro. Y ganaron."

Pinchando AQUÍ o en la imagen puedes leer el artículo completo.

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La broma (9 de mayo de 2011)

2011-07-12T23:45:00.000+02:00

Columna de opinión publicada en Cuadernos de Jazz el pasado 9 de mayo de 2011:

LA BROMA

Que Monk me perdone el hecho de citar aquella gran novela de Kundera en el título de esta columna, pero hay veces que hay que llamar a las cosas por su nombre. Y, viendo los avances de programación de muchos festivales de verano, uno sólo puede pensar que está ante una broma. Y de mal gusto, además.

Todos los años la misma historia. Llegan los festivales veraniegos y los aficionados al jazz se ven obligados a rebuscar entre la basura para encontrar una actuación destacable, un músico interesante o, más difícil todavía, algún gran nombre que no haya venido el año pasado, o el anterior, y el anterior y así hasta donde no llega la memoria. Siempre hay cosas interesantes, eso es verdad. Siempre hay algún o algunos conciertos que nos reconcilian con el festival que sea, entre otras cosas, porque no nos queda otra.

Ese es nuestro sino, y nuestro perfil en este asunto: el del aficionado potencialmente minoritario que no es público, sino excusa. Nuestro alimento, dos o tres conciertos por festival, como mucho. Somos pocos y pequeños y se nos concede en consecuencia. Eh, tampoco se les puede culpar. El compromiso de un gran festival con el fiel aficionado al jazz es mínimo, casi testimonial. Los aficionados no compran entradas o, al menos, no muchas entradas. No llenan polideportivos ni grandes auditorios y, cuando hay buenos conciertos de jazz por ahí, en más de una ocasión se roza el más absoluto descalabro económico. Así que, ¿qué compromiso se le puede pedir a un festival con este tipo de sujeto?

Eso sí, cuando uno tiene un festival de jazz, tiene un festival de JAZZ. Eso mola ¿verdad? Tiene un cierto aire intelectual y un toque cool que hace que suene mejor que otros eventos musicales. Es como tener un festival de música para gente lista. Y, si te gusta usar el término y ese tipo de representación, por el motivo que sea, si lo que quieres es tener un festival de jazz, lo mínimo es que programes jazz. Y no me refiero a lo que un señor engordado de ego y acostumbrado a manejar el cotarro entiende por jazz ni a lo que la gente de a pie entiende por jazz; ni siquiera a lo que le gustaría al aficionado más especializado. El compromiso es, única y exclusivamente, con la música. ¿O es que en los festivales no saben lo que es el jazz, ni que hay miles de músicos de todo el mundo que lo practican muy competentemente?

Lo sé, lo sé, el dinero. Ay, maldito dinero. Hay que ganar pasta y hay que salir en los medios y eso no se puede hacer con el jazz. Lo sé, es muy fácil atacar a los festivales sin alcanzar a entender el complejo engranaje de eventos de este tipo, las concesiones que hay que hacer para salir adelante y bla, bla, bla. Me sé la cantinela. La he escuchado un millón de veces entre lloriqueos más o menos creíbles y, la verdad, me da igual. O al menos, me da tan igual como el jazz a los programadores de muchos festivales. Así de igual.

Lo de montar un gran festival de jazz para después engrosarlo a base de todo tipo de géneros, presumiblemente comerciales, es traidor y poco elegante. Es como tener un prostíbulo, lo que viene siendo una casa de putas, y llamarlo club porque queda mejor. Y es verdad que queda mejor, pero lo que tienes, le llames como le llames, es una casa de putas.

Y, si me permiten continuar con el símil, como aficionado al jazz, cuando veo cada año la programación de los festivales veraniegos, me acuerdo de aquel dicho popular de “además de puta, poner la cama”.

Puedes leer la publicación original pinchando AQUÍ.

Angelica Sanchez - A Little House (2010)

2011-07-05T23:45:00.000+02:00

Extraído de mi reseña para Cuadernos de Jazz:

"Angelica Sánchez no es, ni mucho menos, una principiante. Hasta ahora podíamos considerarla una pianista interesante, con algunos discos prometedores y otras tantas colaboraciones destacables. Entre los primeros, Mirror Me, su debut, grabado en 2005 para Omnitone, Life Between, o los dos volúmenes de Alive in Brooklyn, co liderados junto a su marido Tony Malaby y al baterista Tom Rainey. En todos ellos percibimos a una pianista libre y ambiciosa que domina la interacción intuitiva y que es capaz de manejarse en diferentes contextos sin sonar a ningún referente concreto."

"Pero todo eso era hasta ahora. A Little House posiciona a Sanchez como una improvisadora original y atrevida que toca libre, sin atolondrarse, ni adscribirse a una corriente u otra. Puede comenzar un tema como una especie de Jarrett de primera época impregnado de Monk y acabarlo como una alumna de Paul Bley o evocar al maestro Nino Rota en la siguiente pieza. En A Little House, el silencio adquiere importancia y se cuela entre frases y pasajes para empujarlos. La música respira, calmada, y se enarbola cuando tiene que hacerlo."

Puedes leer la reseña completa pinchando AQUÍ.

Jon Lundbom & Big Five Chord - Quavers! Quavers! Quavers! Quavers! (2011)

2011-06-30T23:45:00.000+02:00

Como la música es una industria, siempre, hasta en los sectores más pequeños, hay cosas injustas. El jazz, que ya es un sector pequeño en cierto sentido, no se salva.

Una de las mayores injusticias que me han venido a la cabeza recientemente tiene que ver con el grupo del guitarrista Jon Lundbom. Ya he hablado de él por aquí más de una vez, y ahora tengo que volver a hacerlo.

Los Big Five Chord tienen nuevo disco y, como con casi todo lo aparecido en la factoría Hot Cup, es monstruosamente bueno. Sé que cuando algo me gusta tiendo a la hipérbole, pero os aseguro que no exagero.

La banda del guitarrista vuelve a beneficiarse de la presencia de Jon Irabagon, Bryan Murray, Moppa Elliott y Danny Fischer, pero la música que producen juntos no se puede atribuir principalmente a ninguno de ellos. Suenan tanto a grupo, a masa compacta, que sólo puede ser entendidos como unidad.

Como en toda gran banda, su nuevo disco parece mejor que los anteriores. Con el tiempo, la perspectiva pondrá a unos y a otros en su sitio, pero ahora mismo, Quavers! Quavers! Quavers! Quavers! parece insuperable. Hay evolución, hay temas y hay solos extraordinarios.

Lundbom toca más que en otros discos suyos y el disco se pasa en una exhalación, dejándo siempre con ganas de más, aunque sólo sea por la forma de cortar cada uno de los temas.

Creédme, si el mundo (¿la industria?) del jazz fuese justo, este grupo sería mucho más conocido.

Franco D’Andrea Quartet - Sorapis (2010)

2011-06-28T23:45:00.000+02:00

Extraído de mi reseña para Cuadernos de Jazz:

"Franco D’Andrea es un músico perfecto para un blindfold test. Es poco conocido para lo bueno que es, y su estilo personal y esquivo puede despistar con facilidad. Escuchándole, nadie diría que es un hombre de setenta años, y suena suficientemente personal como para situarse entre los que influencian a la mayoría. Volvemos a lo de siempre, si D’Andrea fuese norteamericano, no sería un desconocido para muchos y obras maestras como Eleven, Plays Monk o muchas de sus otras grabaciones en solitario estarían bien posicionadas entre los esenciales de muchos aficionados."

"El pianista se asegura de que Ayassot y la sección rítmica formada por Aldo Mella y Zeno De Rossi hablen su mismo idioma y participen de su música, un mosaico de improvisación a cuatro bandas llena de encuentros y de vuelos aparentemente solitarios pero definitivamente colectivos. D’Andrea siempre es una apuesta segura y Sorapis no defrauda: creativo, original y estimulante. Lo normal en uno de los grandes."

Puedes leer la reseña completa pinchando AQUÍ.

Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify (según país de residencia).

Dan Tepfer / Lee Konitz - Duos With Lee (2009)

2011-06-23T20:00:00.000+02:00

Para quienes solemos visitar cada año el Jazzaldia donostiarra, la noticia de que Dan Tepfer y Lee Konitz iban a sustituir al Quartet West de Charlie Haden fue realmente buena. Aunque tiene la friolera de 83 años, Konitz sigue tocando cosas muy interesantes, algo que no pueden afirmar tantos veteranos.

Recientemente hospitalizado, la edad y la enfermedad nos han arrebatado el que podría ser (Monk no lo quiera) el último concierto de Konitz en nuestro país.

Este disco, grabado en diciembre de 2008 (a excepción de un tema, de marzo de 2009), ofrece un retrato de lo que podríamos haber visto este año en San Sebastián. Konitz no está al 100%, pero sigue tocando a un enorme nivel, mientras que el pianista Dan Tepfer es uno de los nombres a tener en cuenta en el futuro. Escuchadlo y veréis.

Tepfer tiene ya tres discos con su trío, uno a piano solo y acaba de grabar también con el trío del batería George Schuller.

Bruce Springsteen - The Wild, The Innocent & The E Street Shuffle (1973)

2011-06-19T14:00:00.001+02:00

Este fue el principio de la E Street Band. Hoy, con la muerte de Clarence Clemmons, también es el fin de la mítica banda, en cierta forma.

Aparte de Garry Tallent, Clemmons era el único que estuvo en la banda desde el primer día hasta el último, y siempre fue uno de sus miembros más emblemáticos de la misma, llegando a ser la imagen (grande, imponente, negra y orgullosa) más representativa de la E Street Band.

The Wild, The Innocent & The E Street Shuffle también es el primer disco de Bruce Springsteen que tuve. Le tengo cierto cariño y la verdad es que no lo escuchaba desde hace más de una década.

No es mi favorito, pero es un gran disco.

Kristonfest: colega, ¿dónde está mi púa? (13 de junio de 2011)

2011-06-16T23:45:00.000+02:00

Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com:

"Juntos, pero no revueltos. Juntos y revueltos. Revueltos, y no demasiado juntos. Todo eso es precisamente lo que ocurre con tres bandas que este sábado prometen aplastar Bilbao. Down, Corrosion Of Conformity y Eyehategod son tres formaciones íntimamente ligadas, no porque hagan la misma música, ni mucho menos, sino porque comparten algunos miembros y varios fragmentos de su historia. Pepper Keenan, guitarrista de Down, fue durante muchos años guitarrista y vocalista de Corrosion Of Conformity, pero estos últimos se han reunido con una formación antigua, y no parece que haya el mejor rollo entre ellos. Afortunadamente, sí lo hay entre Down y Eyehategod, que comparten a Jimmy Bower, batería con los primeros y guitarrista con los segundos, además de haber hecho varias giras a la batería con Corrosion Of Conformity. Casi nada.

Todos ellos coinciden en el Kristonfest, un festival indoor creado por la promotora Noise On Tour y centrado en diferentes vertientes del metal, desde el sludge al stoner, thrash o hardcore. Originalmente planeado para dos días, la caída de cartel de Buckcherry (que actúan mañana, pasado y el sábado en Barcelona, Madrid y Pamplona, respectivamente) hizo que la organización concentrase a cuatro bandas en un solo día, programando uno de los mejores carteles de metal que ha tenido una sala de nuestro país en mucho tiempo."

Pinchando AQUÍ o en la imagen puedes leer el artículo completo.

Atomic - Theater Tilters (2009; ed. 2010)

2011-06-13T23:45:00.000+02:00

Extraído de mi reseña para Cuadernos de Jazz:

"Nuevo disco de Atomic. Como siempre, un gran disco. Como siempre, sí, porque Atomic siempre lo hacen bien, aunque siempre hagan lo mismo. Este tema es peliagudo con este tipo de grupos. Ocurre con el quinteto de Dave Holland, con el trío de Keith Jarrett o con los Vandermark 5. Todos sus discos son muy buenos, unos tanto como otros, aunque todos se manejen dentro de unos parámetros estéticos y estilísticos muy concretos. La evolución puede estar ahí (o no), pero siempre de manera implícita. Atomic funcionan tan bien que pueden situarse a la altura de estos y otros grupos de primera categoría. Sus virtudes son pocas pero importantísimas: todos los miembros del grupos son brillantes (no sólo buenos) y llevan tanto tiempo tocando juntos, como una unidad, que todo fluye de forma natural, hasta en los temas y arreglos más enrevesados."

"¿Qué tiene de especial su último disco? Nada, y todo. Theater Tilters es más redondo que casi cualquiera de sus anteriores álbumes. Más maduro que Feet Music, más centrado que Boom Boom, más compacto que The Bikini Tapes, más consciente que Happy New Ears! y menos disperso que Retrograde. Si alguna vez han sonado a uno de los mejores grupos de jazz de Europa (y del mundo), ahora lo hacen más que nunca.
¿Un disco más? Sí, pero es que es así de bueno. Y tampoco vamos a negarlo."

Puedes leer la reseña completa pinchando AQUÍ.

Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify (según país de residencia).

Paul Collins, el rey sin corona (13 de diciembre de 2010)

2011-06-09T23:45:00.001+02:00

Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com:

"Autodenominarse rey de un estilo puede ser, como mínimo, un tanto osado. Lo normal con esos “títulos” es ser nombrado por terceros, ya sea por la crítica, los medios o, mejor aún, los fans. Por otro lado, tratándose de Paul Collins resulta completamente natural la etiqueta de “King of Power Pop”, que también sirve de título a su último y fabuloso disco. Trece canciones de un nivel asombroso que rozan la perfección y que conforman uno de los mejores discos de 2010.

¿Es para tanto? La verdad es que sí. Más de 30 años después de aquel glorioso primer álbum de The Beat, Paul Collins regresa con más fuerza que nunca con un disco que juega en la misma liga que aquella pequeña obra maestra. Ha pasado el tiempo pero el nervio y el talento para escribir temas memorables siguen intactos. Sin embargo, a pesar de toda esa excelencia y de escribir algunas de las mejores canciones pop de las últimas décadas, Collins permanece en el underground más inexplicable. Un tipo sin suerte, dirían algunos. Una de esas injusticias de la historia del rock y de quienes, directa o indirectamente, la escriben."

"King of Power Pop es una especie de compendio de toda la carrera de Collins. Él mismo comenta en la carpeta del álbum que éste traza la línea entre sus diferentes bandas: los míticos Nerves, los Breakaways, The Beat y todo lo que vino después. Suena a retrospectiva (que no a recopilatorio) y escuchándolo es difícil creer que está grabado por alguien de 54 años. La energía que desprende en esos disparos en forma de canción de poco más de dos minutos es tremenda, con melodías vocales perfectas y guitarras tan pulidas como dinámicas.

Ya en su gira del año pasado junto al gran John Wicks (otro grande del power pop, líder de la banda The Records) y a Eric Blakely (guitarra solista, a su vez, de King of Power Pop!) se anticipaba ese renacimiento de Collins. Aparte del nombre de la gira (Power Pop Kings), la recuperación del maravilloso tema "Many Roads To Follow" (nunca grabado en estudio y cuya demo casera aparecía en la imprescindible colección de The Nerves, One Way Ticket) significaba esa vuelta a los orígenes sin dejar de mirar al futuro. Dicho tema ha sido grabado apropiadamente en King of Power Pop! y, de alguna manera, abre y cierra el círculo que se inició a mediados de los 70 y que nos lleva hasta hoy en día. Paul Collins suena más maduro que nunca, pero no ha perdido un ápice de frescura y de garra."

Pinchando AQUÍ o en la imagen puedes leer el artículo completo.

Ray Bryant meets Ray Brown + 1 - Double R B (1995)

2011-06-05T23:45:00.002+02:00

Ray Bryant es un pianista que escuché mucho en mi adolescencia, por eso le tengo un cariño especial y me ha entristecido su muerte, el pasado jueves.

Más versatil de lo que podría parecer en un principio, era el paradigma de pianista bopper infectado de enormes dósis de blues y gospel. Su pulsación podía ser firme y con un gran ataque, o relajada y soulful, pero siempre llena de swing.

En esta sesión de 1994, una de sus últimas en trío, Bryant está en plena forma. Con un repertorio lleno de clásicos interpretados con complicidad junto al gran Ray Brown y al "+1" (que no es otro que Lewis Nash), el pianista ofrece buena muestra de su versatilidad.

El álbum se abre con el clásico espiritual "Glory Glory" y se cierra con una versión del precioso "First Song" de Charlie Haden. No hay mejor forma de decir adiós a Bryant.

Ben Allison - Think Free (2009)

2011-06-03T23:45:00.000+02:00

Siempre me pregunto por qué Ben Allison no está tan considerado como otros. No sólo es un contrabajista muy personal, sino que su capacidad e identidad como compositor le sitúan, en mi humilde opinión, entre lo más destacado de los últimos años.

Siempre fiel a sí mismo, a su grupo de músicos habitual y al color con el que viste sus temas. Rupturista y traductor de varios géneros al suyo propio, Allison es una especie de Charles Mingus del siglo XXI.

Think Free está interpretado por una evolución de sus últimos grupos: se mantiene Steve Cardenas, Shane Endsley y Rudy Royston sustituyen a Ron Horton y Michael Sarin respectivamente, y entra el fabuloso violín de Jenny Scheinman, que también es la solista más interesante del disco.

Aunque no tan redondo como su anterior álbum, Little Things Run The World, Think Free sigue siendo una grabación fantástica. Con más toques de rock de lo habitual, las composiciones de Allison son las verdaderas protagonistas. La sonoridad del grupo y el desarrollo de los temas adquieren más importancia que los pasajes solistas, pero todo suena consciente y en su punto.

Da gusto escucharlo, y reescucharlo las veces que haga falta.

Jack DeJohnette Group - Sala de Cámara del Kursaal (21 de mayo de 2011)

2011-05-31T23:45:00.002+02:00

A continuación hay algunos fragmentos de mi reseña del concierto de Jack DeJohnette Group en San Sebastián, el pasado 21 de mayo, publicada recientemente en Cuadernos de Jazz.

Pero, antes de ello, quiero apuntar y dejar claro que hay una serie de cuestiones con respecto a este concierto que se han comentado de manera diferente en otro website, presuntamente dedicado a los comentarios y reseñas sobre jazz. Sin entrar en lo delirante de su análisis musical, realizado en función de la capacidad y perspectiva del comentarista, hay cosas que van más allá del juicio y entran en la simple observación, o competencia para reconocer lo que sucede en un escenario.

Sirva esta nota para afirmar que, si notáis faltas de concordancia entre mi reseña y otra que podéis leer por ahí, creedme, yo me haría caso a mí. Suena fatal, dicho así, pero hay que decir las cosas como son.
Yo no soy infalible, pero tengo ojos, oídos y sé lo que sé. Ni más, ni menos. Y cuando no sé, me callo.

Os dejo con los extracto de mi reseña, que podéis leer completa en la web de Cuadernos de Jazz.

"El Jack DeJohnette Group es una especie de evolución de otras históricas formaciones lideradas por el baterista, como Directions, New Directions o las diferentes encarnaciones de su Special Edition. Su presencia en San Sebastian se vio afectada por la ausencia del bajista Jerome Harris, que tuvo que faltar a la cita por asuntos familiares. Esa ausencia, que hubiese malogrado el concierto de muchos otros, sirvió para ver a una banda de élite adaptándose a las circunstancias y ofreciendo un recital variado y personal."

"DeJohnette anunció que el repertorio estaría compuesto de temas suyos de “el pasado y el presente…”, dejando inconclusa la frase para, tal vez, dejar que el público decidiese al final del concierto si el futuro sonó también. Así, el grupo comenzó atacando el clásico "One for Eric", tema dedicado a Eric Dolphy que abría aquel memorable Special Edition de 1979, con David Murray y Arthur Blythe a los saxos. Con este primer tema la banda mostró sus cartas y una identidad propia construida sobre el bagaje de sus miembros, indiscutiblemente amplio. Se intuían en todo momento ascendencias folclóricas, rockeras y modales, pero todas convivían en armonía en manos de Rudresh Mahanthappa, Dave Fiuczynski, George Colligan y el propio DeJohnette. Éste fue líder por su expansiva presencia más que por pasajes solistas, dejando bien claro quién mandaba allí, a golpe y porrazo. En ocasiones demasiado pero, normalmente, lo justo para constatar esa realidad"

********************

"Pero, en cierto modo, el triunfador de la noche fue Colligan. El pianista, rodeado de teclados, se las tuvo que ingeniar para acometer todo lo esperable de un pianista acústico, un teclista y la labor añadida de suplantar el bajo de Harris y de improvisar con la trompeta un par de solos más que remarcables. Aunque tal vez hubiese sido más normal que se ocupase Fiuczynski de este tema, fue Colligan quien pasó todo el concierto marcando los bajos con su teclado Nord, además de acompañar o solear con su mano derecha cuando le tocaba. Sólo cuando Colligan se dedicó a la trompeta, Fiuczynski acompañó con algunos tímidos acordes para no dejar desnudo el conjunto. Después del concierto, Colligan se reía ante la dificultad de haber afrontado la actuación en esas condiciones: “la hija de Jerome se graduaba hoy en Harvard”, dijo. “¡Creo que es un buen motivo para no venir a tocar!”

Puedes leer la reseña completa pinchando AQUÍ.

Los buenos tiempos... Han quedado atrás (Yahvé M. de la Cavada + Naiel Ibarrola)

2011-05-25T23:45:00.002+02:00

Hace años, el ilustrador Naiel Ibarrola y yo comenzamos a publicar una serie de cómics de dos páginas en la revista Cuadernos de Jazz. Yo escribía un guión y diseñaba algunas páginas realmente difíciles de materializar, aunque Naiel siempre conseguía hacerlo. En ocasiones reproducía mis dictados al dedillo y en otras cambiaba todo y componía una página completamente nueva. Fuera como fuera, el resultado siempre superaba mis expectativas, porque Naiel daba forma a la idea, convirtiéndola en algo digno de ver.

En el número 117 de la revista, publicamos un cómic llamado “Los buenos tiempos…”. El editor no lo sabía, pero mi intención era continuarlo en el siguiente número con otras dos páginas tituladas “…han quedado atrás”. El título es un guiño al fabuloso poemario de Dave Alvin llamado “Los malos tiempos ya han quedado atrás” (publicado en España por Gamuza Azul en 2001). La historieta habla de Gaspar Gimel, un personaje diseñado por Naiel que utilizamos en varias historietas, muchas veces sin concederle ningún protagonismo, tan solo una leve presencia.

Por circunstancias editoriales ajenas a nuestra voluntad, la segunda parte nunca se publicó, dejando la historieta original silenciosamente mutilada. Ahora hemos decidido publicarla en el blog ambos de forma simultánea, para que todos podáis ver el resultado original. Esto nos sirve, a su vez, para cerrar una etapa en la que nos devanamos lo sesos durante años para hacer un cómic creativo y original (¡en sólo dos páginas!) en cada número de Cuadernos de Jazz.

Tenemos planeado realizar un álbum que recopile todas las historietas publicadas en la revista, además de páginas inéditas, nuevas historias y material variado. Es cuestión de tiempo, pero confiamos en que el proyecto se materialice. Y pronto, a poder ser. Mientras tanto, aquí tenéis “Los buenos tiempos… Han quedado atrás”.

Yahvé M. de la Cavada, mayo de 2011

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Los buenos tiempos... (publicado en Cuadernos de Jazz nº 117)

...han quedado atrás (inédito)

El anochecer de los Kings Of Leon (21 de octubre de 2010)

2011-05-23T23:45:00.002+02:00

Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com:

"Hace un par de años salió Only By The Night, el cuarto disco de Kings Of Leon; un completo éxito que sonaba realmente bien y que alcanzaba ese equilibrio, aparentemente imposible, entre la banda americana que eran y la banda británica que parecían querer ser. Miraban a U2 y a otros referentes de conquista comercial, pero se mantenían relativamente cerca de quienes fueron.

Consiguieron su primer número uno en Inglaterra con el tema “Sex On Fire” y, de paso, un Grammy en 2009. Un año después, el segundo single del disco, “Use Somebody”, les dio otros tres. Todo parecía ir bien para ellos, hasta que hace unos días salió a la venta Come Around Sundown, un disco plomizo y decepcionante que muestra a la banda de los hermanos Followill en sus horas más bajas."

"Por eso la flojera de Come Around Sundown es aún más exasperante, porque Kings Of Leon podrían encarnar una rara avis en el mundo del rock: la del grupo que puede gustar a casi todos sin ser un producto eminentemente comercial. Encontrar esa formula, la de escribir canciones que no traicionen el propio espíritu y que, al mismo tiempo, sirvan para copar las listas de ventas, es algo destinado a muy pocos."

"Pero el gran fallo de este último disco (y lo que lo distancia tanto de su predecesor) es precisamente ese: las canciones. Come Around Sundown no tiene chispa, no engancha. Los temas parecen estar escritos en piloto automático, con una fórmula concreta (y muy simple) en la cabeza. Se van sucediendo los cortes y a mitad de disco uno se pregunta cuánto tiempo ha pasado y, peor aún, cuánto falta para que termine."

"Es innegable que suena muy bien, y la producción de Angelo Petraglia y Jacquire King sigue siendo impecable, pero da la sensación de que existe la intención de sustituir las buenas canciones por un exagerado mimetismo con los aspectos más banales del sonido de U2 y sus aspirantes más directos (Coldplay, etc)."

Pinchando AQUÍ o en la imagen puedes leer el artículo completo.

Joshua Redman / Aaron Parks / Matt Penman / Eric Harland - James Farm (2011)

2011-05-18T23:45:00.000+02:00

Extraído de mi reseña para Cuadernos de Jazz:

"James Farm es un grupo de jazz “moderno”, evolución de eso que tanto les gusta enseñar en Berklee. Escuchándolo uno tiene la sensación de que, tal vez, corra peligro de sonar acartonado dentro de unos años. Pero siempre es más saludable que los músicos toquen música de su época que el intentar reanimar inútilmente un hard bop que nunca será el suyo."

"Eric Harland es a la batería lo que Jason Moran al piano o Jon Irabagon al saxo; no le pierdan de vista. (...) Redman sigue tocando como es habitual en sus grabaciones, seguro y efectivo. En directo es cuando arriesga y, este grupo, por extensión, puede ser uno de esos que en disco no están mal y después, en directo, te dejan boquiabierto."

Puedes leer la reseña completa pinchando AQUÍ.

Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify (según país de residencia).

John McNeil / Bill McHenry - Chill Morn He Climb Jenny (2010)

2011-05-16T23:45:00.001+02:00

El veterano trompetista John McNeil ha encontrado un estupendo partenaire en Bill McHenry, un saxofonista que, aparentemente, está en otro lugar del espectro jazzístico.

Pero, eso que podría ser incompatibilidad, se convierte en auténtica virtud en este Chill Morn He Climb Jenny, una especie de continuación de Rediscovery, que fue la primera colaboración de estos músicos.

Grabado en directo en el encantador Cornelia Street Cafe -un pequeño local situado en el corazón del Greenwich Village neoyorquino-, este disco aúna la música de aquel famoso cuarteto que compartieron Gerry Mulligan y Chet Baker a principios de los 50, con improvisaciones más modernas.

Todo el álbum destila relajación y buen gusto, reinterpretando algunos viejos standards y otros temas de aquellos años no tan conocidos, como el "Wells Fargo" que grabó Wilbur Harden junto a John Coltrane, y hasta tres composiciones del gran Russ Freeman, un nombre inevitablemente asociado al Baker de primera época.

Así, esta especie de post-cool jazz (por buscarle una definición apañada) demuestra que se puede sonar clásico y moderno al mismo tiempo, y que dos músicos como McNeil y McHenry (para muchos, de segunda), pueden producir un disco excepcional.

Los autorretratos apresurados (14 de marzo de 2011)

2011-05-13T20:00:00.001+02:00

Extraído de mi columna de opinión para Cuadernos de Jazz:

"Siempre he defendido que el músico debe meditar su carrera discográfica, tenerla como algo serio y trascendente que es, inevitablemente, el retrato que mirará el público en el futuro para conocer su personalidad musical."

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"(...) uno puede tener miles de fotografías que documentan vivencias, familiares y amigos pero, a la hora de confeccionar un álbum de fotos, sólo las mejores encuentran lugar en él. Con las grabaciones, ese proceso de selección debería ser el mismo, aunque en los últimos tiempos parece que hay una peligrosa relación entre grabar y editar un disco.

Antiguamente lo uno no implicaba lo otro, como demuestran los centenares de grabaciones rescatadas, no siempre con justificación, de los archivos de las grandes multinacionales. Sin embargo, al músico de hoy en día no le resulta tan fácil seleccionar lo que graba, más allá de su propia capacidad y confianza en sí mismo. Pocos son los que entran a un estudio con la absoluta seguridad de poder producir una gran obra en las próximas horas. Si a eso añadimos que la gran mayoría de músicos afrontan personalmente la práctica totalidad del coste económico de sus grabaciones, la cosa se complica.

Es natural, dadas las circunstancias, que el músico de jazz se resista a renunciar al contenido de una grabación, aunque no sea todo lo exitosa o representativa que le gustaría. Por una parte porque, una vez hecha la inversión económica, parece un desperdicio dejarla en un cajón. Por otra, y como he comentado al principio, porque empieza a ser imperativo el tener una grabación publicada para conseguir trabajo."

********************

"Si eres joven, tienes talento y quieres tocar en directo con regularidad y en condiciones dignas, no te queda otra que tener un disco o un padrino. Y como lo segundo es más complicado, es normal ver el mercado inundado de novedades de jóvenes que lo hacen lo mejor que pueden, aunque no siempre sea suficiente."

Puedes leer la columna completa pinchando AQUÍ.

Imagen: portada de la edición de papel del número 121 (y último) de Cuadernos de Jazz (noviembre-diciembre 2010).

John Coltrane - At Temple University 1966

2011-05-08T15:30:00.000+02:00

No soy amigo de las grabaciones inéditas publicadas de cualquier manera, con sonido deficiente y afán oportunista, pero con At Temple University debo hacer una excepción. Primero, porque se trata de Coltrane, y segundo, porque las deficiencias de la grabación, menos acusadas que en otras ediciones de este tipo, no empañan la fabulosa música aquí contenida.

El concierto de Coltrane y su quinteto en la universidad de Temple refleja perfectamente la búsqueda del saxofonista en sus últimos días. Eso es, la búsqueda. Escuchad la improvisación de Coltrane en "Naima". Sólo por eso, ya merece la pena conseguir este disco.

Debo decir que lo primero que me animó a hacerme con esta grabación fue la excelente crítica de mi amigo Germán Lázaro, publicada en la web de Cuadernos de Jazz. Aconsejo leerla porque sus palabras son más útiles y reveladoras que mi humilde recomendación.

El giro que dio la música de John Coltrane en sus últimos años ha sido mil veces criticado (y malintepretado), pero este no es el momento ni el lugar de empezar con ese tema. Sé que hay quienes dan por cerrada la carrera del saxofonista en 1965. Ellos se lo pierden.

Don Cherry Quintets - Copenhaguen 1963 & Hilversum 1966 (ed. 2011)

2011-05-05T23:45:00.000+02:00

Extraído de mi reseña para Cuadernos de Jazz:

"Uno ve el material contenido en este disco y tiene la sensación de estar ante un hallazgo. Después, al escucharlo, es cuando llegan los disgustos. El primero, el más descorazonador, es el sonido. Las fuentes de las grabaciones aquí incluidas son sendas emisiones radiofónicas grabadas en su día en Dinamarca y Holanda. La primera suena relativamente bien, pero no es del quinteto de Cherry sino de los New York Contemporary Five (algo que sólo se indica en los textos de la carpetilla), un grupo liderado, en todo caso, por Archie Shepp. Señores, un poco de seriedad."

"Dada la época y los músicos envueltos en las dos grabaciones de este Quintets, es innegable que aquí hay material de primera -especialmente en la sesión danesa-, pero queda la sensación de estar ante piezas dispersas de un gran puzzle. ¿Inéditas? Sí. ¿Históricas? Por supuesto. Pero, con todo lo que hay editado por ahí, este disco sólo puede ser una opción para completistas y coleccionistas."

Puedes leer la reseña completa pinchando AQUÍ.

Kaulakau - In Fabula (2010; ed. 2011)

2011-05-01T12:00:00.002+02:00

Extraído de mi reseña para Tomajazz:

"Lo que hace Kaulakau no es fácil. Se trata de abrir fronteras sin invadir territorios, de dejar fluir los propios referentes sin dejar que se ahoguen entre ellos. De convivencia estilística y verdadera fusión, en el mejor sentido de la palabra. Los sonidos, tan personales, de la tenora de Jordi Molina y de la asombrosa zanfona de Marc Egea no salen de la casualidad o de un acercamiento parcial a las raíces, sino de la completa asimilación de estas y de una mezcla que, en su origen, ya se beneficia de la personalidad del grupo."

Puedes leer la reseña completa pinchando AQUÍ.

Kenny Barron & Ted Dunbar - In Tandem (1975)

2011-04-27T23:45:00.000+02:00

El dúo de piano y guitarra no está, ni de lejos, entre mis formaciones predilectas. Eso sí, de entre todos los discos con ese formato, éste es, sin duda, uno de mis favoritos.

Grabado en directo en 1975 en la universidad de Rutgers (donde ambos músicos enseñaban), In Tandem muestra a un Barron pletórico y al estupendo guitarrista tejano Ted Dunbar haciendo gala de su estilo rudo y excitante con toques de Wes Montgomery.

En realidad, el repertorio se compone de dos temas a dúo y dos en solitario, uno por cada uno de los instrumentistas.

Los dúos son una apabullante versión de "Summertime" y un original llamado "Aruba" construído sobre la clásica armonía de los "Rhythm Changes". Entre los temas en solitario hay que destacar un "Here Is That Rainy Day" a piano solo en el que Barron demuestra que, en forma, puede acercarse a Art Tatum si lo ve necesario.

Juraría que el disco no está reeditado en CD, pero la búsqueda del LP original de Muse merece la pena y no debería ser muy costosa.

Nota: No he encontrado una imagen de la portada en la red, así que el otro día le hice una foto casera a mi copia, que es la que ilustra el post. No soy fotógrafo. Se hace lo que se puede.

Stefan Karlsson - Smilin’ Eyes (2009; ed. 2011)

2011-04-23T23:45:00.000+02:00

Extraído de mi reseña para Tomajazz:

"Smilin’ Eyes es su primera grabación en solitario y nos descubre a un pianista completísimo, multirreferencial y elocuente. Karlsson parece tener un gran conocimiento de los clásicos y domina diferentes estilos, haciéndolos un poco suyos en cada interpretación."

"Puede homenajear a Erroll Garner en “How Deep Is The Ocean”, recordar a Chick Corea en “Smilin’ Eyes” o mostrar la influencia de Brad Mehldau en “Footprints” o “It Could Happen To You”, pero en ningún momento llega a sonar como un pianista impersonal."

Puedes leer la reseña completa pinchando AQUÍ.

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Iñaki Sandoval - Miracielos (2009; ed. 2011)

2011-04-21T23:45:00.001+02:00

Extraído de mi reseña para Tomajazz:

"Para casi cualquier pianista de nuestro país, grabar en trío con dos monstruos como Eddie Gomez y Billy Hart resultaría tan estimulante como intimidante. En sesiones como estas, en las que la rítmica lleva a la espalda capítulos enteros de la historia reciente del jazz, es donde se ve la talla de un intérprete."

"Lejos de mostrar tiranteces propias de una sesión apresurada, Miracielos suena a disco meditado e interpretado con gusto. No hay sobresaltos ni sorpresas, aunque tampoco uno espera eso en un disco del pianista."

Puedes leer la reseña completa pinchando AQUÍ.

Rudresh Mahanthappa & Bunky Green - Apex (2010)

2011-04-17T23:45:00.000+02:00

Extraído de mi reseña para Cuadernos de Jazz:

"Escuchando Time Capsule, uno de los estupendos discos que grabó Elvin Jones para el sello Vanguard en los 70, es fácil reparar en una voz que se alza original y desafiante: la del saxofonista Bunky Green. Éste acababa de regresar a los estudios pocos meses antes (después de diez años sin grabar) y su estilo era extraño y atractivo. No lo suficiente como para causar una revolución y generar seguidores, pero sí para llamar la atención de algunos músicos y aficionados.

Años más tarde, Steve Coleman y Greg Osby, dos de los saxofonistas más importantes de los 80 y los 90, le reivindicarían como una de sus principales influencias. No es para menos: Green está presente en el discurso de ambos saxofonistas, estableciendo entre ellos una conexión única"

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"El estilo de ambos saxofonistas es diferente, aunque complementario; Green suena más maduro, como no podía ser de otra forma, y Mahanthappa está en un momento de plena ebullición, atacando ideas desde diferentes perspectivas. Apex es una obra redonda, llena de relaciones y encuentros."

Puedes leer la reseña completa pinchando AQUÍ.

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Billy Bang Quintet - Invitation (1982)

2011-04-13T23:45:00.001+02:00

Hoy me he enterado de la muerte de Billy Bang. Sólo tenía 63 años.

Bang fue uno de los más grandes violinistas de vanguardia junto a Leroy Jenkins, de quien fue alumno en los años 70. Nacido en Alabama, se crió en el Bronx y en el Spanish Harlem y pasó una temporada en la guerra de Vietnam, experiencia que marcaría al violinista para siempre.

Su sonido hosco y personal está profundamente arraigado en el blues, con un toque carnal y agresivo que parece inspirado en maestros como Ray Nance o Stuff Smith.

Muchos recuerdan a Bang por sus discos con el String Trio of New York, del cual fue miembro fundador, y por pequeñas joyas como Valve No.10, Live At Carlos 1 o éste Invitation.

Invitation trata del respeto por la tradición, y lo hace a partir de un enfoque libre sin perder el toque clásico. El standard de Bronislaw Kaper y el clásico "Loverman" obtienen un tratamiento personal, al igual que los originales del violinista.

El grupo es un fabuloso all-stars de la vanguardia menos visible. Charles Tyler al alto y barítono, Curtis Clark al piano, y la rítmica perfecta de Wilber Morris y Dennis Charles. Con estos colaboradores la cosa no puede ir mal y, honestamente, la cosa suena tan bien como parece.

la muerte de Billy Bang pasará más desapercibida que la de otros, por diferentes e injustos motivos. Sirva esta entrada como pequeño homenaje y, también, para empujar a quienes no le conozcáis a descubrir a este fantástico músico.

Nas - Hip Hop Is Dead (2006)

2011-04-12T23:45:00.000+02:00

Pues a mí me suena bastante vivo y coleante. Y eso que éste ni siquiera es uno de los mejores discos de Nas. Pero el tío es muy bueno, incluso cuando no está al máximo.

Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify (según país de residencia).

Brad Mehldau piano solo - Ciclo 365 Jazz Bilbao (25 de marzo de 2011)

2011-04-10T12:00:00.000+02:00

Extraído de mi reseña para Tomajazz:

"Elegante y casual, casi trendy, Mehldau se sentó al piano como a él le gusta, con una mezcla de familiaridad y esoterismo. Su acercamiento al teclado recuerda inevitablemente al de Keith Jarrett, abstraído, místico. No tan extravagante pero (aparentemente) sí muy concentrado."

"A piano solo, las composiciones de Mehldau suenan más auténticas que en algunas de sus grabaciones, más ceñidas, tal vez, a lo que el pianista quiere extraer de ellas. Así, sin ser un compositor particularmente dotado, Mehldau brilló en el concierto también como autor, ya que varios temas suyos estuvieron entre lo mejor del recital."

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"El resto, según los estándares del pianista: tremenda técnica, escalofriante independencia de manos, ostinatos incansables y desarrollos que alcanzaron momentos gloriosos y que, ocasionalmente, traspasaron los límites de lo razonable entrando en el terreno de lo exhibicionista y lo autoindulgente. Mehldau es muy bueno, y lo sabe. Para bien y para mal. No hay evolución en su música, pero sigue exprimiéndola todo lo que puede."

Puedes leer la reseña completa pinchando AQUÍ.

The Roots - Phrenology (2002)

2011-04-08T23:45:00.000+02:00

Siempre que me preguntan por alguna banda o solista para empezar a escuchar hip hop recomiendo a los Roots. Cualquiera de sus discos, prácticamente, es perfecto para empezar.

Hoy he reescuchado Phrenology y, casi diez años después de su aparición, sigue siendo tremendo.

Ese sonido tan orgánico, tan característico, que aúna tradición con modernidad, la gloriosa batería de Ahmir "?estlove" Thompson, el rollazo que transmite Black Thought e invitados como Talib Kweli, Cody ChesnuTT, Jef Lee Johnson o James Blood Ulmer. Casi nada.

Hoy en día los Roots son, muy probablemente, la mejor banda de hip hop del mundo. Pura música negra.

Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify (según país de residencia).

Noah Preminger - Before The Rain (2011)

2011-04-06T23:45:00.000+02:00

El primer disco de Noah Preminger, Dry Bridge Road, causó cierta sensación en la escena underground neoyorquina, poniendo unos cuantos ojos sobre el joven saxofonista.

Hace un par de meses ha aparecido la segunda grabación de Preminger, esta vez en el sello Palmetto y con un acompañamiento de lujo. Frank Kimbrough (un pianista muy poco reconocido para lo bueno que es) y John Hebert ya estaban en Dry Bridge Road, pero en esta ocasión está a la batería el impresionante Matt Wilson.

Con una rítmica así sólo hay dos posibilidades: venirse arriba o palidecer ante acompañantes como esos. A Preminger, en cambio, no le pasa ninguna de ellas o, en todo caso, la primera.

Es cierto que el saxofonista no llega a despegar de manera apabullante, pero también es cierto que aguanta el tipo sin problemas. Es más, si algo se puede destacar del estilo de Preminger es la madurez que parece poseer, con conocimiento de la tradición, un sonido contemporáneo y una sana intención de salirse del tiesto.

Before The Rain no es un "ballad album", aunque haya momentos en que lo parece. El ambiente relajado y los sonidos aéreos de la grabación parecen señalar a la nocturnidad y a momentos de tranquilidad, aunque no falta tensión en varios temas del disco.

Chavales de veintipocos que parecen valores de futuro los hay, y muchos. Pero Noah Preminger tiene algo que les falta a muchos: que parece haber llegado ya a un lugar que otros sólo vislumbran en el horizonte. Veremos.

Nacho Vegas - La Zona Sucia (2011), por Álvaro Fierro

2011-04-04T19:00:00.004+02:00

Retomo las firmas invitadas en este blog con un disco atípico, pero con un firmante muy interesante. A los que acostumbráis a leer sobre música os sonará, muy probablemente su nombre. Álvaro Fierro escribe regularmente en Ruta 66 y Mondo Sonoro, y también se le ha visto por las páginas de Efe Eme o Entzun pero donde más se le ve es a pie de escenario, disfrutando de la música.

Álvaro encarna la figura del cronista que escribe por pasión y con el mismo amor que profesa por la música, una especie que parece en extinción en estos tiempos cínicos, llenos de revistas y publicaciones parciales y redactores compromisarios. Unos cuantos más como él no nos vendrían mal.

Álvaro Fierro: Nacho Vegas - la Zona Sucia (2011)

Te diré entre tú y yo/ que me dan miedo las tormentas/ que ahora sé que una se acerca/ que en el cielo habrá un temblor. Así comienza “Cuando Te Canses de Mí” y La Zona Sucia (Marxophone/ I´m an Artist), el último ejercicio de catarsis compartida de Nacho Vegas. Compartida porque llena salas aunando a un público dividido a priori, estereotipado, que colabora con que uno se autoarme de prejuicios –que siempre son divertidos– y que, por ello, amplifica el efecto sorpresa.

Así lo vio el abajo firmante en El Manifiesto Desastre (Limbo Starr, 2008), resorte que impulsó la investigación de su trayectoria, ya galvanizada, en la retina del que escribe estas palabras. Empieza y se desarrolla como de costumbre, a corazón abierto, confesando lo que sólo se confiesa en sordina, suscitando empatías y susurrando aguardentosamente letanías envueltas en experiencias, y viceversa, como lo plasmado en la identificable "Me decías": "lo que media entre tú y tu soledad/ es un trecho que no puedo abarcar".

La idiosincrasia de una voz de la que él mismo no se siente orgulloso pero, en boca de otro, estas invocaciones no resultarían creíbles. Una manera de cantar que en ocasiones hasta parece acongojarse, a la que se le corta la dicción de la emoción (o eso parece, o nos gustaría que pareciese), soslayando, no obstante, los límites sensibleros, sin caer en la propia conmiseración.

Un francotirador de los sentimientos bajo una personalidad frágil, un tipo callado con imán, honesto, de los que en persona, sin conocerle, parece cumplir esa máxima de André Malraux de que la verdad de un hombre reside, sobre todo, en lo que calla. Y la madurez de alguien que ya nació adulto se materializa ahora en diez canciones donde sus clichés patrios siguen presentes (las menciones en el corte inicial a La Lloca y El Musel, o la versión actualizada de la canción tradicional asturiana “Taberneros”) y el amor castrado como tema universal, omnipresente y todopoderoso.

Por que las letras salen de lo malo, de antiguas adicciones; la inspiración se recoge quemándote en los “Incendios” (Y dime, amor, si estás ardiendo/ y si es que puedo aliviarte yo), o rodeándose de coros de infantiles para inyectar carácter de cuento a las desgracias –“Perplejidad”, “Lo Que Comen Las Brujas” – aunque en la primera rime desatino con destino. Una decena de canciones, ni nueve ni once, ponderando pues la tristeza con acierto, sin dejar, por tanto, con ganas de más ni de menos.

Álvaro Fierro, 2011

Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify (según país de residencia).

David Murray Cuban Ensemble - Plays Nat King Cole En Español (2010)

2011-03-30T23:45:00.002+02:00

Para hacer un disco como éste hay que valer. Para hacerlo bien, digo. Casi me atrevería a decir que, para hacer un disco como éste, hay que ser David Murray. Y no sólo porque es uno de los mejores saxofonistas vivos o porque, a lo largo de toda su carrera, se ha atrevido a trabajar con muy diferentes músicas, casi siempre con éxito. El principal motivo de que Murray pueda desarrollar conceptos tan arriesgados (casi delirantes) como estos y crear una gran obra es que su acercamiento a diferentes estilos siempre es respetuoso y personal. El resultado es música 100% Murray que, al mismo tiempo, honra los orígenes de la inspiración del saxofonista.

Plays Nat King Cole En Español viene firmado por el Cuban Ensemble de Murray, un grupo de músicos entre los que hay que destacar a Ariel Bringuez, Román Filiú, Pepe Rivero y Reiner Elizarde (todos ellos muy activos en la escena madrileña). El primero en "Black Nat" y el segundo en "Cachito", tienen intervenciones solistas destacables. Además, no hay que olvidar que no es la primera vez que Murray trabaja con Filiú y Elizarde, que ya aparecían en discos del saxofonista como Waltz Again o Now Is Another Time.

Precisamente esa grabación de Murray con su Latin Big Band es uno de los pocos precedentes que muestran al saxofonista en un contexto latino. Aunque a nivel de arreglos Plays Nat King Cole no es un disco tan ambicioso, la mezcla del Cuban Ensemble con las cuerdas de la Sinfonieta de Sines está escrita con gusto y, lo que es más importante, funciona.

Otra diferencia es que Now Is Another Time contaba con más solistas (algunos, titanes como Hugh Ragin, Craig Harris o Hamiet Bluiett) que Plays Nat King Cole, el cual tiene en Murray a su principal protagonista. Eso sí, un protagonista que está perfecto en cada improvisación. Perfecto.

Lo único que se le puede reprochar al álbum es que el inquietante vocalista argentino Daniel Melingo sólo intervenga en dos temas. Su estilo arrastrado y cavernoso es uno de los highlights de la grabación y, su versión de "Quizás, quizás, quizás", uno de los temas del año.

Plays Nat King Cole En Español mantiene el altísimo nivel de la carrera de un David Murray que no deja de grabar grandes discos (algo muy serio para él, tal y como comenta en la entrevista publicada recientemente en Cuadernos de Jazz). Éste en concreto es, además, un prodigio multicultural a nivel técnico: grabado en Buenos Aires y en Sines (Portugal), mezclado en Paris y masterizado en Londres. En el rock es algo habitual pero, ¿en el jazz? Eso es tomárselo MUY en serio.

Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify (según país de residencia).

Kaulakau - Bernoiver (2007)

2011-03-28T13:30:00.000+02:00

Extraído de mi reseña para Tomajazz:

"(...) en este disco hay folklore y hay jazz, como también hay música medieval, experimentación y decenas de matices que enriquecen cada segundo de grabación. Tampoco quiero dar una impresión equivocada, presentando Bernoiver como un batiburrillo de tendencias sin orden ni concierto. Todo lo contrario, la música aquí contenida es digna de figurar entre las mejores grabaciones recientes que conjugan el jazz con cualquier folklore del mundo."

"Por otro lado, Jordi Molina es un virtuoso de la tenora (instrumento tradicional catalán con un sonido cercano al del oboe, aunque con un registro algo más grave), que utiliza para improvisar algunos solos escalofriantes. Escuchándole uno no puede evitar pensar que si Coltrane estuviese vivo, tras escuchar este Bernoiver, querría agenciarse una tenora cuanto antes. "

Puedes leer la reseña completa pinchando AQUÍ.

El blues de Gregg Allman (27 de enero de 2011)

2011-03-23T23:45:00.001+01:00

Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com:

"Casi todas las viejas glorias de los 60 y 70 acaban haciendo un disco de blues. Parece una especie de trámite de madurez, un soplo de categoría en carreras que, en ocasiones, han quedado estancadas. Ese tipo de proyecto resulta más natural en músicos como Gregg Allman, alguien que ha nutrido su carrera de ramificaciones del blues y de un southern rock infestado de pentatónicas, estructuras sencillas y guitarristas particularmente hábiles en ese campo.

Con 63 años a la espalda y todavía liderando una de las mejores versiones de la Allman Brothers Band, el hermano que siempre estuvo a la sombra del mítico Duane Allman ha hecho su mejor jugada en décadas: contratar a T-Bone Burnett para sacarse un gran disco de la manga en la que, a estas alturas, no parecía que le quedase nada."

***************

"Sea por el motivo que sea, lo último de Gregg Allman podría ser lo mejor que ha hecho desde aquel "Laid Back" que grabó el mismo año en que salió el primer disco de la Allman Brothers Band sin su hermano Duane. Gregg nunca tendrá el talento o el carisma de éste, ni llegará a desarrollar una gran personalidad, pero hay algo que no se le puede negar: tiene la autenticidad de quienes han estado ahí durante décadas, presenciando en primera fila el crecimiento y evolución del rock americano. No será genial, pero es historia."

Pinchando AQUÍ o en la imagen puedes leer el artículo completo.

Javon Jackson - Good People (1997)

2011-03-21T23:45:00.003+01:00

Siempre he tenido cierta manía a Javon Jackson, por motivos irrelevantes y completamente irracionales. Hoy, de manera fortuita, he decidido reescuchar alguno de sus discos que tengo en casa desde hace años cogiendo polvo entre títulos más transitados.

Pues bien, resulta que este Good People es un disco destacable, con varias cosas de interés. Para empezar, Craig Street está a la producción. Además, en la rítmica están Billy Drummond, Peter Washington y Cyro Baptista. Y, para completar la lista, John Medeski al hammond y Fareed Haque y Vernon Reid alternándose a las guitarras. Tela.

Con estos músicos es dificil no hacer algo con sentido, y Jackson lo aprovecha. Él en concreto tiene buenos momentos y algunos otros algo más soso pero, gracias a un repertorio interesante y a las diferentes combinaciones de músicos en unos y otros temas, el disco se hace muy ameno.

Habrá que seguir redescubriendo a Jackson.

Nota: pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify (según país de residencia). Recomiendo particularmente el tema que da título al disco, "Good People".

Paal Nilssen-Love / Ken Vandermark - Chicago Volume (2007; ed. 2009)

2011-03-18T23:45:00.001+01:00

Por mucho que me gusten (que es mucho), cuando aparece un nuevo disco a dúo de Ken Vandermark y Paal Nilssen-Love, tiendo a pensar que me encontraré ante más de lo mismo. Buenísimo, sí, pero sin sorpresas.

Hace algo más de un año aparecieron dos nuevos discos a dúo de estos dos gigantes de la improvisación: Milwaukee Volume y este Chicago Volume. Al igual que Seven y los dos volúmenes de Dual Pleasure, fueron editados por Smalltown Superjazz.

Con sólo tres temas grabados en directo en el Hideout de Chicago, este disco confirma que lo que hacen juntos Vandermark y Nilssen-Love es pura magia. Más de sesenta minutos de creatividad máxima y alta intensidad lo avalan.

Lo dicho, tomando distancia puede parecer que uno va a encontrar lo de siempre con esta pareja pero, una vez empiezan a tocar, es como si fuese la primera vez.
Que vengan todos los que hagan falta.

Nota: Pinchando en la portada puedes, y debes, escuchar el disco en Spotify (según país de residencia).

The Keystone Quartet - A Love Story (1998)

2011-03-16T19:00:00.001+01:00

Siempre se me olvida lo condenadamente bueno que es Cyrus Chestnut. No parece destacar mucho entre los pianistas de su generación, pero no hay duda de que es uno de los mejores. También es de los pocos que han tomado influencias menos habituales (moviéndose comodamente entre tradición y modernidad) y uno de los que suena más "negro".

The Keystone Quartet es un grupo montado por el productor Todd Barkan para esta grabación, que estaba destinada al mercado japonés (posteriormente la editó en EE.UU. el sello 32 Jazz). Lo de "quartet" sólo es para la mitad del disco, ya que el saxofonista Eric Alexander sólo aparece en los temas impares. El resto está protagonizado por el trío de Chestnut, George Mraz y Lewis Nash, todos ellos perfectos.

Alexander es uno de los mejores tradicionalistas de su instrumento y lo hace muy bien, pero en los temas en trío Chestnut brilla con luz propia. No sé si será por la tranquilidad que da la ausencia de liderazgo, pero el pianista toca con gran relajación, manteniendo la atención del oyente sin problema.

La portada es... Bueno, el disco está muy bien.

Nota: Hace poco se reeditó el disco con otra portada, menos sonrojante que la original pero un tanto desafortunada: muestra las manos de un pianista... blanco. En fin...

Nota 2: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify (según país de residencia).

Johnny Griffin - NYC Underground (1979)

2011-03-13T23:45:00.002+01:00

Escuchando hoy este disco de Johnny Griffin he recordado un concierto suyo en el que estuve hace años, del que guardo buenos recuerdos.

Al mismo tiempo, hace un par de días estuve reescuchando a Ronnie Mathews (pianista de Griffin en NYC Underground), otro músico del que tengo un gran recuerdo en directo. Ambos murieron con menos de un mes de diferencia durante el verano de 2008.

Mientras sonaba NYC Underground esta tarde, he pensado en ellos y en las veces que he visto a Ray Drummond y a Idris Muhammad (que completan el cuarteto de Griffin en la grabación), a quienes, afortunadamente, aún tengo tiempo de volver a ver en directo.

El disco es lo que es, ni más ni menos. Puro jazz grabado en el Village Vanguard a finales de los setenta, por un cuarteto de músicos de primera. No es genial, pero es auténtico.

Y, treinta años después, suena más fresco que la mayoría del hard bop que se graba hoy en día.

Robyn Hitchcock - Propellor Time (2010)

2011-03-12T23:45:00.003+01:00

Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com:

"Discos como Propellor Time son un auténtico soplo de aire fresco. En cierta forma, sirve para devolvernos la fe en las canciones y en la música que suena sencilla, aunque tenga cosas complicadas en su interior.

Robyn Hitchcock ha publicado en 2010 uno de sus mejores trabajos y, de paso, una de las joyas discográficas del año.

Los invitados estelares (Johnny Marr, John Paul Jones, Chris Ballew, Nick Lowe…) son sólo un complemento a sus fieles Venus 3.

Estos, a su vez, son una especie de escisión de R.E.M. o incluso una escisión de una escisión, ya que tanto Peter Buck como Scott McCaughey (Young Fresh Fellows) y Bill Rieflin (ex-Ministry) también coinciden en The Minus 5, otro proyecto paralelo a la mítica banda.

Esa familiaridad se transmite completamente al oyente, que tiene la sensación de estar ante un disco grabado, sobre todo, entre amigos. Por eso es tan natural y suena tan relajado. Y además, no contiene un solo tema que no merezca la pena."

Pinchando AQUÍ puedes leer el artículo completo.

Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify (según país de residencia).

David Murray and friends - MX (1992)

2011-03-09T23:45:00.002+01:00

Este homenaje a Malcolm X es uno de los discos que David Murray grabó para Red Baron, el último sello fundado por Bob Thiele.

El grupo no puede ser más interesante: al cuarteto de Murray, con John Hicks, Fred Hopkins y Victor Lewis, se unen el fantástico trompetista Bobby Bradford y un Ravi Coltrane casi debutante.

Hay que apellidarse Coltrane para, en una de las primeras sesiones de su carrera, tocar el tenor mano a mano con David Murray y salir indemne. Los estilos de ambos saxofonistas son casi antagónicos, así que la cosa funciona perfectamente.

El repertorio está basado en temas sencillos y algunos blues, con la sospechosa autoría de Thiele revoloteando por encima de algunos de ellos. De todas formas, con solistas como estos, las composiciones son lo de menos.

Como muchos de los discos de Red Baron, la grabación es un tanto particular, con los saxos separados drásticamente por canales y una mezcla extraña, propia de primeros de los 90.

Tanto da, la música merece la pena. Murray siempre es una garantía.

Scott Colley - Empire (2009, ed. 2010)

2011-03-07T20:00:00.000+01:00

Extraído de mi reseña para Cuadernos de Jazz:

"Empire es un disco excelente pero la temática de la que parte ha sido tratada tantas veces por Frisell con sus grupos que en ocasiones suena a ya escuchado. Taborn, Alessi y Blade son los que hacen cosas realmente remarcables pero, en conjunto, Empire no tiene la fuerza de otros álbumes del contrabajista como Portable Universe o Architect of the Silent Moment. Aún así, es un gran disco."

Puedes leer la reseña completa pinchando AQUÍ.

John Hicks with David Murray - Sketches Of Tokyo (1985)

2011-03-04T23:45:00.000+01:00

El saxofonista David Murray se ha prodigado mucho en cuanto a dúos con piano, formato en el que parece sentirse muy cómodo. En su discografía podemos encontrar varios discos memorables con Dave Burrell o Aki Takase y, más puntualmente, junto a Mal Waldron, Randy Weston, Georges Arvanitas o Donald Fox.

Curiosamente, uno de los pianistas que más han trabajado con Murray, John Hicks, es el anfitrión del saxofonista en este Sketches Of Tokyo. Ambos músicos ya habían grabado juntos en Morning Song, un disco de David Murray publicado por Black Saint poco antes.

A partir de ese momento, Hicks fue el pianista más regular de los cuartetos de Murray durante años, y juntos produjeron más de una decena de álbumes fabulosos para diferentes sellos.

Sketches Of Tokyo es uno de los mejores dúos que ha grabado nunca Murray. Ambos instrumentistas se entienden a la perfección desde el primer momento, alcanzando momentos de auténtica belleza. Escuchándoles, uno tiene la sensación de que llevan toda la vida tocando juntos.

El disco se abre con un "Epistrophy" a piano solo y continúa con un par de originales, una extensa reinterpretación de "Naima" y el tema más destacable del álbum: una preciosa versión de "God Bless The Child".

Lo único malo de Sketches Of Tokyo es que no tuvo una secuela. Afortunadamente, nos quedan unas cuantas grabaciones de Hicks y Murray en cuarteto.

Matthew Shipp - Nu Bop Live (2004; ed. 2009)

2011-03-01T23:45:00.000+01:00

Le debo una disculpa a este disco.

Matthew Shipp es uno de los músicos a los que sigo de forma bastante incondicional y, saque lo que saque al mercado, intento hacerme con ello cuanto antes.
Escuché Nu Bop Live parcialmente cuando lo compré y no me llamó la atención, haciéndo que lo tuviese como un directo intrascendente (algo poco habitual con estas ediciones de Rai Trade) y una obra menor en la carrera de Shipp.

El disco, como su propio título indica, es un directo de la gira de Nu Bop, un álbum muy interesante editado por Thirsty Ear. El grupo es incontestable: Shipp, William Parker, Guillermo E. Brown y el gran Daniel Carter. Nada que decir, todo primera categoría.

Reescuchándolo ahora he descubierto un gran disco y un directo vibrante que documenta y complementa un proyecto importante de Shipp. Las piezas fuertes son la que abre el concierto, "Nu Bop", y los 25 minutos de "Nu Abstract" en los que el grupo va desgranando momentos realmente buenos.

Intercalados entre estos temas hay algunos solos de uno u otro miembro, entre los que hay que destacar "From The Otherside Of Anywhere", todo un tour de force de Brown en el que mezcla hábilmente su batería con loops y electrónica.

Un buen disco, no cabía otra opción. No debí dudar de él.

The Wave Pictures - Susan Rode The Cyclone (2010)

2011-02-27T23:45:00.001+01:00

Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com:

"The Wave Pictures son tan buenos que hay que impedir cuanto antes que nos los roben los trendys y los modernos (y ya están en ello). Porque suenan crudos y auténticos, porque hacen una música sin complejos y porque tienen canciones realmente buenas.

Susan Rode The Cyclone no es tan bueno como el impresionante Instant Coffee Baby, pero sí bastante mejor que su anterior álbum, If You Leave It Alone.

Después de más de diez años entre el do it yourself y el ascenso underground paso a paso, la banda suena estimulante y diferente, con destellos de influencias tan diferentes como los Smiths, Jonathan Richman, los primeros Violent Femmes, Dire Straits o Townes Van Zandt.

Que lo que leáis por ahí no os confunda: estos tíos son de verdad. Y David Tattersall, por cierto, es uno de los mejores y más originales guitarristas que han aparecido en tiempo."

Pinchando AQUÍ puedes leer el artículo completo.

Joe McPhee & Dominic Duval - The Dream Book (1998)

2011-02-24T23:45:00.000+01:00

Aunque sólo sea por las horas que han pasado tocando juntos en el Trio X, Joe McPhee y Dominic Duval son un ejemplo de compenetración máxima.

The Dream Book se grabó en la Knitting Factory neoyorquina en agosto de 1997, con McPhee tocando exclusivamente saxo alto y pocket trumpet. El disco está centrado en Ornette Coleman, y cada uno de los temas (todos son originales de McPhee y Duval) está dedicado a algún músico de la esfera del saxofonista: Haden, Redman, Moffett, Izenzon, Cherry, LaFaro...

Por otro lado, McPhee comenta en las liner notes que los títulos fueron inspirados por pinturas e ilustraciones de Helen Douglas, autora a su vez de la portada del CD.

McPhee siempre está soberbio tocando a dúo, y este es uno de sus mejores grabaciones con un contrabajista, de entre lo que yo conozco y recuerdo. Música libre y reflexiva que merece ser escuchada con atención.

Steve Lacy - At The New Jazz Meeting, Baden Baden 2002 (ed. 2006)

2011-02-21T23:45:00.000+01:00

Un disco extraño, pero fascinante. Lacy, menos de un año y medio antes de morir, seguía en la más absoluta vanguardia, investigando y experimentando como hasta entonces.

Grabado en estudio (a excepción de un tema en directo, con Lacy solo al soprano), el disco se compone de tomas en cuarteto, trío o dúo. Lo especial está en los músicos implicados: además de Peter Herbert y Wolfgang Reisinger al contrabajo y batería respectivamente, Philip Jeck está a los platos (turntables) y Christof Kurtzmann y Bernhard Lang a la electrónica y efectos.

Así, hay un tema en el que Lacy sólo se acompaña de Jeck y Lang y otro en el que está a dúo con Jeck. La creatividad del saxofonista se ve estimulada por un contexto tan diferente, produciendo momentos realmente especiales.

Si alguien tenía alguna duda de que Lacy es uno de los más grandes improvisadores de todos los tiempos, he aquí otra prueba de ello.

Method Man, Ghostface Killah & Raekwon - Wu-Massacre (2010)

2011-02-19T23:45:00.002+01:00

Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com:

"El mejor disco de hip-hop de 2010 es, con toda probabilidad, How I Got Over de los Roots (con My Beautiful Dark Twisted Fantasy de Kanye West y Sir Lucious Left Foot de Big Boi pisándole los talones).

Dicho esto, debo destacar uno de esos discos que pasa desapercibido para muchos aficionados a pesar de ser realmente bueno. Wu-Massacre, con su portada freak ilustrada por Chris Bachalo y su aire gangsta, es uno de los mejores discos que ha dado el colectivo Wu-Tang Clan en bastante tiempo.

Aunque Method Man, Ghostface Killah y Raekwon tienen sus respetivas carreras en solitario desde hace años, esta colaboración les convierte en una especie de grupo-apéndice del Clan. Suenan perfectamente ensamblados, como es natural, y hay viejos conocidos en la producción (RZA, Mathematics, Scram Jones...) que sacan de los tres raperos lo mejor de aquellos primeros años noventa en los que el Wu-Tang Clan brilló como nunca.

Siguen siendo una de las mejores bandas de hip-hop del mundo, vayan todos juntos o de tres en tres."

Pinchando AQUÍ puedes leer el artículo completo.

Rez Abbasi - Thing To Come (2010)

2011-02-17T23:45:00.001+01:00

Extraído de mi reseña para Cuadernos de Jazz:

"El binomio Rudresh Mahanthappa-Vijay Iyer, instrumentistas personales donde los haya, se pone a las órdenes de Abbasi y dan lo mejor de sí sin apabullar o llevar la música a su terreno. (...) El guitarrista está a la altura de sus ilustres compañeros, soleando con buen gusto y firmando un puñado de composiciones situadas en el jazz más contemporáneo. Además de la poderosa sección rítmica, la presencia de Kiran Ahluwalia enfatiza las raíces hindúes comunes a los tres solistas sin incurrir en la folclorización forzada o en arrebatos de tipo world music."

Puedes leer la reseña completa pinchando AQUÍ.

Cuadernos de Jazz versión 2.1 (2 de febrero de 2010)

2011-02-14T02:00:00.000+01:00

Este humilde blog está a punto de cumplir las 100.000 visitas, algo que es importante para mí. Sólo para mí, en realidad. Pero, para quienes escribimos sobre música, es agradable sentir el apoyo y el hecho de que le lean a uno.

100.000 visitas después, mi único interés sigue siendo (intentar) dar a conocer música, compartirla y comentarla. A ver cómo voy dentro de otras 100.000.

Creo que el texto más adecuado para que corone esta pequeña celebración es éste. Lo escribí a colación del cierre de la edición en papel de Cuadernos de Jazz y se publicó en el blog de ELPAIS.com Muro de Sonido.

Gracias a todos por seguir ahí.

CUADERNOS DE JAZZ VERSIÓN 2.1 (extractos)

"Uno nunca sabe si el jazz está de moda o de capa caída. Su presencia en los medios siempre es engañosa y resulta difícil discernir si convive con las últimas tendencias o si permanece en una madriguera cultural apartada de la abarrotada autopista del ocio popular.

La prensa y una cierta animosidad por parte del público hacen que se le tenga el respeto que se tiene a un profesor: se reconoce su valía, se le tiene como a una eminencia, pero no es alguien con quien te irías de fin de semana. Mirando las agendas culturales no cabe duda de que se programa mucho jazz por todo el país, es decir, que se invierte dinero público en él. Un vistazo más profundo a esas agendas revelan que, aunque hay jazz en directo en cantidades generosas, se programa sin rumbo, dirigido por responsables que no saben lo que hacen más allá de imitar al vecino de enfrente o acercarse de forma becerril a lo que, supuestamente, garantice un cierto éxito comercial y una buena cobertura mediática.

El aficionado al jazz (que existe, no os quepa duda) es una minoría en nuestro país mucho más que en otros. En España nunca hemos tenido una gran tradición jazzística y estamos varias décadas por detrás de la mayor parte de países europeos en casi todo lo relativo a esta música. Lo único de lo que podemos alardear es de dos o tres festivales importantes (más históricos que trascendentes a nivel musical), de algunos músicos internacionales y de la revista Cuadernos de Jazz, una publicación especializada con más de veinte años a su espalda que hace unas semana anunció el cierre de su edición en papel."

"Es lo normal dados los tiempos que corren, y tampoco es cuestión de rasgarse las vestiduras, pero el hecho es que esto nos deja sin la edición física del buque insignia de la crítica de jazz en España. Cuadernos de Jazz redefinió la crítica en nuestro país, diseñó e impulsó una nueva forma de entender el jazz desde la especialización, siendo didáctica y erudita a partes iguales. Hubo épocas en que su nómina de colaboradores era imbatible, llegando a ser comparable en calidad de contenidos a publicaciones extranjeras de referencia como Downbeat (USA), Jazz Magazine (Francia) o Jazzwise (UK)."

***************

"La cuestión es que esto no se puede detener. Las publicaciones seguirán refugiándose día a día en Internet, confiando en poder navegar con solvencia en un mar tan grande y tan revuelto. Seguirá habiendo desapariciones y nacimientos, forcejeos para no perder lo conquistado durante décadas y para construir nuevos modelos más adecuados para el nuevo mundo. Discusiones sobre lo que es cultura y lo que es industria; sobre lo que merece ser subvencionado y lo que queremos consumir realmente.

Y, mientras, seguimos en transición. Con un pasado y mil futuros posibles. Veremos."

Pinchando AQUÍ o en la imagen puedes leer el artículo completo.

Jeff Lang - Chimeradour (2009)

2011-02-13T14:00:00.000+01:00

Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com:

"El australiano Jeff Lang es uno de esos tipos que impresionan cuando les ves en directo. Irradia una fuerza e intensidad tremendas, tanto con banda como en solitario. “Chimeradour”, su último álbum, es un compendio de todas las facetas de Lang, desde la más acústica, como songwriter de categoría, a la más eléctrica, como guitarrista espectacular.

En esto último destaca particularmente, ya que sus habilidades están muy por encima de la media. Su técnica principal es el slide (aunque domina todos los aspectos del instrumento) y lo utiliza con la misma destreza para acariciar al público o para lanzarle poderosas ráfagas de rock’n’roll. En esto coincide con el también australiano John Butler, un guitarrista influenciado por Lang que también vale la pena descubrir.

Hace pocos meses, Jeff Lang estuvo de gira por nuestro país, dejando tras de sí unos cuantos públicos boquiabiertos. “Chimeradour” es una buena forma de conocer la obra de este guitarrista y cantante que representa a la perfección el papel del músico que merece mucho más reconocimiento del que tiene. Y, por cierto: cuando vuelva de gira por aquí, estad atentos."

Pinchando AQUÍ puedes leer el artículo completo.

Dave Rempis / Frank Rosaly - Cyrillic (2009)

2011-02-11T23:45:00.000+01:00

Cada día me gusta más Dave Rempis. Su estilo parte una evolución de Eric Dolphy (y no hay tantos que puedan partir de ahí) y termina en el nuevo free de Chicago que, en cierta forma, el propio Rempis representa.

Su papel en los Vandermark 5 puede eclipsar sus proyectos personales, pero hay que dejar claro que Rempis tiene discos fabulosos con su Percussion Quartet y los grupos Triage y The Engines.

Cyrillic es una grabación a dúo con Frank Rosaly, uno de los dos baterías de su Percussion Quartet. El otro es Tim Daisy, con el que Rempis ya grabó a dúo en 2004 el también sobresaliente Back To The Circle (curiosamente, en los últimos tiempos es Ken Vandermark el que ha grabado a dúo con Daisy dos discos fabulosos: August Music y Light On The Wall).

La comparación entre ambos saxofonistas es poco menos que inevitable, aunque los estilos de Rempis y Vandermark son diferentes y, como vienen demostrando en los Vandermark 5 desde hace años, muy complementarios. Rempis no tiene la personalidad múltiple y polifacética de Vandermark, aunque sí una mayor capacidad técnica y una inventiva aparentemente inagotable.

Esas habilidades junto a un tremendo swing y la increíble versatilidad de Rosaly, hacen de Cyrillic uno de los mejores discos a dúo de saxo-batería que he escuchado en tiempo. Muy, muy bueno.

Alexander McCabe - Quiz (2010)

2011-02-09T23:45:00.003+01:00

Es normal que el nombre de Alexander McCabe nos suene a pocos en el mundo del jazz. Aunque lleva muchos años dando guerra en Nueva York, lo ha hecho más como compositor para televisión y como solista de la orquesta de Ray Charles y de la Afro-Cuban Big Band de Chico O'Farrill.

En su último CD, Quiz, McCabe hace gala de un lenguaje que no tiene mucho que ver con ese bagaje. Su estilo es moderno, maduro y muy elocuente (hay momentos en los que me recuerda al Art Pepper de la última época, cosa que me encanta). Un estilo digno de un saxofonista de primera categoría que, partiendo de ciertos aires mainstream, acaba tocando cosas difíciles de encontrar en discos más rutinarios.

Decía que no era normal conocer a McCabe, pero sus acompañantes en este disco son otra historia. El batería Rudy Royston es sustituido en dos temas por el explosivo Greg Hutchinson y con ellos están, ni más ni menos que Ugonna Okegwo y Uri Caine (ultimamente no se ve mucho a Caine en contextos tan ortodoxos a nivel jazzístico, y hay que decir que es un placer escucharle).

Con semejante grupo, McCabe se garantiza una sección rítmica que no va a desmerecer su trabajo en ningún momento. Es más, el hecho de que el saxofonista esté a la misma altura de sus acompañantes es buena prueba de su valor.

Así que, en el futuro, debemos tener otro nombre en cuenta. Porque, creedme, Alexander McCabe suena realmente bien.

Escuchad:

Bojan Z Tetraband - Humus (2008; ed. 2009)

2011-02-06T16:00:00.001+01:00

Extraído de mi reseña para Cuadernos de Jazz:

"En Humus se mezclan lo eléctrico y lo acústico de forma natural, orgánica y casi inédita; suena a muchas cosas, pero no se parece a nada que yo haya escuchado. El pianista sigue reafirmándose como uno de los mejores del viejo continente, y lo hace con ideas claras, espontaneidad y aplomo. Ha grabado discos mejores que éste, pero tanto Humus como la Tetraband parecen más un camino que un destino."

Puedes leer la reseña completa pinchando AQUÍ.

Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify (según país de residencia).

Wadada Leo Smith and Ed Blackwell - The Blue Mountain's Sun Drummer (1986; ed. 2010)

2011-02-01T23:45:00.003+01:00

En música, la unión no siempre hace la fuerza. Dos o más grandes nombres que por separado son imbatibles pueden, sin ningún problema, no funcionar juntos. Bien, éste NO es uno de esos casos.

En lo que se refiere a dúos con trompetista, Ed Blackwell está inevitablemente ligado al gran Don Cherry, por los dos volúmenes de Mu grabados para BYG/actuel en el 69 y por su famoso El Corazón, publicado por ECM en 1982. The Blue Mountain's Sun Drummer no se queda atrás respecto a esos clásicos.

Grabado en la Universidad de Brandeis en octubre de 1986 por la emisora "The Joint", el disco recoge un concierto en el que Wadada Leo Smith y Ed Blackwell tocan relajadamente diez composiciones del trompetista como si llevasen toda la vida haciéndolo.

Lo normal en una situación como esta es que la personalidad de Smith arrastre a su compañero, sea quien sea éste. Con Blackwell, en cambio, la balanza está equilibrada. El batería y percusionista tiene una personalidad tan fuerte que le permite acompañar a Smith como a un igual, algo que muy pocos pueden decir.

Es más, en muchos pasajes del disco, es la batería de Blackwell la que lleva la voz cantante, marcando rítmos más tradicionales de lo habitual en la música del trompetista y llevándole por derroteros insospechados, tanto con la batería como con diferentes percusiones. Smith, por su parte, alterna entre trompeta y fliscorno (además de flauta, mbira y voz) y lo hace tan bien como siempre: lúcido, contundente, sentido y espiritual.

A pesar de ser dos músicos de afinidad evidente, Ed Blackwell y Wadada Leo Smith no tienen nada publicado juntos, lo que hace de éste un documento aún más valioso, si cabe, aparte de uno de los mejores discos de los últimos tiempos.

Una auténtica joya que salda una deuda con los aficionados a la improvisación: la de tener a estos dos gigantes juntos al fin, aunque sólo sea una vez.

Se nota que son dos de mis músicos favoritos de todos los tiempos, ¿verdad?

Nota 1: En el fantástico disco a dúo de Wadada Leo Smith y Jack DeJohnette, interpretan el tema que da título a este disco, listado con el prefijo "Ed Blackwell". Bonito detalle.

Nota 2: Pinchando en la portada puedes, y debes, escuchar el disco en Spotify (según país de residencia).

Miles Okazaki - Generations (2008; ed. 2009)

2011-01-28T23:45:00.001+01:00

Extraído de mi reseña para Cuadernos de Jazz:

"Sobre el papel, éste debería ser un gran disco. El mero hecho de plantear su grabación completamente en directo, hilando todas las composiciones en una especie de pista maestra y sin ninguna pausa entra temas, ya resulta estimulante. El problema es que Generations es un conjunto de composiciones muy ambiciosas; tanto, que algunos arreglos entierran la posibilidad de llegar al final del disco sin perder la atención"

Puedes leer la reseña completa pinchando AQUÍ.

Javier Vercher - Wish You Were Here (2008; ed. 2010)

2011-01-26T23:45:00.000+01:00

Extraído de mi reseña para Cuadernos de Jazz:

"Hay quien dice que los músicos españoles deben irse a estudiar fuera para llegar al nivel de otras escenas. Javier Vercher podría ser un ejemplo, aunque no debemos caer en ese engaño. Es un músico enorme y, probablemente, el mejor saxofonista español de su generación, pero eso no tiene que ver con asuntos geográficos o escolares, sino con tocar día a día en busca de una voz original y propia."

Puedes leer la reseña completa pinchando AQUÍ.

Mis 20 conciertos favoritos de 2010

2011-01-24T19:00:00.005+01:00

Ahora que estamos bien entrados en 2011 y que uno ha tenido algo de tiempo (poco, en realidad) para reflexionar, he decidido hacer una lista con mis conciertos favoritos del pasado año.

Ya he escrito más de una vez que el concepto de "lo mejor del año" es una insensatez, especialmente por la imposibilidad de escuchar y valorar toda la música creada en nuestro planeta a lo largo de un año, por eso me parece más correcto hablar de "favorito" que de "mejor". A partir de ahí, que la perspetiva de cada uno provea.

El año pasado no vi tantos conciertos como en 2009, pero creo que superé ampliamente el centenar, y de entre todos ellos, estos son los que mejor recuerdo me han dejado.
El orden es cronológico y hay diez por categoría: jazz por un lado y rock, pop y derivados por otro.

JAZZ

>Chris Potter's Underground (Village Vanguard, New York)

>Matt Wilson Quartet (NYC Winter Jazz Festival, New York)

>Gilad Atzmon & The Orient House Ensemble (Vortex, London)

>Mostly Other People Do The Killing (ciclo Aula de Música de la UC, Santander)

>Romano-Sclavis-Texier: African Flashback (Imaxina Sons, Vigo)

>Jason Moran & The Bandwagon + Ralph Alessi & Chris Potter (XIII Jazzfermín, Pamplona)

>Vijay Iyer solo (Heineken Jazzaldia, Donostia-San Sebastián)

>Martial Solal solo (XXIX Festival de Jazz San Juan Evangelista, Madrid)

>Peter Brotzmann Chicago Tentet (XXIX Festival de Jazz San Juan Evangelista, Madrid)

>Dave Liebman-Joe Lovano-Ravi Coltrane: Saxophone Summit (Guimarâes Jazz, Guimarâes)

ROCK, POP, ETC

>Cracker (Kafe Antzokia, Bilbao)

>Eric Clapton & Jeff Beck - Together And Apart tour (O2, London)

>Radio Moscow (Cotton Club, Bilbao)

>Chuck Prophet solo (Colegio de abogados, Bilbao)

>Bob Dylan (Azkena Rock Festival, Vitoria)

>Chris Isaak (Azkena Rock Festival, Vitoria)

>Faith No More (BBKlive Festival, Bilbao)

>Elvis Costello & The Sugarcanes (Heineken Jazzaldia, San Sebastián)

>Dillinger Scape Plan (Kafe Antzokia, Bilbao)

>Jeff Lang (El Balcón, Bilbao)

Una vez confeccionada la lista, lo único que tengo en la cabeza es todos los que me he perdido. Nunca tengo suficiente...

Black Dub – Black Dub (2010)

2011-01-22T23:45:00.000+01:00

Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com:

"Entre la producción de "No Line In The Horizon" de U2 y de "Le Noise" de Neil Young, Daniel Lanois encontró tiempo para montar un nuevo proyecto, capitaneado por él mismo y completado por Brian Blade, Trixie Whitley (hija del malogrado Chris Whitley) y Daryl Johnson.

Tras recuperarse el guitarrista y productor de un aparatoso accidente a mediados de este año, salió por fin a la calle "Black Dub", el primer disco homónimo del grupo. Uno de esos discos raros que, a pesar de hacer aguas en algunos momentos, tiene algo hechizante.

Es increíble la cantidad de géneros con los que tontea la música de Lanois sin meterse de lleno en ninguno de ellos. "Black Dub" contiene pasajes que rozan la incongruencia y, tanto la elección vocal, como algunos arreglos, pueden llegar a resultar desajustados y un tanto anacrónicos, pero es innegable que el conjunto tiene algo.

Puede ser el aspecto instrumental, algo que no es de extrañar con Brian Blade –sin duda, uno de los mejores baterías del mundo– a las baquetas: su forma de groovear con Johnson y el punto tan orgánico que ambos alcanzan junto a las guitarras de Lanois es realmente especial."

Pinchando AQUÍ puedes leer el artículo completo.

Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify (según país de residencia).

Hal McKusick - Triple Exposure (1957)

2011-01-20T23:45:00.000+01:00

Hal McKusick se apartó de los focos del jazz antes de hacerse el hueco que merecía. Su estilo guarda cierto parentesco con Paul Desmond (en sonido) y Lee Konitz (en fraseo) y, escuchándo sus grabaciones de los cincuenta, parece evidente que podría haber hecho grandes cosas.

En este disco, además del saxo alto, toca el tenor y el clarinete (poco habitual, dado el contexto) y coincide con otras figuras oscuras de la época como el trombonista Billy Byers (casi más conocido como arreglista que como bopper) y el fabuloso pianista Eddie Costa.

Con Costa me pasa que, de un tiempo a esta parte, no puedo evitar escucharle sin que me venga a la cabeza mi amigo Fernando Ortiz de Urbina y su proyecto discográfico sobre el pianista y vibrafonista. Gracias a él y a sus investigaciones he descubierto cosas interesantísimas sobre este enorme músico.

En Triple Exposure, Costa brilla como nadie. El líder está muy bien, así como el resto del grupo pero, al final, lo que más llama la atención son las impresionantes intervenciones del pianista.
Escúchadlo y veréis a qué me refiero.

Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar parte del disco en Spotify (según país de residencia).

Talib Kweli + Hi-Tek are Reflection Eternal – Revolutions Per Minute (2010)

2011-01-19T23:00:00.000+01:00

Extraído de mi artículo para Muro de Sonido, blog musical de ELPAIS.com:

"Diez años después de su aclamado “Train of Thought”, el rapero Talib Kweli y el productor Hi-Tek vuelven a unir sus fuerzas bajo el nombre de Reflection Eternal para grabar uno de los mejores discos de hip-hop del año.

“Revolutions Per Minute” tiene toques de soul, R&B e incluso dub pero, en la coctelera de Hi-Tek todo adquiere un carácter muy personal, y las frases de Kweli se adaptan perfectamente a su producción.

Y es que este es un álbum marcado por la comunión de ambos músicos, sin egos ni protagonismos. Las colaboraciones de Mos Def (antiguo compañero de Kweli en Black Star), Bilal o Bun B funcionan perfectamenten, mientras que la de Estelle y algún que otro tema le restan consistencia al tracklist. Pero, en general, este es un gran disco."

Pinchando AQUÍ puedes leer el artículo completo.

Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify (según país de residencia).

Joe Williams - Have A Good Time (1961)

2011-01-17T23:45:00.003+01:00

Quien me conoce bien sabe que mi cantante favorito es Joe Williams. Le descubrí con 16 años, gracias al famoso programa de radio de Pío Lindeegard, "Batería y Contrabajo", y desde entonces tengo predilección por él.

Hace poco me llevé una alegría cuando encontré este viejo LP editado por Roulette, en el que Williams canta algunos standards acompañado de Harry "Sweets" Edison y su orquesta, con arreglos de Ernie Wilkins.

Un año después de esta sesión, en junio de 1962, Williams grabaría en directo su A Swingin’ Night At Birdland, en el que repetían Edison, Joe Benjamin y Charlie Persip. Otro disco que, simplemente, adoro.

Have A Good Time es un álbum precioso y refinado, con la subyugante voz de Williams como única protagonista, aparte de un par de intervenciones de Edison y de un amigo de la infancia del cantante, el gran pianista Jimmy Jones.

Ya no se graban discos así.

Nota: "Have A Good Time" se reeditó en CD en 2001 junto a "Together", otra grabación imprescindible del tándem Williams-Edison. Pinchando en la portada puedes escuchar dicha reedición en Spotify (según país de residencia).